IINSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO LECTIVO 2022
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
DIBUJO ARTISTICO
GRADO OCTAVO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA
(DIBUJO ARTISTICO) |
OCTAVO |
GUIA No. 1 |
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DOCENTE |
CORREO ELECTRONICO |
NUMERO DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL
DESCANCE (MAESTRO EN ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA INICIAL |
FECHA FINAL |
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PERIODO:
I |
ENERO 31 DE 2022 |
ABRIL 8 DE 2022 |
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ESTRUCTURA CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR
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UNIDAD
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CONTENIDOS TEMATICOS
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COMPETENCIAS
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INDICADORES DE DESEMPEÑO
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
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ACTITUDINAL
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PRIMER PERIODO |
EXPRECION PLASTICA |
Elementos básicos de la composición
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Punto Línea Contorno Forma Volumen Textura Puntillismo Tramas |
Competencia cognitiva Competencia técnica |
Diferencia los elementos básicos de la composición en
sus creaciones artísticas.
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Desarrolla ejercicios prácticos de aplicación de los
elementos de la composición.
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Es cuidadoso y responsable con la entrega de sus
trabajos creativos en el dibujo artístico, y con sus herramientas de dibujo.
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CONOCIMIENTOS PREVIOS
Para poder conocer
el significado del término dibujo artístico se hace necesario, en primer lugar,
descubrir el origen etimológico de las dos palabras que le dan forma:
-Dibujo, en primer lugar, deriva del verbo francés “déboissier”, que puede
traducirse como “dibujar”.
-Artístico, en segundo lugar, emana del latín ya que es fruto de la suma de
tres componentes de dicha lengua: el sustantivo “ars, artis”, que significa
“arte”, y el sufijo “-ico”, que se utiliza para indicar “relativo a”.
Un dibujo es un trazo que se desarrolla sobre una
superficie, generalmente con el objetivo de representar algo o de constituirse
como una imagen. Artístico, por su parte, es aquello
vinculado al arte: una expresión que permite
plasmar ideas, emociones o sentimientos a través de un recurso sonoro, lingüístico,
plástico o de otro tipo.
Se llama dibujo artístico a la creación de una figura representativa o abstracta que
se emplea como una forma de expresión gráfica.
El concepto puede aludir al gráfico en sí mismo o a la disciplina que permite su
desarrollo.
Para que exista el
dibujo artístico debe haber un dibujante (una
persona con una intención estética) que crea un dibujo (una
representación gráfica de lo que el dibujante imagina u observa). En el proceso
que lleva a la producción del dibujo artístico interviene un aspecto psicológico o espiritual que motiva al
dibujante a plasmar sus ideas en el dibujo.
Un dibujante
artístico puede crear sus dibujos a partir de la imitación o la copia de
aquello que ve, o dibujar algo que formó en su imaginación.
Por lo general el proceso de desarrollo comienza con apuntes y bocetos que se realizan en un soporte diferente al
definitivo. Luego, en la superficie definitiva, se realiza el encajado, se
trazan los contornos, se concreta el sombreado y se colorean las figuras.
Finalmente, el artista puede llevar a cabo las correcciones que le parecen
necesarias para dar por concluido su dibujo artístico.
A la hora de hablar
de un dibujo artístico hay que conocer que quien lo lleva a cabo hace uso de
una serie de instrumentos y de términos importantes. Este sería el caso, por
ejemplo, del boceto, que viene a ser la prueba que realiza a lápiz y que viene
a establecer algunos criterios que necesita como el enfoque, los elementos que
van a aparecer y la distribución de los mismos…
De la misma manera,
no podemos pasar por alto tampoco lo que se conoce como encajado que viene a
ser el conjunto de líneas generales que se llevan a cabo para ejercer como
pilares de ese dibujo y que luego se borrarán o ocultarán.
Asimismo, hay que
tener en cuenta que, a la hora de realizar cualquier dibujo artístico, hay que
tener en cuenta criterios tales como la luz, la composición, el tamaño, el
contraste, el encuadre, la distribución de los elementos, la perspectiva, la
distancia o la textura, entre otros.
Cuando un dibujo se
hace sobre la marcha, sin preparativos ni correcciones, se lo denomina dibujo a mano alzada. Aunque existen dibujos artísticos
de este tipo, habitualmente se trata de representaciones con alguna intención científica.
NOTA: Link de como dibujar con la técnica del lápiz:
https://www.youtube.com/watch?v=7icoRpeeZVo
¿LO QUE ESTOY APRENDIENDO?
1.
EL PUNTO
El punto
puede ser:
a) como
mancha,
b) como
elemento de configuración y
c) como
elemento abstracto.
El punto es
la base de toda composición plástica, donde el artista hace uso consciente de
él durante su trabajo artístico.
