INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
DIBUJO ARTISTICO
GRADO NOVENO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 1 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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PERIODO:
1 |
ENERO
17 DE 2025 |
17
DE ABRIL DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
|
PROCEDIMENTAL
|
ACTITUDINAL
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PRIMERO |
Identidad
y cultura |
DIBUJO
ARTISTICO |
Historia
del dibujo, composición, equilibrio, proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
figura humana |
Competencia
cognitiva, técnica, y creativa. |
Identifica los principales
períodos y estilos en la historia del dibujo. Define el concepto de
composición y sus elementos básicos (punto, línea, forma, espacio, textura). Define el equilibrio en el arte
y sus tipos (simétrico, asimétrico, radial). Define el concepto de
proporción y su relación con las dimensiones y escalas. Diferencia entre planos
bidimensionales y tridimensionales. Reconoce las proporciones
básicas del cuerpo humano. |
Realiza investigaciones sobre
artistas y movimientos artísticos relevantes. Aplica los principios de la
composición en la creación de dibujos. Crea dibujos que demuestren los
diferentes tipos de equilibrio. Aplica técnicas de medición
para lograr proporciones correctas en sus dibujos. Crea dibujos que representen
objetos en planos bidimensionales y tridimensionales. Realiza dibujos de la figura
humana aplicando proporciones correctas. |
Muestra interés y respeto por
las manifestaciones artísticas de diferentes épocas. Demuestra creatividad y
originalidad en la organización de elementos visuales. Muestra atención al detalle en
la búsqueda del equilibrio visual. Muestra paciencia y dedicación
en la búsqueda de la precisión. Muestra curiosidad por explorar
nuevas técnicas y materiales. Muestra respeto por la
diversidad corporal en sus representaciones. |
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CONOCIMIENTOS PREVIOS
DIBUJO ARTISTICO
|
área |
Educación
artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime
EVER Muriel |
Tiempo total |
10
semanas |
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ESTANDAR: Comprende y analiza la evolución del dibujo a lo largo de la
historia, reconociendo su importancia como medio de expresión artística y
cultural, y aplica este conocimiento en la creación de obras inspiradas en
diferentes movimientos y estilos. Domina los principios de la composición
artística, aplicándolos de manera creativa y consciente en la organización de
elementos visuales para lograr obras equilibradas y estéticamente coherentes.
comprende y aplica los conceptos de equilibrio visual en sus creaciones
artísticas, utilizando técnicas que permiten lograr armonía y coherencia en
sus obras. Aplica técnicas de medición y comparación para representar
proporciones correctas en sus dibujos, logrando representaciones realistas y
coherentes. Diferencia entre planos bidimensionales y tridimensionales, y
aplica técnicas de perspectiva, sombreado y volumen para crear ilusión de profundidad
y realismo en sus obras. Domina las proporciones y estructuras anatómicas
básicas de la figura humana, representándola de manera realista y expresiva
en diferentes posturas y contextos. COMPETENCIAS
ESPECIFICAS: En el grado
noveno, las competencias específicas en sensibilidad, apreciación estética y comunicación en el dibujo artístico se enfocan en desarrollar la
capacidad de los estudiantes para percibir, interpretar y expresar ideas,
emociones y conceptos a través del arte. Estas competencias son fundamentales
para fomentar una conexión más profunda con el arte y su papel en la
sociedad. A continuación, se detallan estas competencias: 1.LA SENSIBILIDAD: La sensibilidad en el dibujo artístico se refiere a la capacidad
de percibir, interpretar y responder emocionalmente al entorno, a las obras
de arte y a las experiencias personales. Las competencias específicas
incluyen:
·
Observación
detallada: Desarrollar la habilidad de observar
el entorno con atención, captando detalles, texturas, luces, sombras y formas
que puedan inspirar creaciones artísticas. ·
Empatía
visual: Aprender a interpretar emociones y
sentimientos a través de elementos visuales, como el uso del color, la línea
y la composición. ·
Conexión
emocional: Expresar emociones y estados de ánimo
a través del dibujo, utilizando técnicas que transmitan sensaciones como
alegría, tristeza, tensión o calma. ·
Apertura
a la diversidad: Valorar y respetar las diferentes
formas de expresión artística y cultural, reconociendo la riqueza de la
diversidad en el arte. 2.La apreciación estética: La
apreciación estética implica la capacidad de reconocer, analizar y valorar la
