INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
DIBUJO ARTISTICO
GRADO OCTAVO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 1 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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PERIODO:
1 |
ENERO
17 DE 2025 |
17
DE ABRIL DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
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ACTITUDINAL
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PRIMERO |
Identidad
y cultura |
DIBUJO
ARTISTICO |
Historia
del dibujo, tipologías, elementos básicos: punto, línea, contorno, fondo,
volumen textura, puntillismo, tramas, caricaturas. |
Competencia
cognitiva, técnica, y creativa. |
Identifica las
características principales de la historia del dibujo y su evolución a lo
largo del tiempo. Reconoce las
diferentes tipologías del dibujo (por ejemplo, dibujo artístico, técnico,
caricatura, etc.). Comprende los
elementos básicos del dibujo, como el punto, la línea, el contorno, el fondo,
el volumen, la textura, el puntillismo y las tramas. Diferencia las
técnicas y estilos utilizados en el dibujo artístico. Explica la
importancia del dibujo como forma de expresión artística y cultural. |
Aplica los
elementos básicos del dibujo (punto, línea, contorno, fondo, volumen,
textura, etc.) en la creación de obras artísticas. Utiliza diferentes
técnicas y herramientas para realizar dibujos, explorando estilos como el
puntillismo, las tramas y las caricaturas. Organiza exposiciones
o muestras artísticas donde se presenten trabajos realizados con diversas
técnicas de dibujo. Participa en
debates o discusiones sobre la historia del dibujo, sus características y su
impacto en el arte. Experimenta con
la creatividad, combinando elementos y técnicas para producir obras originales. |
Muestra interés
y respeto por la historia del dibujo y su evolución como forma de expresión
artística. Valora la
importancia del dibujo como herramienta de comunicación y expresión cultural. Demuestra responsabilidad
y dedicación en la realización de sus trabajos artísticos. Fomenta un
sentido de pertenencia hacia las técnicas y tradiciones del dibujo artístico. Colabora activamente
en actividades grupales, como exposiciones o debates, compartiendo ideas y
respetando las opiniones de los demás. |
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CONOCIMIENTOS PREVIOS
DIBUJO ARTISTICO
DIBUJO ARTISTICO
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área |
Educación
artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime
EVER Muriel |
Tiempo total |
10
semanas |
|
ESTANDAR: El estándar
del saber ser en la parte conceptual del Dibujo Artístico para
el grado octavo se enfoca en el desarrollo de actitudes, valores y sensibilidades
que permiten al estudiante relacionarse consigo mismo, con los demás y con el
arte de manera reflexiva, crítica y ética. Este estándar no solo busca
fortalecer las habilidades técnicas y creativas, sino también fomentar
una conciencia
artística y personal que contribuya al crecimiento
integral del estudiante. A continuación, se describe este estándar en
detalle: El estudiante
de grado octavo demuestra una actitud reflexiva, crítica y ética hacia el
arte y su proceso creativo, reconociendo el dibujo como una herramienta de
expresión personal, comunicación y transformación social, mientras desarrolla
valores como la responsabilidad, el respeto, la empatía y la sensibilidad
estética. COMPETENCIAS
ESPECIFICAS: 1. LA SENSIBILIDAD: La sensibilidad en el dibujo
artístico se refiere a la capacidad de percibir, interpretar y responder
emocionalmente al entorno, a las obras de arte y a las propias creaciones.
Las competencias específicas incluyen: ·
Desarrollar la
observación detallada: Aprender
a observar el mundo con atención, captando detalles, formas, colores y
texturas que puedan inspirar sus creaciones. ·
Conectar con las
emociones: Expresar sentimientos,
ideas y experiencias personales a través del dibujo, utilizando el arte como
un medio de introspección y catarsis. ·
Valorar la diversidad: Reconocer
y respetar las diferentes formas de expresión artística y cultural,
desarrollando empatía hacia las perspectivas de otros artistas y culturas. ·
Experimentar con
sensaciones visuales: Explorar
cómo los elementos visuales (líneas, formas, colores) pueden evocar emociones
y sensaciones en el espectador. 2. La apreciación estética: La
apreciación estética implica la capacidad de analizar, valorar y disfrutar
del arte, tanto en sus propias creaciones como en las de otros. Las
competencias específicas incluyen: ·
Identificar elementos
estéticos: Reconocer y analizar los
componentes visuales (composición, equilibrio, ritmo, armonía) en obras
artísticas propias y ajenas. ·
Valorar la belleza y el significado: Apreciar
no solo la belleza formal de una obra, sino también su contenido simbólico y
conceptual. ·
Contextualizar el arte: Comprender
las obras de arte dentro de su contexto histórico, cultural y social,
reconociendo su influencia y relevancia. ·
Desarrollar un criterio
estético personal: Formar
una opinión crítica y fundamentada sobre lo que considera bello, interesante
o significativo en el arte. 3. la comunicación: La
comunicación en el dibujo artístico se refiere a la capacidad de transmitir
ideas, mensajes y emociones a través de la expresión visual. Las competencias
específicas incluyen: ·
Expresar ideas
visualmente: Utilizar el dibujo como
un lenguaje para comunicar conceptos, historias o emociones de manera clara y
efectiva. ·
Crear narrativas visuales: Desarrollar
la capacidad de contar historias o transmitir mensajes a través de secuencias
de imágenes o composiciones simbólicas. ·
Interpretar y decodificar
mensajes: Analizar obras de arte
para comprender su intención comunicativa y su impacto en el espectador. ·
Fomentar el diálogo