Es el elemento
de expresión plástica más elemental y pequeño.
Estamos habituados a considerarlo
redondo, pero en realidad puede adoptar formas muy variadas: triangular,
cuadrado, ovalado, gota, estrellado, irregular; relleno de color o vacío.
El punto puede tener tamaños muy
variados, pero si sobrepasa cierto tamaño pasa a considerarse plano.
Los puntos se pueden situar muy
cerca, concentración, o disponerse alejados, dispersión, de esta manera podemos
producir sensación visual de volumen.
Las principales características
del punto son:
·
Tiene un gran poder de atracción
visual, creando tensión sin dirección.
·
Cuando se sitúan próximos dos puntos pueden producir
sensaciones de tensión o de dirección, creando en la mente del espectador una
línea recta imaginaria que los une.
·
Si se sitúan diferentes puntos en prolongación
sugieren una dirección, un camino, más acentuada cuanto más próximos estén los
puntos entre sí.
Cuando se agrupan varios puntos pueden definir formas,
contornos, tonos o colores.
También artistas
posteriores han utilizado el punto en sus obras, este es el caso del
artista Roy Liechtenstein.
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http://lenguajeartisticocep70.blogspot.com/2011/09/el-punto.html
2. La línea
La naturaleza de la línea
La línea es un elemento de naturaleza contraria al punto
en muchos sentidos.
Si bien, notamos como su generación se debe a una
sucesión de estos o como la traza que deja el punto al moverse, o como la unión
de dos o mas puntos.
El principal recurso que la línea aporta a la composición
es el factor dinámico.
En muchos casos, su función no es más que representar de
modo visible las tensiones y fuerzas visuales generadas por otros elementos. En
otros, reparte y acota otros elementos del mensaje construyendo un recorrido
marcado y jerarquizado a lo largo de este.
Asimismo, también construye formas, grafismos y contornos
que constituyen parte del propio discurso gráfico. Pero al nivel perceptivo más
básico, la línea divide el plano creando diferentes campos de fuerzas visuales
y originando tensiones.
La línea como elemento de unión
Sirve para conectar dos puntos en el espacio. Podemos
definirla como la unión o aproximación de varios puntos. Casi siempre genera
dinamismo y define direccionalmente la composición en la que la insertemos. Su
presencia crea tensión en el espacio donde la ubiquemos y afecta a los
diferentes elementos que conviven con ella.
Puede definirse también como un punto en movimiento o
como la historia del movimiento de un punto, por lo cual tiene una enorme
energía, nunca es estática y es el elemento visual básico del boceto.
Además, la línea separa planos, permitiendo crear
diferentes niveles y volúmenes.
La línea puede tener múltiples significados y distintas
formas de expresiones, desde la conformación de figuras a otros significados
como acción, dirección, movimiento, estabilidad… dependiendo de sus distintos
grosores o valores también variará su significado.
Es uno de los elementos gráficos más utilizados, ya que
definen y delimitan las diferentes áreas de nuestra composición, además dirige
la dirección de lectura dentro de una composición, haciendo que el espectador
observe el lugar adecuado.
Tomemos a la línea recta como “prototipo”. Nosotros nos
movemos en un plano horizontal, es por eso también que nuestro campo visual sea
mucho mas amplio en la dimensión horizontal que en la vertical. El ojo humano
diferencia estas posiciones relativas, hay mas conciencia de la horizontal como
estable, la vertical como activa. La horizontal está, la vertical se construye.
Sin embargo la oblicua trae tensión e inseguridad. La
situación más estable y reconocible entre las oblicuas es la que forma un
ángulo de 45º con la horizontal. Nuestra costumbre de leer de izquierda a
derecha influye en la interpretación de una oblicua, (ascenso / descenso).
La línea curva despierta otro tipo de estímulos y
sentimientos con respecto a la recta. La vida se desarrolla en forma circular,
“el sol y las estrellas giran por encima del hombre”, el hombre se pone en la
posición de eje, de centro, todo gira alrededor de él.
En expresión gráfica hay dos tipos de curvas, una la
geométrica, y otra como resultado del movimiento espontáneo de la mano.
En la conformación bidimensional, la línea representa la
posibilidad de expresión mas sencilla y pura a la vez que la mas dinámica y variada.
La línea es considerada como tal, es decir, como
movimiento en longitud mientras la relación ancha / largo no sobrepase una
proporción determinada. Una línea más ancha que la mitad de su largo pierde
expresión dinámica de trazo y adquiere la estática de una superficie
cuadrangular.
La repetición y proximidad de líneas generan planos y / o
texturas.
Una buena definición o elección de línea pertinente con
el tema refuerza el mensaje. La línea en si tiene significación propia y
aumenta el grado de expresividad.