belleza, el significado y la calidad de las obras de arte. Las competencias
específicas incluyen: ·
Análisis
visual: Identificar y describir los elementos
visuales (línea, forma, color, textura, espacio) y principios de diseño
(equilibrio, ritmo, contraste, armonía) en obras de arte propias y ajenas. ·
Contextualización: Comprender
el contexto histórico, cultural y social en el que se crean las obras de
arte, reconociendo su influencia en el estilo y el mensaje. ·
Valoración
crítica: Desarrollar un criterio personal para
evaluar la calidad estética de las obras, basándose en aspectos técnicos,
conceptuales y emocionales. ·
Reconocimiento
de estilos: Identificar y apreciar diferentes
estilos artísticos (realismo, abstracción, surrealismo, etc.) y su impacto en
la expresión visual. 3.la
comunicación: La
comunicación en el dibujo artístico se refiere a la capacidad de transmitir
ideas, mensajes y emociones de manera efectiva a través de la imagen. Las
competencias específicas incluyen: ·
Narrativa
visual: Crear dibujos que cuenten historias o
transmitan mensajes claros, utilizando elementos visuales como símbolos,
metáforas y composición. ·
Expresión
de conceptos: Representar ideas abstractas o
complejas a través del dibujo, utilizando técnicas que permitan una comunicación
clara y efectiva. ·
Lenguaje
visual: Dominar el uso del color, la forma,
la línea y la textura como herramientas para comunicar emociones y conceptos. ·
Diálogo
artístico: Utilizar el dibujo como medio para
interactuar con otros, ya sea a través de colaboraciones artísticas o como
forma de expresar opiniones y perspectivas. ·
Reflexión
y argumentación: Explicar y justificar las decisiones
artísticas tomadas en el proceso creativo, tanto en obras propias como en la
interpretación de obras ajenas Competencias Maristas:
Las competencias maristas en el ámbito educativo se enfocan en la formación
integral de los estudiantes, integrando valores humanos, espirituales,
académicos y artísticos. En el caso del dibujo artístico para el grado noveno, estas competencias se alinean con
el desarrollo de habilidades técnicas, creativas y emocionales, siempre bajo
el marco de los principios maristas de solidaridad, sensibilidad, respeto y
excelencia. A continuación, se presentan las competencias específicas para el
dibujo artístico en el contexto marista:
Competencias socioemocionales: Las competencias socioemocionales en
el dibujo artístico para el grado noveno se enfocan en el desarrollo de
habilidades que permiten a los estudiantes gestionar sus emociones,
relacionarse de manera efectiva con los demás y expresarse de forma auténtica
a través del arte. Estas competencias son esenciales para fomentar el
bienestar emocional, la colaboración y la creatividad en el proceso
artístico. A continuación, se detallan las competencias socioemocionales clave
en el contexto del dibujo artístico. Competencias
ciudadanas: ·
Reconocimiento
de emociones: Identificar y expresar emociones a
través del dibujo, utilizando elementos visuales como el color, la forma y la
composición. ·
Regulación
emocional: Aprender a manejar emociones intensas
(como la frustración o la ansiedad) durante el proceso creativo,
desarrollando estrategias para mantener la calma y la concentración. Reflexión personal: Utilizar
el dibujo como herramienta para explorar y comprender las propias emociones,
pensamientos y experiencias personales. |
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|
competencia: Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia
expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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|
competencia: Competencia
creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
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|
competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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|
saber ser
(competencia
interpretativa) |
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competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
HISTORIA DEL DIBUJO:
Para el grado noveno en la asignatura
de Dibujo Artístico, el
estudio de la Historia del Dibujo es
fundamental para que los estudiantes comprendan la evolución de esta disciplina
como medio de expresión artística y cultural. A continuación, se presenta una
propuesta de contenido y enfoque para abordar este tema:
Historia
del Dibujo para Grado noveno
Objetivo
General:
Comprender la evolución del dibujo a lo largo
de la historia, reconociendo su importancia como herramienta de expresión,
comunicación y registro, y aplicando este conocimiento en la creación de obras
inspiradas en diferentes movimientos y estilos artísticos.