artístico: Compartir y discutir sus
creaciones con otros, recibiendo y ofreciendo retroalimentación constructiva. ·
Utilizar símbolos y
metáforas: Incorporar elementos
simbólicos en sus dibujos para enriquecer el mensaje y profundizar en su
significado. Competencias
Maristas:
Las competencias maristas son un conjunto de habilidades,
actitudes y valores que la educación marista busca desarrollar en los
estudiantes, basándose en los principios y el legado de San Marcelino
Champagnat, fundador de los Hermanos Maristas. Estas competencias no solo se
enfocan en lo académico, sino también en la formación integral de la persona,
promoviendo el crecimiento espiritual, emocional, social y ético. A
continuación, se describen las competencias maristas más relevantes:
1. Competencia
espiritual y trascendente
·
Fe y espiritualidad: Fomentar
una relación personal con Dios, basada en la fe, la oración y la confianza en
la Providencia. ·
Sentido de trascendencia: Ayudar
a los estudiantes a encontrar significado y propósito en su vida, más allá de
lo material. ·
Valores evangélicos: Vivir
y promover valores como el amor, la justicia, la misericordia y la
solidaridad. Competencias socioemocionales: Las competencias
socioemocionales en el dibujo artístico
para el grado noveno se enfocan en el desarrollo de habilidades que permiten
a los estudiantes gestionar sus emociones, relacionarse de manera efectiva
con los demás y expresarse de forma auténtica a través del arte. Estas
competencias son esenciales para fomentar el bienestar emocional, la
colaboración y la creatividad en el proceso artístico. A continuación, se
detallan las competencias socioemocionales clave en el contexto del dibujo
artístico: Las competencias
socioemocionales en el Dibujo
Artístico para el grado octavo son
esenciales para el desarrollo integral de los estudiantes, ya que no solo
fomentan habilidades técnicas y creativas, sino que también promueven el
autoconocimiento, la empatía, la colaboración y la gestión emocional. Estas
competencias ayudan a los estudiantes a expresarse de manera auténtica, a
relacionarse con los demás y a enfrentar desafíos personales y sociales a
través del arte. A continuación, se describen las competencias socioemocionales
más relevantes para este nivel: 1. Autoconocimiento y autogestión emocional
·
Reconocer y expresar
emociones: Aprender a identificar y
plasmar emociones propias (alegría, tristeza, enojo, miedo) a través del
dibujo. ·
Gestionar emociones: Utilizar
el dibujo como una herramienta para canalizar sentimientos y manejar
situaciones de estrés o conflicto. ·
Reflexionar sobre el
proceso creativo: Analizar
cómo las emociones influyen en la creación artística y cómo esta, a su vez,
puede transformar el estado emocional. Competencias
ciudadanas: Las competencias
ciudadanas en el Dibujo
Artístico para el grado octavo
buscan fomentar en los estudiantes una conciencia crítica, responsable y
participativa en su entorno social y cultural. A través del arte, los estudiantes
pueden desarrollar habilidades que les permitan contribuir de manera positiva
a la sociedad, respetar la diversidad y promover valores como la justicia, la
equidad y la convivencia pacífica. A continuación, se describen las
competencias ciudadanas más relevantes para este nivel: 1. Respeto y valoración de la diversidad
·
Reconocer y celebrar las
diferencias: Utilizar el dibujo para representar
la diversidad cultural, étnica, social y de género, promoviendo la inclusión
y el respeto. ·
Explorar expresiones
artísticas de otras culturas: Estudiar
y recrear técnicas, estilos y temas de diferentes culturas, fomentando la
apreciación de la riqueza cultural global. Reflexionar sobre
estereotipos: Cuestionar y deconstruir estereotipos
a través de representaciones artísticas que promuevan la igualdad y la
justicia |
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competencia: Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia
expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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|
competencia: Competencia
creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
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competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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saber ser
(competencia
interpretativa) |
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competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
HISTORIA DEL DIBUJO:
La historia del dibujo es fundamental
para comprender su evolución como forma de expresión artística y cultural. Para
el grado octavo en dibujo artístico, se puede abordar de
manera sencilla y didáctica, destacando los hitos más importantes y su relación
con el desarrollo del arte. A continuación, se presenta un resumen adaptado
para este nivel:
Historia del Dibujo Artístico
1. Orígenes del Dibujo:
·
El dibujo es una de las formas de expresión más antiguas de la
humanidad.
·
Arte rupestre: Los primeros dibujos
se encuentran en cuevas prehistóricas, como las de Altamira (España) y Lascaux (Francia). Estos dibujos representaban
animales, figuras humanas y escenas de caza, utilizando pigmentos naturales y
técnicas simples.
·
Función: Estos dibujos tenían un propósito
ritual, mágico o de comunicación.
2. El Dibujo en las Civilizaciones
Antiguas:
·
Egipto: Los egipcios utilizaban el dibujo para
decorar tumbas y templos, con un estilo caracterizado por la frontalidad y la
simbología. Las figuras humanas se representaban de perfil, pero con los ojos y
hombros de frente.
·
Grecia y Roma: Los griegos y romanos
perfeccionaron el dibujo, enfocándose en la proporción y la anatomía humana. El
dibujo se utilizaba para planificar esculturas, pinturas y arquitectura.
·
Función: El dibujo servía como herramienta para
la creación de obras artísticas y arquitectónicas.