Una línea es direccional, tiene longitud, pero no
anchura. Divide o circunda un área. Se encuentra en el borde de una forma.
Cuando la anchura esté presente, aparece una forma.
Estructura de la línea
Sin embargo, las formas de cierta longitud y poca anchura
son consideradas generalmente como líneas, y pueden tener:
- Bordes lisos.
- Bordes
dentados.
- Extremos
rectos.
- Extremos
redondeados.
- Extremos en
punta.
- Cuerpo
sólido.
- Cuerpo
texturado.
- Dirección
recta.
- Dirección
curva.
- Homogénea.
- Modulada.
Es un elemento indispensable en el espacio gráfico, tanto
para la materialización y representación de ideas, como para la notación.
Tiene, en el grafismo, la misma importancia que la letra en el texto.
Los elementos de la línea que con mayor facilidad podemos
analizar y percibir son: el espesor, la longitud, la dirección con respecto a
la página, la forma (recta o curva), el color y la cantidad.
La constancia y la variabilidad afectan al conjunto de
las dimensiones antes citadas, aunque también pueden referirse a la distinción
entre la línea continua y la línea de puntos o a la naturaleza de los bordes
(irregulares o lisos). Color y valores, forma y cantidad también son variables
de uso del trazo.
Podríamos afirmar que cada uno de los puntos que
conforman una línea sigue presentando sus propiedades atractivas sobre sí. Sin
embargo, la sucesión de infinitos puntos que conforman este nuevo elemento
hacen imposible la primacía de cualquiera de ellos dando lugar a un esquema
visual como este.
Cuando aludimos a sus propiedades dinámicas en realidad
nos basamos en la atracción “lineal” que experimentamos por los sucesivos
puntos integrantes de la línea. Esto nos lleva a simplificar el anterior
esquema de este modo.
Citando a Rudolf Arnhem en su libro “Arte y percepción
visual” (Editorial Alianza Forma, Madrid 1979)
“La línea recta introduce la extensión lineal en el
espacio, y con ello la idea de dirección”
Antes de continuar analizando las propiedades de la
línea, vamos a ahondar un poco más en las relaciones visuales que esta produce
sobre el plano. Observemos esta composición.
La tensión se acumula en la propia línea cerrada que
discurre acotando un trozo de plano. Puesto que ambos espacios, el circundado y
el circundante, dirigen sus tensiones hacia la línea en todo su discurso,
nuestra percepción resulta guiada hacia cualquier punto de la línea y, una vez
allí, puesta en movimiento por el propio sentido dinámico de esta.
La tensión de la línea se ha interrumpido. Hay un espacio
que vuelve a poner en contacto ambos planos. Dicho espacio constituye una nueva
tensión en la composición que anula a la anterior.
Las fuerzas visuales, que la línea ha originado sobre el
plano y que se ven frenadas por aquella allí donde las intercepta, deambulan
libremente en el área donde ambos planos están en contacto. El nuevo dinamismo
que genera esta conexión de fuerzas visuales prevalece sobre el de la propia
línea donde las fuerzas se ven frenadas.
La línea puede ser recta o curva, quebrada o sinuosa.
Puede presentar incluso un grosor irregular a lo largo de su extensión. Todas
estas características enriquecen notablemente sus posibilidades expresivas y la
variedad de sus posibles significados dentro de un mensaje visual en la que la
utilicemos.
Otra función de este elemento es, la de dar volumen a los
objetos que dibujamos o creamos por medio de unión o aproximación de líneas. La
línea es el medio indispensable para visualizar lo que no puede verse o lo que
sólo existe en nuestra imaginación. Mediante el dibujo en línea representamos
un objeto simbólicamente eliminando toda la información superflua y dejando
únicamente lo esencial para su formación.
La línea puede expresar cosas muy diferentes dependiendo
de su carácter, puede ser ondulada y delicada, vacilante, inflexible, fría o
sensual… expresando la intencionalidad de su autor o el momento personal de
éste en el acto de ejecución.
Características de la línea:
- Contiene gran
expresividad gráfica y una fuerte energía.
- Casi nunca es
estática.
- Crea tensión
en el espacio gráfico que se encuentre.
- Se usa mucho
para expresar la yuxtaposición de dos tonos.
- La línea
comunica movimiento, dirección e incluso estabilidad.
Los dibujantes conocen bien el poder expresivo de la
línea y la utilizan como elemento casi exclusivo en sus esbozos otorgándole las
diferentes funciones que posteriormente, en la obra definitiva, asumirán la
mancha, el color, la luz o la textura. Elementos estos que en ningún caso podrá
utilizar con la simcidad e inmediatez que proporciona la línea al boceto.