Contenidos
Temáticos
1.
Orígenes del Dibujo:
o
El dibujo en la prehistoria: pinturas
rupestres y su función simbólica.
o
Uso del dibujo como medio de comunicación y
registro en las primeras civilizaciones (Egipto, Mesopotamia, Grecia y Roma).
2.
El Dibujo en la Edad Media:
o
Función religiosa y simbólica del dibujo en
manuscritos iluminados y vitrales.
o
Técnicas y materiales utilizados en esta
época.
3.
El Renacimiento y el
Dibujo:
o
El dibujo como base de las artes plásticas.
o
Grandes maestros del dibujo: Leonardo da
Vinci, Miguel Ángel, Rafael.
o
Estudio de la anatomía humana y la
perspectiva.
4.
El Dibujo en los Siglos
XVII y XVIII:
o
El dibujo como herramienta de estudio y
preparación para obras mayores.
o
Estilos barroco y rococó: uso del claroscuro
y la expresividad.
o
Artistas representativos: Rembrandt, Peter
Paul Rubens.
5.
El Dibujo en el Siglo XIX:
o
Romanticismo y Realismo: el dibujo como
expresión de emociones y realidad social.
o
El surgimiento del academicismo y su
influencia en las técnicas de dibujo.
o
Artistas representativos: Eugène Delacroix,
Jean-Auguste-Dominique Ingres.
6.
El Dibujo en el Siglo XX y
Contemporáneo:
o
Movimientos vanguardistas: cubismo,
surrealismo, expresionismo.
o
El dibujo como arte independiente y no solo
como boceto.
o
Técnicas modernas y experimentación con
nuevos materiales.
o
Artistas representativos: Pablo Picasso,
Salvador Dalí, Frida Kahlo.
2.
LA COMPOSICION:
En el grado noveno, el
estudio de la composición en dibujo artístico es fundamental
para que los estudiantes desarrollen habilidades que les permitan organizar
elementos visuales de manera coherente, equilibrada y estéticamente atractiva.
A continuación, se presenta una propuesta de contenido y enfoque para abordar
este tema:
La Composición en Dibujo Artístico para Grado noveno
Objetivo
General:
Comprender y aplicar
los principios y elementos de la composición en la creación de obras
artísticas, logrando organizar los elementos visuales de manera efectiva para
transmitir ideas, emociones y sensaciones.
Contenidos Temáticos
1.
Elementos Básicos de la Composición:
o Punto: El elemento más
simple y su función en la composición.
o Línea: Tipos de líneas
(rectas, curvas, quebradas) y su expresividad.
o Forma: Formas
geométricas y orgánicas, y su relación con el espacio.
o Espacio: Uso del espacio
positivo y negativo.
o Textura: Visual y táctil,
y su aporte a la composición.
o Color: Armonía,
contraste y temperatura del color (en caso de trabajar con color).
2.
Principios de la Composición:
o Equilibrio: Simétrico,
asimétrico y radial.
o Unidad: Coherencia y
relación entre los elementos.
o Variedad: Diversidad de
elementos para evitar la monotonía.
o Ritmo: Repetición y
alternancia de elementos para crear movimiento.
o Contraste: Uso de opuestos
(claroscuro, colores complementarios, etc.).
o Jerarquía: Organización de
elementos según su importancia visual.
3.