3. El Dibujo en la Edad Media:
·
Durante la Edad Media, el dibujo estuvo principalmente al
servicio de la religión.
·
Manuscritos ilustrados: Los monjes realizaban
dibujos detallados en libros religiosos, conocidos como iluminaciones.
·
Función: El dibujo se usaba para transmitir
enseñanzas religiosas y decorar textos sagrados.
4. El Renacimiento (Siglos XV y XVI):
·
El Renacimiento marcó un punto de inflexión en la historia del
dibujo.
·
Artistas destacados: Leonardo da Vinci,
Miguel Ángel y Rafael utilizaron el dibujo como base para sus obras maestras.
Leonardo, por ejemplo, realizó estudios anatómicos y científicos a través del
dibujo.
·
Técnicas: Se desarrollaron técnicas como el claroscuro (uso de luces y
sombras) y la perspectiva, que permitían crear sensación de
profundidad y realismo.
·
Función: El dibujo se convirtió en una
herramienta esencial para el estudio, la planificación y la creación artística.
5. El Dibujo en los Siglos XVII y
XVIII:
·
Durante este período, el dibujo se consolidó como una disciplina
independiente.
·
Barroco y Rococó: Artistas como
Rembrandt y Watteau utilizaron el dibujo para explorar emociones y detalles.
·
Función: El dibujo se usó tanto para estudios
preparatorios como para obras finales.
6. El Dibujo en los Siglos XIX y XX:
·
Romanticismo y Realismo: Artistas como Goya y
Delacroix utilizaron el dibujo para expresar emociones y criticar la sociedad.
·
Modernismo y Vanguardias: En el siglo XX, el
dibujo se liberó de las reglas tradicionales. Artistas como Picasso y Kandinsky
exploraron nuevas formas de expresión, utilizando técnicas abstractas y
experimentales.
·
Función: El dibujo se convirtió en una forma de
expresión personal y artística, más allá de la representación realista.
7. El Dibujo en la Actualidad:
·
Hoy en día, el dibujo sigue siendo una forma de expresión
fundamental en el arte.
·
Técnicas modernas: Se combinan técnicas
tradicionales con herramientas digitales, como tabletas gráficas y programas de
diseño.
·
Función: El dibujo se utiliza en diversas áreas,
como el arte, el diseño, la publicidad, la animación y la ilustración.
2.
CONTENIDOS TEMATICOS:
A.
El Punto
Es el elemento de expresión plástica más pequeño. El
punto no tiene dimensión, pero puede cambiar de tamaño, color y forma. Puede
configurar líneas y formas por medio de la alineación y la agrupación.
EL
PUNTO EN SOLITARIO
El punto tiene una gran fuerza expresiva que atrae la
mirada tanto si está aislado como combinado con otros puntos.
Si dibujas un punto en una hoja de papel se convierte en
el centro del campo visual y crea una tensión que atrae intensamente la mirada
del espectador. Las sensaciones que produce pueden ser muy diferentes según la
posición en la que está colocado. Así, si dibujamos un punto en el centro de la
hoja, dará la sensación de quietud, estabilidad e importancia, ya que las
tensiones visuales van hacia el centro.
En cambio, si lo desplazas, la sensación será de
inestabilidad y movimiento, ya que obliga a los ojos a moverse hacia él.
B. La Línea
Una línea es una
sucesión continua de puntos. En dibujo,
la línea se denomina también raya, y es la huella que deja un útil sobre una
superficie (papel, plástico, madera...) cuando se desplaza sobre ella.
Físicamente la línea no existe, en realidad, se trata de un concepto inventado
por el hombre.
La línea es considerada como el elemento fundamental del
dibujo y de la escritura, puesto que las letras están formadas también por
líneas. El niño desde los primeros años comienza a dibujar líneas, que
primeramente son garabatos y que, más tarde, irá dando forma hasta obtener
dibujos.
La línea en la pintura
rupestre
TIPOS
DE LÍNEA
Básicamente podemos decir que existen dos tipos de líneas;
las rectas y las curvas.
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La línea recta es obtenida cuando no se modifica su
dirección y la curva cuando ésta varía constantemente. La línea recta puede
ser: horizontal, vertical e inclinada. Si combinamos las líneas rectas y curvas
se obtienen otras denominadas mixtas, que en el mundo real son las
que más predominan.
algunos tipos de línea.
C.
CONTORNO
El primer paso que vamos a dar antes
de entrar de lleno a establecer el significado del término contorno es determinar su origen etimológico.
En este sentido, podemos decir que procede del latín pues es fruto de la suma
de dos partes de dicha lengua: el prefijo “con-“, que puede traducirse como
“todo”, y “tornus”, que es sinónimo de “dado vueltas”.
Las acepciones del término contorno son bastante variadas. El concepto
puede utilizarse para nombrar a aquellas líneas que permiten trazar los límites de una imagen o de una figura. Por ejemplo: “Cuando pintes tu cuaderno,
trata de no salirte de los contornos de las personas”, “La maestra nos pidió que remarquemos el contorno de los
cuadrados, pero no de los rectángulos”, “Aunque tenía el contorno borroneado, era fácil identificar al
león en el dibujo del pequeño”.
Se llama contorno
a los límites de una figura.
D. LA FORMA
CONCEPTO Y
PERCEPCIÓN DE LA FORMA
Forma es la apariencia de todo lo que vemos (dibujos,
esculturas, objetos, personas, animales, etc...). Las formas surgen como
consecuencia de la interpretación de las imágenes.