3. LA FORMA
La
definición de la forma en el arte
El término forma puede
significar varias cosas diferentes en el arte. Forma es uno
de los siete elementos del
arte y connota un objeto tridimensional en el
espacio. Un análisis formal de una obra de arte se describe
cómo los elementos y principios de la obra, junto con independencia de su
significado y los sentimientos o pensamientos que pueden evocar en el
espectador. Por último, forma también se utiliza para describir la
naturaleza física de la obra, como en una escultura de metal, una pintura al
óleo, etc.
Cuando se utiliza
en tándem con la palabra arte como en forma de arte,
también puede significar un medio de expresión artística reconocida como obras
de arte o un medio no convencional hecho tan bien, diestramente, o
creativamente como para elevarlo al nivel de un arte.
Las
formas geométricas son formas
que son matemática, preciso, y se pueden nombrar, como en las formas
geométricas básicas: esfera, cubo, pirámide, cono, y el cilindro. Un
círculo se convierte en una esfera en tres dimensiones, un cuadrado se
convierte en un cubo, un triángulo se convierte en una pirámide o cono.
formas
geométricas se encuentran más frecuentemente en la arquitectura y el entorno
construido, aunque también se puede encontrar en las esferas de los planetas y
las burbujas, y en el patrón cristalino de copos de nieve, por ejemplo.
Las
formas orgánicas son aquellas
que son de flujo libre, con curvas y fibroso, y no son simétricos o fácilmente
medible o nombrado. Que ocurren con mayor frecuencia en la naturaleza,
como en las formas de las flores, ramas, hojas, charcos, nubes, animales, la
figura humana, etc.
Forma de dibujo y pintura
En el dibujo y la
pintura, la ilusión de la forma tridimensional se transporta a través de la
utilización de iluminación y
sombras , y la prestación de valor y el tono . La
forma se define por el contorno exterior de un objeto, que es la forma en que
percibimos primero y comenzamos a hacer sentido de ella, pero la luz, el valor
y ayuda sombra para dar una forma de objeto y el contexto en el espacio de
manera que podemos identificar plenamente.
Por ejemplo,
suponiendo una única fuente de luz en una esfera, lo más destacado es donde la
fuente de luz golpea directamente; el tono medio es el valor
central de la esfera donde la luz no golpea directamente; la sombra del
núcleo es la zona en la esfera de que la luz no pegue en absoluto y es la parte
más oscura de la esfera; la sombra proyectada es la zona en que rodea las
superficies que se bloquea de la luz por el objeto; destacado reflejada es
luz que se refleja de vuelta hacia arriba sobre el objeto de los objetos y las
superficies circundantes. Con estas pautas en cuanto a la luz y la sombra
en mente, cualquier forma sencilla se puede dibujar o pintar para crear la
ilusión de una forma tridimensional.
Cuanto mayor sea
el contraste en el valor, más pronunciado será la forma tridimensional se
convierte. Formas que se representan con poca variación en el valor
aparecen más planas que las que se representa con mayor variación y contraste.
Históricamente, la pintura ha pasado de una
representación plana de la forma y el espacio para una representación
tridimensional de la forma y el espacio, a la abstracción. Pintura egipcia
era plana, con la forma humana se presenta frontalmente, pero con la cabeza y
los pies de perfil. La ilusión realista de la forma no se produjo hasta el
Renacimiento junto con el descubrimiento de la perspectiva. Artistas
barrocos como Caravaggio (1571-1610), exploran la naturaleza del espacio, la
luz y la experiencia en tres dimensiones del espacio aún más mediante el uso
de claroscuro, El fuerte
contraste entre la luz y la oscuridad. La representación de la figura
humana se hizo mucho más dinámico, con el claroscuro y el escorzo dando las
formas una sensación de solidez y peso y la creación de un poderoso sentido del
drama. Modernismo liberó a los artistas para jugar con la forma más
abstracta. Artistas como Picasso, con la invención del cubismo , se
separaron forma implicar movimiento a través del espacio y el tiempo.
https://www.greelane.com/es/humanidades/artes-visuales/definition-of-form-in-art-182437/
4. El Volumen
¿Qué Es
El Volumen En El Arte?
VOLUMEN:
Medida del espacio ocupado por un cuerpo. El volumen de
los cuerpos es el resultado de sus tres dimensiones: ancho, alto y profundidad.
En pintura, el volumen es la sugerencia de peso y masa lograda
por medios estrictamente pictóricos que reflejan características
tridimensionales.
El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al
conocimiento del cual llegamos por medio de la luz y de las sombras, y que nos
permite tener una percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que
deseamos representar en un dibujo o en una pintura. ¿Qué es la textura y el
volumen en el arte? superficie continua.
¿Qué es el volumen de un dibujo?