Técnicas de Composición:
o Regla de los Tercios: División del
espacio en tercios para ubicar elementos clave.
o Puntos de Interés: Uso de puntos
focales para guiar la mirada del espectador.
o Líneas de Fuerza: Dirección y flujo
visual en la composición.
o Simetría y Asimetría: Uso de ambos para
crear equilibrio o dinamismo.
4.
Composición en Diferentes Géneros Artísticos:
o Composición en retratos,
paisajes, bodegones y abstracciones.
o Análisis de obras
maestras para identificar técnicas compositivas.
3.
EL EQUILIBRIO:
En el grado noveno, el
estudio del equilibrio en dibujo artístico es esencial para
que los estudiantes comprendan cómo organizar los elementos visuales de manera
armoniosa y coherente en sus obras. A continuación, se presenta una propuesta
de contenido y enfoque para abordar este tema:
El Equilibrio en Dibujo Artístico para Grado noveno
Objetivo General:
Comprender y aplicar
los conceptos de equilibrio visual en la creación de obras artísticas, logrando
composiciones armoniosas y estéticamente atractivas.
Contenidos Temáticos
1.
Concepto de Equilibrio Visual:
o Definición de
equilibrio en el arte.
o Importancia del
equilibrio en la percepción visual y la armonía de una obra.
2.
Tipos de Equilibrio:
o Equilibrio Simétrico: Composición
dividida en partes iguales o similares.
o Equilibrio Asimétrico: Composición con
elementos diferentes pero equilibrados en peso visual.
o Equilibrio Radial: Composición
organizada alrededor de un punto central.
3.
Peso Visual:
o Factores que influyen
en el peso visual (tamaño, color, textura, ubicación).
o Cómo distribuir
elementos para lograr equilibrio.
4.
Técnicas para Lograr Equilibrio:
o Uso del contraste y la
proporción.
o Aplicación de la regla
de los tercios y otros esquemas compositivos.
o Experimentación con la
ubicación de elementos en el plano.
5.
Equilibrio en Diferentes Géneros Artísticos:
o Equilibrio en retratos,
paisajes, bodegones y abstracciones.
o Análisis de obras
maestras para identificar el uso del equilibrio.
4.
LA PROPORCION:
En el grado noveno, el
estudio de la proporción en dibujo artístico es fundamental
para que los estudiantes desarrollen habilidades que les permitan representar
objetos y figuras de manera realista y coherente. A continuación, se presenta
una propuesta de contenido y enfoque para abordar este tema:
La Proporción en Dibujo Artístico para Grado Noveno
Objetivo General:
Comprender y aplicar
los conceptos de proporción en la creación de dibujos, logrando
representaciones realistas y coherentes de objetos y figuras.
Contenidos
Temáticos
1.
Concepto de Proporción:
o Definición de
proporción en el arte.
o Importancia de la
proporción en la representación realista.
2.
Proporciones Básicas:
o Proporciones en el
rostro humano: división en tercios, ubicación de ojos, nariz, boca, orejas.
o Proporciones en el
cuerpo humano: relación entre cabeza, torso, extremidades.
o Proporciones en
objetos: relación entre altura, anchura y profundidad.
3.
Técnicas de Medición y Comparación:
o Uso del lápiz como
herramienta de medición.
o Técnicas de comparación
visual para ajustar proporciones.
4.
Proporción en Diferentes Géneros Artísticos:
o Proporción en retratos,
paisajes, bodegones y abstracciones.
o Análisis de obras
maestras para identificar el uso de la proporción.
5.
Errores Comunes y Corrección:
o Identificación de
errores comunes en la proporción.
o Técnicas para corregir
y ajustar proporciones en los dibujos.
5.