Identificamos todos los objetos y seres que nos rodean a
través de su forma. En este proceso de identificación van a influir nuestras
experiencias, vivencias previas, estado emocional y las condiciones ambientales
que rodean al objeto.
La forma puede ser percibida por cualquiera de los
sentidos que tenemos (vista, oído, tacto, gusto, olfato) o por combinación de
varios de ellos.
El niño, desde sus primeros años percibe muy pronto las
formas, lo cual es uno de los factores fundamentales del conocimiento que va
adquiriendo.
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Si a un niño de preescolar se le dibuja un círculo y le
preguntamos por su significado, el niño lo asociará a sus experiencias
conocidas y dirá que se trata de una pelota. De este modo, el niño irá
asociando las formas a los objetos conocidos.
A veces solo por el contorno podemos percibir las
formas.
CARACTERÍSTICAS
DE LA FORMA
Las formas pueden agruparse en:
- Bidimensionales o planas: tienen dos
dimensiones (anchura y altura).
- Tridimensionales: porque tienen
tres dimensiones (anchura, altura y profundidad).
TIPOS DE FORMA
Existe una variedad amplia de tipos de formas. Así, las
formas pueden ser naturales (nubes, hojas...)
o artificiales (silla, dibujo...). A su vez, estas formas pueden
clasificarse en: orgánicas (bordes regulares) y
geométricas (orden matemático).
E.
VOLUMEN:
El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al conocimiento del
cual llegamos por medio de la luz y de las sombras, y que nos permite tener una
percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que deseamos
representar en un dibujo o en una pintura. El volumen es, junto con la forma,
uno de los aspectos que distingue a los objetos que nos rodean. Depende de la
luz y, por consiguiente, de las sombras que ésta produce. La definición
correcta del volumen de un objeto consiste en valorar exactamente las
intensidades de sus sombras.
La textura hace
referencia a la agregación de materiales que se perciben como variaciones o
irregularidades de una superficie continua.
El
funcionamiento de tales texturas es proporcionar realismo a la obra, hacerla
creíble y lograr sensaciones en los espacios que observamos; como si el artista
tratara de desafiar un sentido común.
La textura de la
pintura es aquella que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones
artísticas plasmados en un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para
clasificar la textura como el relieve, las líneas y la forma en que se expresa
la pintura, entre otras.
La textura es un
atributo táctil, es lo perceptible a través del sentido del tacto. Más allá de
la impronta visual. Forma parte del lenguaje de la pintura, en el sentido del
carácter del discurso. Comienza por la textura del propio lienzo, la calidad
del hilo el número de su entramado.
Un lienzo
fuerte, grueso reclama texturas sólidas, resueltas, decididas. Reclama trabajo
con la espátula y pinceles de cerdas duras, eso no se haría con un entramado de
lino donde los pinceles de abanico y pelo de marta dejan apenas su huella
perceptible.
Muchas cosas se
han utilizado en la pintura para crear efectos de textura desde la aplicación
de tierras, arena y pigmentos gruesos mezclados con el óleo, hasta emulsiones
de cera, objetos de papel, cartón, madera, buscando ya abandonar el plano
dimensional se adentran por derecho propio en el campo de la escultura.
La textura nace
en la pintura por la necesidad de plantearse una representación perceptible de
la realidad y solo termina en la escultura donde tal cosa es absolutamente
posible y definitivamente deseable.
G.
EL
PUNTILLISMO:
El puntillismo es
una técnica artística que consiste en hacer una obra mediante el uso de diminutos
puntos. Apareció por primera vez en 1884, en Francia encabezada por el
pintor neoimpresionista Georges Seurat, al que le siguieron artistas como Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac. En Italia los puntillistas adoptaron el segundo nombre de
"división".
Es una técnica
pictórica que consiste en representar la vibración luminosa mediante la
aplicación de puntos, que al ser vistos desde una cierta distancia componen
figuras y paisajes bien definidos. Este fue el resultado de los estudios
cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división
de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia,
crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes
artistas puntillistas fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la Société des Artistes
Indépendants (1884),
todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.
El
dibujo de tramas
El dibujo de tramas consiste en hacer líneas cruzadas en distintas
direcciones marcando la curvatura de la superficie con líneas en la dirección
de la sombra. Cuando hay mayor sombra, las líneas deben estar más unidas, ello
provocará que desde lejos se perciba la zona más oscura.
I. CARICATURAS:
¿Qué
es caricatura?
La caricatura
consiste en una representación exagerada o grotesca.
Por ello es un género transversal y abarca otros como: Dibujo y Pintura,
Literatura, Teatro, Periodismo, Escultura o el Comic a través de las viñetas
periodísticas. Se puede aplicar entonces a toda obra que ridiculiza o toma a
broma el modelo que tiene por objeto y donde los personajes o hechos transmiten
una idea sarcástica. Pueden emplearse como sinónimos los términos: “sátira,
parodia, ridiculización, deformación, exageración, burla, bufonada, alegoría,
retrato de costumbres, ridículo, esperpento…”
También se puede
emplear el término de forma despectiva, para hacer referencia a aquello que no
alcanza a ser algo plenamente (ej: era la caricatura de sí mismo; el
presupuesto de este año es una caricatura del anterior,) Por último, en
Iberoamérica, “caricatura” se emplea para hacer referencia a los “dibujos
animados”.