El volumen es el espacio ocupado por un cuerpo al
conocimiento del cual llegamos por medio de la luz y de las sombras, y que nos
permite tener una percepción tridimensional de ese cuerpo o de ese objeto que
deseamos representar en un dibujo o en una pintura.
¿Qué es la textura y el volumen en el arte?
superficie continua. La textura de la pintura es aquella
que da forma y volumen a distintos tipos de creaciones artísticas plasmados en
un lienzo o papel. Puede haber varias escalas para clasificar la textura como
el relieve, las líneas y la forma en que se expresa la pintura, entre otras.
¿Cómo se percibe el volumen en el arte?
El volumen. El carácter de sólido del objeto escultórico
lo vincula a la sensación del espacio. El volumen es un espacio ocupado, pero
lo que perciben los ojos es un envolvimiento de dicho espacio, es decir, la
forma, y a través de esta superficie-forma se produce la sensación de espacio
ocupado (el volumen).
¿Qué es Espacio y volumen en artes?
Espacio es una palabra que proviene del latín spatium y significa
“todo lo que nos rodea”. Volumen es la parte del espacio ocupada por un cuerpo.
Vivimos en un mundo en tres dimensiones, incluso lo que llamamos plano es
tridimensional, el concepto bidimensional es una invención del hombre.
¿Cómo se define el volumen en el dibujo?
El dibujo del volumen se encarga de representar la
magnitud o la escala definida de un objeto y el espacio ocupado por ese cuerpo.
Para lograrlo se utiliza el modelado, que es la forma de dibujar degradados,
sombras y luces en los objetos para simular su volumen.
¿Cómo dar volumen a una imagen?
En enfocar y desenfocar las diferentes porciones de un
encuadre está mucha de la capacidad de otorgarle volumen a través de la
fotografía. El secreto está en saber enfocar el elemento de interés y saber
colocarlo en un punto más cercano, el fondo desenfocado ofrece la sensación de
volumen.
Qué es la
textura y por qué́ es tan importante en el arte
La textura: definición y características
La palabra textura proviene del
término latino textura, que a su vez está formado por textus,
que significa “tejido” y el sufijo –ura, que quiere decir “resultado”,
“actividad”. Por lo tanto, según su etimología, la textura es la disposición u
organización de los hilos que forman una tela o tejido.
Sin embargo, el significado de
textura va más allá de los tejidos. Se puede aplicar a diferentes materiales.
Incluso, no solo se trata de su apariencia externa. También se llama textura al
tratamiento que realiza en una superficie externa con uno o más materiales.
Por lo tanto, la
textura se puede definir como una cualidad o atributo táctil
o visual que presenta un objeto en su superficie.
Tipos de textura
Los artistas que prefieren utilizar la textura como elemento de sus
obras, generalmente eligen entre dos métodos o incorporan ambos. Estos
incluyen:
·
La textura visual: Este tipo de
textura es más tradicional y se caracteriza por imitar las texturas a nivel
visual. En este caso la obra representa una o más texturas que se pueden
percibir visualmente. Se trata de efectos o ilusiones creadas con diferentes
técnicas. Pueden ser patrones o diseños estampados, geométricos, brillantes,
opacos, transparentes, iridiscentes o metálicos, entre otros.
·
La textura táctil: Otro método
es el que utiliza la textura táctil, que se puede sentir fácilmente al tacto.
Para ello, se pueden usar innumerables materiales de distinta consistencia y
herramientas como espátulas y rejillas o la incorporación de telas y otros
tejidos. El resultado permite obtener una textura con características rugosas,
ásperas, suaves, lisas, onduladas, esponjosas, duras, blandas y otras. Las
texturas táctiles se pueden dividir, a su vez, en:
o
Texturas naturales, que son propias de
elementos que se encuentran en la naturaleza, como la superficie de una hoja o
la corteza de un árbol, la piel de un conejo, la rugosidad de una piedra o la
suavidad del algodón.
o
Texturas artificiales, que son las que
presentan las superficies de materiales creados por el hombre, como por ejemplo
la superficie áspera de una pared revestida de cemento, una baldosa lisa, o un
papel.
Para qué sirve la textura
En la vida cotidiana, estamos expuestos constantemente a diferentes
texturas a través de nuestro sentido del tacto. Así ocurre cuando agarramos un
objeto, tocamos algo o nos vestimos.
Por medio de las texturas, se estimula nuestro sentido del tacto, lo que
puede evocar en nosotros distintos sentimientos: tranquilidad, placer,
familiaridad, felicidad, incomodidad y malestar, entre otros.
Según estas sensaciones, preferimos
unas texturas más que otras, y por tanto ciertos materiales y diseños antes que
otros.