Planos bidimensionales y tridimensionales:
En el grado noveno, el
estudio de los planos bidimensionales y tridimensionales en dibujo artístico es esencial para
que los estudiantes comprendan cómo representar la profundidad y el volumen en
sus obras. A continuación, se presenta una propuesta de contenido y enfoque
para abordar este tema:
Planos
Bidimensionales y Tridimensionales en Dibujo Artístico para Grado Noveno
Objetivo
General:
Comprender y aplicar
los conceptos de planos bidimensionales y tridimensionales en la creación de
dibujos, logrando representaciones que transmitan profundidad y volumen.
Contenidos
Temáticos
1.
Conceptos Básicos:
o Plano Bidimensional: Definición y
características (altura y anchura).
o Plano Tridimensional: Definición y
características (altura, anchura y profundidad).
2.
Técnicas para Representar Profundidad:
o Perspectiva Lineal: Punto de fuga,
línea del horizonte, planos cercanos y lejanos.
o Perspectiva Atmosférica: Uso del color,
tono y detalle para simular distancia.
o Sombreado: Técnicas de
claroscuro para crear volumen.
3.
Elementos de la Tridimensionalidad:
o Volumen: Cómo representar
objetos con volumen en un plano bidimensional.
o Textura: Uso de texturas
para simular superficies tridimensionales.
o Luz y Sombra: Cómo la luz
afecta la percepción del volumen.
4.
Aplicación en Diferentes Géneros Artísticos:
o Representación de
objetos, paisajes y figuras humanas en planos bidimensionales y tridimensionales.
o Análisis de obras
maestras para identificar técnicas de representación de profundidad y volumen.
5.
Ejercicios Prácticos:
o Crear dibujos que
representen objetos en planos bidimensionales y tridimensionales.
o Experimentar con
diferentes técnicas de perspectiva y sombreado.
6.
La figura humana (la cabeza)
En el grado noveno, el
estudio de la figura humana, específicamente la cabeza, en el dibujo
artístico es fundamental para que los estudiantes desarrollen habilidades que
les permitan representar el rostro humano de manera realista y expresiva. A
continuación, se presenta una propuesta de contenido y enfoque para abordar
este tema:
La
Figura Humana (La Cabeza) en Dibujo Artístico para Grado Noveno
Objetivo
General:
Comprender y aplicar
las proporciones, estructuras y técnicas básicas para representar la cabeza
humana en dibujos artísticos, logrando representaciones realistas y expresivas.
Contenidos Temáticos
1.
Proporciones Básicas de la Cabeza:
o División del rostro en
tercios: frente, nariz, mentón.
o Ubicación de los
elementos faciales: ojos, nariz, boca, orejas.
o Relación entre las
diferentes partes del rostro.
2.
Estructura Ósea y Muscular:
o Conocimiento básico de
la estructura ósea del cráneo.
o Principales músculos
faciales y su influencia en la expresión.
3.
Técnicas de Dibujo:
o Líneas Guía: Uso de líneas
para marcar proporciones y ubicación de elementos.
o Sombreado: Técnicas de
claroscuro para dar volumen y realismo.
o Texturas: Representación de
piel, cabello y otros detalles.
4.
Expresiones Faciales:
o Estudio de las
emociones básicas (alegría, tristeza, enojo, sorpresa, etc.).
o Cómo los músculos
faciales cambian con las expresiones.
5.
Ángulos y Perspectivas:
o Dibujo de la cabeza
desde diferentes ángulos (frontal, perfil, tres cuartos, vista superior e inferior).
o Uso de la perspectiva
para representar la cabeza en diferentes posiciones.
6.
Análisis de Obras Maestras:
o Estudio de retratos de
artistas reconocidos para identificar técnicas y estilos.
o Discusión sobre cómo se
logra el realismo y la expresividad en los retratos.
ACTIVIDAD CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte
conceptual y realiza un cuadro sinóptico en la aplicación de canva.
ACTIVIDAD 1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “QUE ES LA HUMILDAD”, y realizar
una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=tXSwIrEXHak
PLAN LECTOR: (LIBROS SUGERIDOS PARA EL PERIODO)
ACTIVIDAD 2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LECTURA CRITICA SOBRE LA REPRESENTACIÓN DE LA CABEZA HUMANA EN EL ARTE
, en tu
cuaderno y contesta las preguntas. (ver guía anexa).