En nuestro caso,
nos interesamos especialmente por la representación gráfica, es decir el dibujo
de caricatura. En este caso, la caricatura se define como un retrato en el que
se lleva a cabo la exageración de los rasgos y la apariencia de una persona.
ACTIVIDAD CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte
conceptual y realiza un cuadro sinóptico en la aplicación de canva.
MOTIVACIÓN: valores maristas:
LAHUMILDAD
ACTIVIDAD 1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “EL VALOR DE LA HUMILDAD”, y
realizar una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=h7QDVXuB41I
PLAN LECTOR: (LIBROS SUGERIDOS PARA EL PERIODO)
ACTIVIDAD 2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LECTURA
CRITICA SOBRE DIBUJO ARTISTICO, en tu cuaderno y contesta las preguntas.
Lectura Crítica sobre el Dibujo Artístico
El dibujo artístico es una de las formas más
antiguas y fundamentales de expresión humana. Desde las pinturas rupestres
hasta las obras contemporáneas, el dibujo ha servido como un medio para
comunicar ideas, emociones y narrativas. A través de líneas, sombras y
texturas, los artistas han logrado capturar la esencia de la realidad o
trascenderla para explorar mundos imaginarios.
Sin embargo, el dibujo artístico no es
simplemente una técnica; es un lenguaje visual que requiere tanto habilidad
técnica como sensibilidad estética. La crítica hacia el dibujo artístico a
menudo se centra en la capacidad del artista para equilibrar estos dos
aspectos. Un dibujo técnicamente perfecto pero carente de emoción puede
resultar frío y poco interesante, mientras que un dibujo lleno de expresión
pero con errores técnicos puede perder credibilidad.
Además, el dibujo artístico ha evolucionado
con el tiempo, influenciado por movimientos culturales, sociales y
tecnológicos. Por ejemplo, el Renacimiento enfatizó la precisión anatómica y la
perspectiva, mientras que el arte moderno y contemporáneo ha explorado la
abstracción y la desconstrucción de formas. Esto plantea preguntas sobre qué se
considera "buen" dibujo en diferentes contextos históricos y
culturales.
Otro aspecto crítico es la accesibilidad del
dibujo. A diferencia de otras formas de arte que requieren materiales costosos,
el dibujo puede realizarse con herramientas simples, como lápiz y papel. Esto
lo convierte en una forma de arte democrática, pero también puede llevar a
subestimarlo en comparación con otras disciplinas más "prestigiosas"
como la pintura o la escultura.
Finalmente, el dibujo artístico también
enfrenta desafíos en la era digital. Las herramientas digitales han ampliado
las posibilidades creativas, pero también han generado debates sobre la
autenticidad y el valor del arte hecho a mano versus el arte generado por
computadora.
Preguntas sobre el Dibujo
Artístico
1.
¿Cuál es la importancia del
dibujo artístico en la formación de un artista?
o
¿Es el dibujo una habilidad fundamental que todo artista debe dominar,
independientemente de su disciplina?
2.
¿Cómo influyen los
movimientos artísticos y culturales en la evolución del dibujo?
o
¿De qué manera el contexto histórico y social afecta la
percepción y valoración del dibujo artístico?
3.
¿Qué papel juega la técnica
versus la expresión en el dibujo artístico?
o
¿Es más importante la precisión técnica o la capacidad de
transmitir emociones e ideas?
4.
¿Cómo ha impactado la
tecnología digital en el dibujo artístico?
o
¿Las herramientas digitales han democratizado el arte o han
diluido la autenticidad del dibujo tradicional?
5.
¿Qué define un
"buen" dibujo artístico?
o
¿Existen criterios universales para juzgar la calidad de un
dibujo, o es algo subjetivo y dependiente del contexto cultural?
6.
¿Por qué el dibujo
artístico a menudo se considera menos prestigioso que otras formas de arte?
o
¿Es esta percepción justificada o es el resultado de prejuicios
históricos y culturales?
7.
¿Cómo puede el dibujo
artístico ser una herramienta de cambio social?
o
¿De qué manera los artistas pueden utilizar el dibujo para
abordar problemas sociales, políticos o ambientales?
8.
¿Qué papel juega la
práctica y la disciplina en el desarrollo de habilidades de dibujo?
o
¿Es el talento innato más importante que la dedicación y el
trabajo constante?
9.
¿Cómo se relaciona el
dibujo artístico con otras formas de expresión visual, como la fotografía o el
cine?
o
¿Puede el dibujo coexistir y complementarse con estas
disciplinas en la era contemporánea?
10. ¿Qué
futuro tiene el dibujo artístico en un mundo cada vez más digitalizado?
o
¿Seguirá siendo relevante el dibujo tradicional, o será
reemplazado por formas de arte digital?
Esta lectura crítica y las preguntas
planteadas invitan a reflexionar sobre el papel del dibujo artístico en la
historia, la cultura y la sociedad, así como sobre su evolución y relevancia en
el mundo actual.
ACTIVIDAD 3:
Desarrollo de la actividad 3, Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de LA GIOCONDA, DE LEONARDO
DA VINCE, y contesta las
siguientes preguntas:
Descripción de la
obra: "La Gioconda" (Mona Lisa) de Leonardo da Vinci
"La Gioconda", también conocida
como "Mona Lisa", es una de las obras más famosas y
enigmáticas de la historia del arte. Fue pintada por el genio
renacentista Leonardo da Vinci entre 1503 y 1506, aunque se
cree que continuó trabajando en ella hasta 1517. Esta pintura al óleo sobre una
tabla de madera de álamo mide 77 x 53 cm y se encuentra
actualmente en el Museo del Louvre en París, Francia.