La textura en el arte
En el arte, la textura y otras
características que percibimos con nuestros sentidos se utilizan para componer
el lenguaje visual y transmitir diferentes impresiones.
Las texturas
tienen el objetivo de proporcionar mayor realismo a la obra y lograr despertar
distintas sensaciones. La textura permite darle forma y volumen al lienzo, al
papel o a cualquier otro material.
Principalmente
en la pintura, así como en el dibujo y el grabado, es común el uso de
diferentes técnicas para crear todo tipo de texturas. Esto se puede realizar a
partir de la elección de los lienzos (más ásperos o suaves), de las pinceladas,
o del uso de materiales como el yeso o las pinturas al óleo.
Además, la
textura se utiliza con el fin de otorgar características específicas a la obra.
Algunas de ellas son:
Expresividad: la textura se utiliza, principalmente,
para otorgarle una mayor expresividad a la obra y en muchos casos, para causar
respuestas emocionales en las personas que la ven o entran en contacto con
ella.
Tridimensionalidad: la textura permite darle un
efecto tridimensional a trabajos bidimensionales por naturaleza, como la
pintura o el dibujo. Es común también encontrar el uso de texturas en la
escultura o la cerámica, a través de materiales como la arcilla, la madera o
los metales y ciertas técnicas de modelado o grabado.
Contraste: la sensación de textura
también se puede lograr a través del manejo de la luz y los ángulos, como
ocurre con la fotografía, generando diferentes contrastes visuales.
https://www.yubrain.com/humanidades/artes-visuales/definicion-de-textura-en-arte/
DEFINICIÓN DEPUNTILLISMO
Puntillismo es el nombre que recibe un movimiento de la pintura que se desarrolló en el siglo XIX. Su principal característica es la
utilización de puntos y trazos interrumpidos para la creación de sus
obras.
Los puntillistas,
por lo tanto, no apelaban a las pinceladas a
la hora de crear sus cuadros, sino que aplicaban puntos de tonalidades puras sobre las superficies. Esto
les permitía desarrollar diferentes juegos cromáticos, ya que es el ojo del
observador el que crea la combinación.
Es decir, en este
sentido es importante establecer que en las obras realizadas por puntillistas
los colores son puros, jamás se mezclan. Es más, son los ojos de quienes las
ven los que hacen que el espectador sí los perciba unidos.
El análisis de
la óptica, los cálculos, el
vínculo físico existente entre los distintos colores y el orden formaban parte
del proceso creativo de los cultores del puntillismo. A partir del uso de los
puntos de diferentes colores, los puntillistas podían favorecer una sensación
de profundidad en sus obras.
A todo lo
expuesto hay que añadir que, según los estudios llevados a cabo en esta
materia, fue Francia el país que se convirtió en el centro de la mayor
producción de obras acometidas mediante el puntillismo. Y es que fue en esas
tierras donde pudieron desarrollar sus trabajos algunas de las figuras más
significativas de esta corriente o movimiento artístico, como sería el caso de
Paul Signac o George Seurat, entre otros. Dos autores esos que están
considerados como los mejores representantes que ha tenido el mismo.
Seurat, en
concreto, ha recibido el “título” del padre del puntillismo, fue el que lo
inició. Fruto de su trabajo son algunas conocidas y alabadas obras como “Baño
en Asniéres” (1884) o “Un domingo de verano en la Grande Jatte” (1886).
Paul Signac, por
otro lado, se considera que fue una figura fundamental dentro de esa corriente
artística porque le consiguió dotar de una serie de novedades o singularidades
respecto, por ejemplo, al pintor anterior. Así, en su caso, se decantó por aportarle
mayor dinamismo a las obras dándole mayor cuerpo y tamaño a los puntos. Entre
sus cuadros más conocidos están “El puerto de Saint Tropez” (1907), “La boya
roja” (1895) o “El puerto de Marsella” (1907).
Entre los
pintores que han sido asociados con este movimiento, además de los ya
mencionados, se encuentran Vincent Van Gogh, Camille Pissarro, Henri Delavallée, Vlaho Bukovac… Cabe destacar que los estudios
realizados por los teóricos del puntillismo incluso influyeron en músicos, que
comenzaron a investigar cómo el oído se encarga de decodificar los sonidos
aislados para crear una melodía, así como el ojo toma los puntos de colores y los combina.
El puntillismo,
que está considerado como una derivación del impresionismo, también suele mencionarse
como posimpresionismo, neoimpresionismo o divisionismo. Los expertos, de todos modos, trazan
ciertas diferencias entre cada concepto. El divisionismo, por ejemplo, tenía
reivindicaciones políticas junto a su postura estética, mientras que el
puntillismo se limitaba a preocuparse sólo por lo técnico.