Lectura Crítica sobre la Representación de la Cabeza Humana
en el Arte
La cabeza humana ha
sido uno de los elementos más estudiados y representados en la historia del
arte. Como centro de expresión y comunicación, el rostro captura emociones,
personalidad y cultura, convirtiéndose en un símbolo poderoso de la identidad
humana. A continuación, se presenta una lectura crítica sobre la representación
de la cabeza humana en el arte, seguida de preguntas para reflexionar y
analizar.
Lectura
Crítica:
La representación de la
cabeza humana ha evolucionado a lo largo de la historia, reflejando cambios
técnicos, culturales y sociales. En las civilizaciones antiguas, como Egipto y
Grecia, la cabeza se representaba con un enfoque en la idealización y la simbología.
Los egipcios, por ejemplo, esculpían rostros con rasgos estilizados y serenos,
enfatizando la eternidad y la divinidad. En contraste, los griegos buscaban la
perfección anatómica y la expresión de emociones sutiles, como se observa en
las esculturas clásicas de dioses y atletas.
Durante el
Renacimiento, la representación de la cabeza humana alcanzó nuevos niveles de
realismo y profundidad psicológica. Artistas como Leonardo da Vinci y Albrecht
Dürer estudiaron la anatomía facial en detalle, lo que les permitió capturar
expresiones y emociones con gran precisión. Leonardo, en particular, utilizó
el sfumato (una
técnica de difuminado) para crear transiciones suaves entre luces y sombras,
dando vida a rostros como el de la Mona
Lisa. Este período también vio el surgimiento del retrato como
género artístico independiente, donde la cabeza humana se convirtió en el foco
principal para explorar la individualidad y el carácter.
En el arte moderno, la
representación de la cabeza humana se volvió más experimental y simbólica.
Artistas como Pablo Picasso y Amedeo Modigliani deformaron y estilizaron los
rostros para expresar emociones complejas o desafiar las convenciones
estéticas. Picasso, en su etapa cubista, fragmentó los rasgos faciales en
formas geométricas, mientras que Modigliani alargó los rostros y cuellos para
crear una sensación de elegancia y melancolía.
En el arte
contemporáneo, la cabeza humana sigue siendo un tema central, pero con un
enfoque en la diversidad y la identidad. Artistas como Chuck Close han
utilizado técnicas hiperrealistas para capturar cada detalle del rostro,
mientras que otros, como Yayoi Kusama, han explorado la abstracción y la repetición
de rasgos faciales para cuestionar la percepción de la individualidad. Además,
el arte contemporáneo ha abordado temas como la identidad cultural, el género y
la inclusión, utilizando la cabeza humana como un medio para desafiar
estereotipos y celebrar la diversidad.
En resumen, la
representación de la cabeza humana en el arte no solo ha sido un ejercicio
técnico, sino también una forma de explorar la identidad, las emociones y la
cultura. Su estudio nos permite comprender cómo los artistas han utilizado el
rostro para comunicar ideas y reflejar los valores de su tiempo.
Preguntas para Reflexión y Análisis:
1.
Contexto Histórico:
o ¿Cómo ha cambiado la
representación de la cabeza humana a lo largo de las diferentes épocas
artísticas?
o ¿Qué valores culturales
o ideales estéticos se reflejan en las representaciones de la cabeza en el arte
antiguo, renacentista y moderno?
2.
Técnica y Estilo:
o ¿Qué técnicas utilizaron
los artistas del Renacimiento para lograr un mayor realismo en la
representación de la cabeza humana?
o ¿Cómo rompieron los
artistas modernos con las convenciones tradicionales en la representación del
rostro?
3.
Expresión y Simbolismo:
o ¿Cómo utilizaron los
artistas la cabeza humana para expresar emociones o ideas?
o ¿Qué simbolismos pueden
identificarse en las representaciones de la cabeza en diferentes culturas o
movimientos artísticos?