Características
principales:
- Composición:
- La figura de la Mona Lisa está representada
de medio cuerpo, sentada en un balcón o terraza.
- Su postura es serena, con las manos cruzadas
sobre el regazo, lo que transmite una sensación de calma y elegancia.
- El paisaje de fondo, con montañas, ríos y
caminos sinuosos, parece difuminarse en la distancia gracias a la técnica
del sfumato, que Leonardo dominaba a la perfección.
- Expresión facial:
- La sonrisa de la Mona Lisa es su rasgo más
famoso. Es una sonrisa enigmática que parece cambiar según el ángulo
desde el que se la mire, lo que ha generado múltiples interpretaciones.
- Sus ojos parecen seguir al espectador,
creando una conexión directa y misteriosa.
- Técnica:
- Leonardo utilizó la técnica del sfumato,
que consiste en difuminar los contornos y las transiciones entre colores
para crear un efecto de profundidad y realismo.
- La luz y la sombra están cuidadosamente
trabajadas para dar volumen al rostro y las manos.
- Fondo:
- El paisaje de fondo es imaginario y muestra
una combinación de elementos naturales y arquitectónicos.
- La atmósfera brumosa y la perspectiva aérea
contribuyen a la sensación de profundidad.
- Simbolismo:
- La obra ha sido interpretada de muchas
maneras. Algunos creen que representa la dualidad entre lo humano y lo
natural, mientras que otros ven en ella un retrato de la feminidad
idealizada.
- La ausencia de joyas y adornos excesivos
refuerza la idea de una belleza natural y sencilla.
Preguntas sobre
"La Gioconda"
- Sobre la técnica:
- ¿Qué es el sfumato (¿el sfumato es una
técnica pictórica que se utiliza para suavizar la transición entre
colores y tonos? Se
caracteriza por difuminar los contornos de las figuras, lo que hace que
emerjan de un fondo oscuro), ¿y cómo contribuye a la atmósfera de la obra?
- ¿Cómo logra Leonardo da Vinci crear la
sensación de profundidad en el paisaje de fondo?
- Sobre la expresión:
- ¿Por qué se considera la sonrisa de la Mona
Lisa como "enigmática"?
- ¿Qué emociones o sensaciones transmite la
expresión facial de la Mona Lisa?
- Sobre el contexto histórico:
- ¿Quién era la modelo de la Mona Lisa y por
qué se cree que fue ella?
- ¿Cómo refleja esta obra los ideales del
Renacimiento?
- Sobre el simbolismo:
- ¿Qué elementos del paisaje de fondo podrían
tener un significado simbólico?
- ¿Por qué crees que Leonardo eligió un fondo
imaginario en lugar de uno realista?
- Sobre la influencia y el
legado:
- ¿Por qué crees que la Mona Lisa es
considerada una de las obras más importantes de la historia del arte?
- ¿Cómo ha influido esta obra en otros artistas
y en la cultura popular?
- Sobre la apreciación
estética:
- ¿Qué aspectos de la obra te llaman más la
atención y por qué?
- ¿Cómo crees que la técnica y la composición
contribuyen a la belleza de la obra?
- Sobre la comunicación:
- ¿Qué mensaje o historia crees que Leonardo
quería transmitir con esta obra?
- ¿Cómo te hace sentir la mirada y la sonrisa
de la Mona Lisa?
Reflexión final
"La Gioconda" es una obra que trasciende
el tiempo y el espacio, despertando admiración y curiosidad en quienes la contemplan.
Su misterio, técnica impecable y belleza atemporal la convierten en un ícono
del arte universal. A través de preguntas y análisis, podemos profundizar en su
significado y apreciar la genialidad de Leonardo da Vinci.
ACTIVIDAD 4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un ensayo en tu cuaderno, observa
el video de:
“COMO DIBUJAR UN BODEGON DE FRUTAS”,
https://www.youtube.com/watch?v=HP37_iYxhq4
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de tipos de
líneas, volumen, tramas, puntillismo.
Líneas:
Volumen:
Tramas:
Puntillismo:
Saber hacer (competencia
propositiva)
|
|
competencia: Competencia creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o
crear nuevas y significativas realidades artísticas. competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón
prensado elaborar trabajos creativos con la técnica del lápiz 6b, de
dibujo de un paisaje, bodegón, caricaturas.
PAISAJES:
BODEGONES:
CARICATURAS:
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora la
conceptualización de los elementos fundamentales del dibujo, las habilidades motoras y
técnicas básicas para el manejo de herramienta, observa la representación de
formas simples. la creatividad y la expresión personal desde los primeros
pasos. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia
los conocimientos en base los elementos fundamentales
del dibujo, las habilidades motoras y técnicas básicas para el manejo de
herramienta, observa la representación de formas simples. la creatividad y la
expresión personal desde los primeros pasos. |
|
BASICO |
Reconoce los elementos fundamentales del dibujo,
las habilidades motoras y técnicas básicas para el manejo de herramienta,
observa la representación de formas simples. la creatividad y la expresión
personal desde los primeros pasos. |
|
BAJO |
Se le dificulta
valorar la conceptualización, en base los conceptos fundamentales del dibujo, las
habilidades motoras y técnicas básicas para el manejo de herramienta, observa
la representación de formas simples. la creatividad y la expresión personal
desde los primeros pasos. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente sabe elaborar
ejercicios prácticos, con un dominio avanzado de la perspectiva, proporción y profundidad.