El dibujo de tramas
El dibujo de tramas consiste en hacer líneas cruzadas en distintas direcciones marcando la curvatura de la superficie con líneas en la dirección de la sombra. Cuando hay mayor sombra, las líneas deben estar más unidas, ello provocará que desde lejos se perciba la zona más oscura.
Sería deseable que todos
los dibujos tuvieran un entramado en las líneas homogéneo, de manera que las
líneas fueran sutiles y limpias, siguiendo un orden y manteniéndose lo más
posible paralelas entre sí.
Para conseguir oscurecer
las zonas allí donde no llega la luz, se pueda hacer entramados de líneas superpuestas
en distintas direcciones. Otro método para conseguir oscurecer las tonalidades
consiste en juntar más las líneas paralelas, sin necesidad de hacer un cruzado
entre las mismas.
NOTA: De la parte conceptual anterior realizar un resumen y una infografía
en Word (Ejemplo).
Link como elaborar una infografía: https://www.youtube.com/watch?v=f1Pe7e1GM4I
Link plantillas como
elaborar una infografía en Word: https://www.infografiascreativas.site/2021/01/plantillas-para-infografias-creativas-en-word-gratis.html
https://www.canva.com/es_co/infografias/plantillas/
https://tecpro-digital.com/plantillas-para-infografias-en-word-gratis/
Actividad 1:
Explicación ejercicios de
los elementos básicos del dibujo, como son el punto, la línea, punto,
contorno, forma, volumen, textura.
Actividad 2:
Aplica y maneja de la técnica del
dibujo y los elementos básicos en ejercicios con los materiales
recomendados. (Anexo
guía de actividades).
¿LO QUE APRENDI?
Crea obras de arte en base a la
técnica del dibujo y los elementos básicos en ejercicios con los materiales
recomendados.
a. Aplica
en una caricatura, con el dibujo artístico y la técnica del lápiz 6b.
b. En
una hoja de papel Kimberly y lápiz 6b, dibuja una caricatura.
c. Ejemplo
de una caricatura a lápiz:
d. Aplica
en un paisaje, con el dibujo artístico y la técnica del lápiz 6b.
e. En
una hoja de papel Kimberly y lápiz 6b, dibuja un paisaje.
f.
Ejemplo de un paisaje a lápiz:
g. Aplica
en un bodegón, con el dibujo artístico y la técnica del lápiz 6b.
h. En
una hoja de papel Kimberly y lápiz 6b, dibuja un bodegón.
i.
Ejemplo de un bodegón a lápiz:
Mi reflexión
Lo que he aprendido en mis clases
de dibujo artístico
El aprender a dibujar es algo más complejo de lo
que cualquiera pensaría. No es que sea irrealizable, es solo que se requiere concentración,
análisis y observación para poder reproducir con la mayor precisión posible lo
que se ve. En este par de horas, la prisa es vista como un aspecto negativo que
obstaculiza el aprendizaje. La invitación constante del profesor es a observar
detenidamente, entrecerrar los ojos, tomar distancia del objeto y tratar de
reproducir lo que se ve, con calma y exactitud. En ningún momento, aparece la
prisa como un eje de aprendizaje. Mi forma de ver esta vivencia es una especie
yoga que se realiza con un lápiz.
En este curso, el
progreso de cada estudiante es individual, así que evidentemente hay algunos
que ya están pintando al óleo, mientras otros como yo apenas estamos
entendiendo la técnica del lápiz y papel. El ambiente no es competitivo, sino
más bien de colaboración. Todos estamos en un salón abierto, donde podemos
curiosear el trabajo del otro e inclusive entablar una conversación para
indagar más sobre alguna técnica que nos interese.
NOTA:
Escribe tu propia reflexión
sobre lo que aprendiste en esta guía, tus ventajas y desventajas en el dibujo
artístico.