4.
Impacto Social y Cultural:
o ¿Cómo ha influido la
representación de la cabeza humana en la percepción de la identidad y la
belleza?
o ¿De qué manera el arte
contemporáneo ha abordado temas como la diversidad y la inclusión a través de
la representación del rostro?
5.
Reflexión Personal:
o ¿Qué importancia crees
que tiene la representación de la cabeza humana en el arte actual?
o ¿Cómo podrías utilizar
la cabeza humana en tus propias creaciones artísticas para expresar ideas o
emociones?
Esta lectura crítica y
las preguntas asociadas buscan fomentar una reflexión profunda sobre la
importancia de la cabeza humana en el arte, así como desarrollar habilidades de
análisis y pensamiento crítico en los estudiantes.
ACTIVIDAD 3:
Desarrollo de la actividad 3, Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de LA NOCHE ESTRELLADA, DE VINCENT
VAN GOGH, y contesta las siguientes
preguntas:
Descripción de la obra de arte:
"La noche estrellada" de Vincent van Gogh
"La noche estrellada" (1889) es una
de las obras más icónicas del pintor neerlandés Vincent van Gogh.
Este óleo sobre lienzo, que mide 73.7 cm × 92.1 cm, fue creado durante la
estancia de Van Gogh en el asilo de Saint-Paul-de-Mausole, en
Saint-Rémy-de-Provence, Francia. La obra representa una vista nocturna desde la
ventana de su habitación en el asilo, aunque con una interpretación altamente
imaginativa y emocional.
Elementos clave de la obra:
- Cielo dinámico:
- El cielo está dominado por
remolinos y espirales de color azul y amarillo, que representan las
estrellas y la luna. Estos remolinos transmiten una sensación de
movimiento y energía.
- Las estrellas y la luna
están rodeadas por halos de luz, creando un efecto vibrante y casi mágico.
- Paisaje:
- En primer plano, se observa
un pueblo tranquilo con casas y una iglesia, cuyas líneas verticales
contrastan con las curvas del cielo.
- A la izquierda, un ciprés
oscuro y flameante se eleva hacia el cielo, conectando la tierra con el
firmamento. Este árbol es un símbolo recurrente en la obra de Van Gogh,
asociado con la eternidad y la muerte.
- Colores y texturas:
- Van Gogh utiliza una paleta
de colores intensos y contrastantes, con tonos azules, amarillos, verdes
y blancos.
- Las pinceladas son gruesas
y expresivas, una técnica característica del estilo postimpresionista de
Van Gogh, que transmite emociones y movimiento.
- Composición:
- La obra está estructurada
en planos horizontales y verticales, creando un equilibrio entre el cielo
turbulento y el pueblo sereno.
- Las líneas curvas del cielo
contrastan con las líneas rectas del pueblo y el ciprés, generando
tensión visual.
- Simbolismo:
- La obra refleja el estado
emocional de Van Gogh, quien luchaba con problemas de salud mental. El
cielo turbulento puede interpretarse como una representación de su mente
inquieta, mientras que el pueblo tranquilo simboliza un deseo de paz y
estabilidad.
- El ciprés, que se eleva
hacia el cielo, puede verse como un símbolo de conexión entre lo terrenal
y lo espiritual.
Preguntas para analizar "La noche
estrellada"
Preguntas sobre la Observación Inicial
- ¿Qué elementos visuales
(colores, formas, líneas) llaman más tu atención en la obra?
- ¿Cómo describirías la
atmósfera general de la pintura? ¿Transmite calma, agitación, misterio o
algo más?
- ¿Qué sensaciones o emociones
te genera la obra al observarla por primera vez?
Preguntas sobre la Técnica y el Estilo
- ¿Cómo describe Van Gogh el
cielo y las estrellas? ¿Qué efecto tienen las pinceladas gruesas y
expresivas?