Uso preciso de luces y sombras para crear atmósferas realistas o expresivas, con una interpretación única de bodegones, paisajes,
caricaturas con elementos innovadores que van más allá de la mera
representación. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en ejercicios prácticos un buen manejo de la perspectiva
y las proporciones, con detalles bien definidos. Y un buen uso adecuado de luces y sombras.
Interpretación personal de bodegones, paisajes, caricaturas con algunos
elementos originales. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios prácticos,
la perspectiva y proporciones aceptables, pero con errores visibles. Luces y
sombras poco definidas. Y la representación literal de bodegones, paisajes, caricaturas,
sin elementos innovadores. |
|
BAJO |
Se
le dificulta practicar
en su cuaderno realizar ejercicios, con errores graves en
perspectiva, proporción y composición. Uso mínimo o incorrecto de luces y
sombras. Y la representación de bodegones, paisajes, caricaturas, con líneas
confusas, sin profundidad ni detalles reconocibles. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma perfecta aplica y crea nuevas obras de arte, en
base los al dominio excepcional de la
perspectiva, la composición y el uso de luces y sombras. Y un manejo avanzado
de texturas y detalles. Creación de bodegones, paisajes, caricaturas
innovadoras, con elementos imaginativos o surrealistas que trascienden la
realidad. |
|
ALTO |
Desarrolla, aplica y crea nuevas obras de arte, en
base al buen manejo de la perspectiva, la composición y las luces y
sombras. Texturas y detalles bien definidos. Y la interpretación personal de
bodegones, paisajes, caricaturas con algunos elementos innovadores. |
|
BASICO |
Reconoce, aplica y crea nuevas obras de
arte en base a la perspectiva y composición aceptables, pero con errores
visibles. Luces y sombras poco definidas. Y la representación literal de
bodegones, paisajes, caricaturas sin elementos innovadores. |
|
BAJO |
Se
le dificulta crear una
obra de arte con errores graves en perspectiva, composición y uso de luces y
sombras. Texturas y detalles ausentes o mal definidos. Falta de innovación o
interpretación personal. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Historia
del dibujo
https://mott.pe/noticias/conoce-la-historia-del-dibujo-en-sus-distintas-etapas/
2. Concepto
de punto
https://artesvisuales.com/blog/el-punto-elemento-grafico-indivisible/
3. Concepto
de línea
https://artesvisuales.com/blog/la-linea/
4. Concepto
de contorno
https://definicion.de/contorno/
5. Concepto
de volumen
https://dibujonavarres.wordpress.com/2014/11/15/la-forma-definicion/
6. Concepto
de textura
7. https://www.ecured.cu/Textura_(Artes_visuales)
8. Concepto
de puntillismo
10. Concepto
de tramas
11. https://totenart.com/noticias/la-utilidad-del-grafismo-y-la-trama-introduccion/
12. Concepto
de caricaturas
https://www.significados.com/caricatura/
|
RECURSOS,
FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE EVALUACIÓN |
|
RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las
competencias asociadas a la educación artística son habilidades,
conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que
deben tener unos dominios específicos. en este sentido, el conjunto de
conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son
responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres
competencias de cuyo desarrollo se ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos
inherentes a las prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en
el ambiente característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es
pertinente hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han
denominado “cognición situada” Por
otra parte, es necesario aclarar que las tres competencias específicas se
abstraen aquí como ámbitos separados únicamente para efectos de su abordaje
conceptual y pedagógico. se supone que de hecho están presentes e integradas
y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante, incluso en
el examen de un mismo producto o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe
aclararse que en este documento orientaciones pedagógicas para la educación
artística en básica y media se requiere analizarlas por separado, aunque en
el acto de enseñanza aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y
compleja. a continuación, se presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO
CORPORAL Autocuidado Lenguaje
corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La
evaluación la evaluación constituye una actividad mediante la cual los
maestros tienen la oportunidad de monitorear los procesos de enseñanza y de
aprendizaje de sus educandos, en la búsqueda de afianzar, mejorar,
consolidar, valorar y complementar los aprendizajes de éstos. Al
respecto es conveniente recordar los rasgos fundamentales que caracterizan a
la evaluación con enfoque formativo (en los niveles de educación básica y
media) en el aula, tanto en el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas.