DESEMPEÑOS I PERIODO
DIBUJO ARTISTICO
DESEMPEÑO
# 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe la
conceptualización del dibujo artístico y sus elementos básicos, como son el
punto, la línea, punto, contorno, forma, volumen, textura. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia los conocimientos del dibujo artístico como son el
punto, la línea, punto, contorno, forma, volumen, textura, para como son el
punto, la línea, punto, contorno, forma, volumen, textura, para
su conceptualización. |
|
BASICO |
Reconoce y asimila los elementos
básicos del dibujo artístico. Identifica
y experimenta con el valor expresivo del punto, la línea, punto, contorno,
forma, volumen, textura, y sus posibilidades tonales, en su conceptualización. |
|
BAJO |
Se le dificulta
utilizar la expresión del dibujo artístico con la técnica del lápiz 6b, y no aplica
correctamente los elementos básicos del dibujo en su conceptualización. |
DESEMPEÑO
# 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente
resuelve ejercicios con los elementos básicos como son el
punto, la línea, punto, contorno, forma, volumen, textura,
del dibujo artístico. |
|
ALTO |
Desarrolla
y aplica ejercicios los elementos básicos como son el
punto, la línea, punto, contorno, forma, volumen, textura, del
dibujo artístico. |
|
BASICO |
Aplica y practica con ejercicios los
elementos básicos del dibujo artístico. Adapta
y experimenta el valor expresivo del punto, la línea, punto, contorno, forma,
volumen, textura, y sus posibilidades tonales. |
|
BAJO |
Se le dificulta
utilizar los ejercicios de la expresión del dibujo artístico con la técnica
del lápiz 6b, y no aplica correctamente los elementos básicos del dibujo. |
DESEMPEÑO
# 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente crea
una obra de arte con base en el dibujo artístico, para transmitir una
idea, generar una idea o representar un estado de ánimo, expresando su sentir
por medio de la creación artística, y emplearlas para crear trabajos que
comparte con sus compañeros, y en una exposición. |
|
ALTO |
Desarrolla
y aplica en una obra de arte, con base al dibujo artístico y los elementos básicos como son el
punto, la línea, contorno, forma, volumen, textura. |
|
BASICO |
Aplica y practica en una obra de arte
los elementos básicos del dibujo artístico. Adapta
y experimenta el valor expresivo del punto, la línea, contorno, forma,
volumen, textura, y sus posibilidades tonales, en una obra de arte. |
|
BAJO |
Se le dificulta
crear una obra de arte, con expresión del dibujo artístico y la técnica del
lápiz 6b, y no aplica correctamente los elementos básicos del dibujo. |
1.
https://definicion.de/dibujo-artistico/
2.
https://tiposdearte.com/dibujo/artistico/
3.
http://lenguajeartisticocep70.blogspot.com/2011/09/el-punto.html
4.
https://es.slideshare.net/camargoangie/dibujo-punto-lnea-plano-y-formas-de-expresin
5.
https://www.monografias.com/docs/Volumen-Y-Textura-F3Y4VJVFCDUNZ
DOMINIOS
DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En la educación artística los
dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como proceso y resultado son los
siguientes:
1.
PRODUCTIVO:
Corresponde a la creación de obras
creativas en el arte, según los elementos correspondientes:
a.
Habilidad técnica en el empleo de
materiales e instrumentos.
b.
Aspectos técnicos y expresivos: Relación
entre lo que se expresa y las formas.
c.
Imaginación creativa: Ampliación de
límites e invención.
2.
CRITICO:
Son tres conductas a evaluar,
aprender, enseñar y aprender:
a.
Observación y descripción de las obras de
arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b.
Interpretación de la obra de arte, lo que
equipara a la base de la crítica de arte.
c.
Evaluación, se identifican acciones y
procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser analizables.
3.
CONCEPTUAL:
Corresponde con el ámbito social,
histórico y cultural del arte. Su terminología y sus subdiviones que
fundamentan en categorías.
VALORACION
DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION
DEL PRODUCTO:
Evalúa los resultados de la unidad
didáctica al terminar cada periodo, y determina el valor del desempeño de los
ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE EVALUAR? |
¿COMO
EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS
DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a.
Materiales |
Calidad y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados ya los materiales y
utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores
formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción entre lo próximo y lo
lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión del volumen de los cuerpos y
objetos |
|
c. Iluminación |
Las fuentes de luz parecen señaladas
nítidamente. Las sombras tienen relación con las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía y diversidad cromática, mezclas
adecuadas, reparto equilibrado , contrastes cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión armónica del conjunto,
equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones entre las distintas partes
de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo y fuerza de las figuras y la
composición |
|
2.2.Valores
simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad de objetos, personajes y
presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación entre personajes y
objetos |
|
c. Asunto |
Claramente determinado |
|
d. Tema |
En concordancia con el tema y la
técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso de la representación simbólica |
|
2.3.Valores
vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los personajes y sus acciones presentan
sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La obra se muestra alegre, triste,
melancólica, etc.. Y lo expresa claramente |
|
2.4.Producto
creativo |
|
|
a. Originalidad |
La obra de arte presenta características
innovadoras, respecto a la producción del estudiante o del resto de
compañeros |
|
b. Fluidez |
El estudiante tiene una copiosa
producción |
|
c. Flexibilidad |
La obra agrupa una gran variedad y
diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las ideas no han quedado abocetadas,
sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La evaluación valora la dimensión
cognitiva, procedimental y actitudinal del estudiante, y se describe de manera
conceptual y cuantitativa acorde con la categoría y escala nacional establecida
en el decreto 1290 de 2009.
JAIME
EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN ARTES PLASTICAS
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