• se centra en la forma como el estudiante aprende,
sin descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta rúbrica,
evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La autoevaluación permite a los
estudiantes evaluar su propio trabajo. la coevaluación les permite evaluar
el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje:
Indicadores:
·
Innovación: Uso
de enfoques creativos y soluciones originales en la composición y el estilo. ·
Expresión personal: Desarrollo
de un estilo propio que refleje la personalidad y visión del estudiante. ·
Experimentación: Exploración
de técnicas, materiales y conceptos nuevos. 3. Composición y Diseño:
 Evalúa la organización de los elementos
visuales en el espacio de trabajo. Indicadores:
·
Equilibrio: Distribución
armónica de los elementos en la composición. ·
Ritmo y movimiento: Uso
de líneas, formas y colores para crear sensación de dinamismo. ·
Enfoque y jerarquía: Claridad
en el punto focal de la obra y en la organización de los elementos
secundarios. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER Para evaluar
el desempeño en dibujo artístico en el grado octavo, enfocándose en los temas de historia del dibujo, técnicas de sombreado y valor tonal, dibujo de observación, composición y diseño, expresión y creatividad, apreciación artística y proyectos integradores, se pueden establecer criterios de evaluación basados en los
saberes saber, hacer, ser y convivir. A continuación, se detallan los criterios para cada tema:
1. Historia del Dibujo (Saber - Conceptual)
 Criterios de Evaluación: Conocimiento histórico: Demuestra
comprensión de los principales movimientos, artistas y técnicas en la
historia del dibujo. Contextualización: Relaciona
el desarrollo del dibujo con su contexto cultural, social y tecnológico. Análisis crítico: Analiza
obras representativas de diferentes épocas, identificando estilos, técnicas y
significados. Aplicación: Utiliza
referentes históricos para enriquecer sus propias creaciones. Indicadores de Desempeño: Identifica características clave del dibujo
en el Renacimiento, Barroco, Romanticismo, Arte Moderno y Contemporáneo. Explica cómo los avances tecnológicos han
influido en el dibujo a lo largo de la historia. Compara y contrasta obras de diferentes
períodos, destacando su evolución técnica y conceptual. 2. Técnicas de Sombreado y Valor Tonal (Hacer -
Procedimental)
 Criterios de Evaluación: Dominio técnico: Aplica
correctamente técnicas de sombreado (lápiz, carboncillo, tinta) para crear
volúmenes y texturas. Valor tonal: Utiliza
una gama amplia de valores tonales (claroscuro) para dar profundidad y
realismo. Precisión: Logra
transiciones suaves y graduales entre luces y sombras. Experimentación: Explora
diferentes herramientas y técnicas para lograr efectos variados. Indicadores de Desempeño: Crea dibujos con sombreado que reflejan
volúmenes y texturas de manera realista. Utiliza al menos 5 valores tonales
distintos en sus trabajos. Experimenta con técnicas como el
difuminado, el rayado cruzado y el puntillismo. 3. Dibujo de Observación (Hacer -
Procedimental)
 Criterios de Evaluación: Precisión: Captura
con fidelidad las proporciones, formas y detalles del modelo observado. Atención al detalle: Incluye
elementos específicos que caracterizan al objeto o escena. Perspectiva: Aplica
principios básicos de perspectiva (lineal y atmosférica) cuando es necesario. Mejora continua: Muestra
progreso en la precisión y el realismo de sus dibujos. Indicadores de Desempeño: Realiza dibujos de objetos, paisajes o
figuras humanas con proporciones correctas. Incluye detalles específicos que reflejan
una observación cuidadosa. Aplica técnicas de perspectiva para crear
sensación de profundidad. 4. Composición y Diseño (Hacer - Procedimental)
 Criterios de Evaluación: Equilibrio: Organiza
los elementos del dibujo de manera armoniosa y equilibrada. Enfoque: Define
un punto focal claro que guía la mirada del espectador. Originalidad: Crea
composiciones innovadoras y personales. Planificación: Utiliza
bocetos previos para estructurar su trabajo final. Indicadores de Desempeño: Crea composiciones con un equilibrio visual
entre los elementos. Utiliza técnicas como la regla de los
tercios o la simetría para organizar el espacio. Presenta bocetos preliminares que evidencian
un proceso de planificación. 5. Expresión y Creatividad (Ser - Actitudinal)
 Criterios de Evaluación: Originalidad: Desarrolla
ideas propias y evita la copia literal. Expresión emocional: Transmite
emociones, ideas o narrativas a través de su trabajo. Experimentación: Explora
nuevas técnicas, estilos y materiales. Autoevaluación: Reflexiona
sobre su proceso creativo y busca mejorar. Indicadores de Desempeño: Crea obras que reflejan su estilo personal
y su visión del mundo. Utiliza el dibujo como medio para expresar
emociones o contar historias. 6. Apreciación Artística (Saber - Conceptual /
Ser - Actitudinal)
 Criterios
de Evaluación: Análisis: Identifica
y describe elementos técnicos y conceptuales en obras de arte. Reflexión: Relaciona
las obras con su contexto histórico, cultural y personal. Respeto: Valora
la diversidad de estilos y expresiones artísticas. Participación: Contribuye
activamente en discusiones y actividades de apreciación artística. 7. Proyectos Integradores (Convivir -
Actitudinal / Hacer - Procedimental)
 Criterios de Evaluación: Colaboración: Trabaja
en equipo de manera efectiva, respetando las ideas de los demás. Integración: Combina
conocimientos y habilidades de diferentes áreas (historia, técnica,
expresión) en su proyecto. Presentación: Expone
su trabajo de manera clara y organizada, explicando su proceso y objetivos. Impacto: Crea
proyectos que tienen un significado personal o social. . Para evaluar el desempeño
en dibujo
artístico en el grado octavo,
enfocándose en el saber saber (conocimiento
conceptual) y su aplicación en ejercicios prácticos, se
pueden establecer criterios de evaluación específicos para cada tema. A
continuación, se detallan los criterios de evaluación para los temas de historia del dibujo, técnicas de sombreado y valor tonal, dibujo de observación, composición y diseño, expresión y creatividad, apreciación artística y proyectos integradores. 1. Historia del Dibujo (Saber Saber -
Conceptual)
|
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA NACIONAL |
ESCALA CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS |
|
DESEMPEÑOS |
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo
que hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes actividades
en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con
experiencias vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO |
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS
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