- ¿Qué colores predominan en
la obra? ¿Cómo contribuyen a la sensación de movimiento y energía?
- ¿Qué diferencias notas entre
el cielo y el pueblo en términos de textura y estilo?
Preguntas sobre el Movimiento y la Composición
- ¿Cómo se representa el
movimiento en el cielo? ¿Qué elementos visuales contribuyen a esta
sensación?
- ¿Qué papel juega el ciprés
en la composición de la obra? ¿Cómo conecta los diferentes planos de la
pintura?
- ¿Cómo se equilibran las
líneas curvas del cielo con las líneas rectas del pueblo y el ciprés?
Preguntas sobre el Contexto
- ¿Qué sabes sobre la vida de
Vincent van Gogh y cómo podría estar reflejada en esta obra?
- ¿En qué período artístico se
enmarca "La noche estrellada"? ¿Cómo influye esto en su estilo y
técnica?
- ¿Qué significado podría
tener el pueblo tranquilo en contraste con el cielo agitado?
Preguntas sobre la Interpretación Personal
- ¿Qué crees que Van Gogh
quería transmitir con esta obra? ¿Cómo interpretas el cielo turbulento y
el pueblo sereno?
- ¿Qué emociones o
pensamientos te provoca la combinación de colores y formas en la obra?
- ¿Cómo relacionarías esta
obra con tu propia experiencia o con situaciones de la vida real?
Preguntas para Profundizar
- Si pudieras cambiar algo en
la obra, ¿qué sería y por qué?
- ¿Cómo crees que la salud
mental de Van Gogh influyó en la creación de esta obra?
- ¿Qué mensaje o reflexión te
deja "La noche estrellada" sobre la relación entre el ser humano
y el universo?
ACTIVIDAD 4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un mapa conceptual, observa el
video de:
“COMO DIBUJAR LA CABEZA”
https://www.youtube.com/watch?v=MyaWndPcFzk
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de tipos de
líneas, volumen, tramas, puntillismo.
Historia del dibujo:
Composición de la cabeza:
Equilibrio de la figura humana:
La proporción de la figura humana:
Planos bi y tridimencionales:
La figura humana (la cabeza):
Saber hacer (competencia
propositiva)
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competencia: Competencia creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o
crear nuevas y significativas realidades artísticas. competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón
prensado elaborar trabajos creativos , de dibujo de la figura humana la
cabeza con la técnica del lápiz 6b y lápices
de colores
La figura humana
(la cabeza):
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora la
conceptualización de los elementos, tipos, proporciones y principios fundamentales de la
historia del dibujo, composición, equilibrio, proporción, planos bidimensionales
y tridimensionales, la figura humana (la cabeza), las habilidades motoras y
técnicas básicas para el manejo de herramienta, observa la representación de
formas simples. la creatividad y la expresión personal desde los primeros pasos,
y los aplica creativamente en sus trabajos. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia los conocimientos en
base los elementos, tipos, proporciones y principios fundamentales de la
historia del dibujo, composición, equilibrio, proporción, planos bidimensionales
y tridimensionales, la figura humana (la cabeza), fundamentales del dibujo,
las habilidades motoras y técnicas básicas para el manejo de herramienta,
observa la representación de formas simples. la creatividad y la expresión
personal desde los primeros pasos, aunque
con algunas imprecisiones menores en la explicación teórica o en la práctica. |
|
BASICO |
Reconoce los elementos,
tipos, proporciones y principios fundamentales de la historia del dibujo, composición,
equilibrio, proporción, planos bidimensionales y tridimensionales, la figura humana
(la cabeza), fundamentales del dibujo, las habilidades motoras y técnicas
básicas para el manejo de herramienta, observa la representación de formas
simples. la creatividad y la expresión personal desde los primeros pasos, pero tiene dificultades para aplicarlas de
manera coherente en sus trabajos. |
|
BAJO |
Se le dificulta valorar la conceptualización, en base los conceptos,
tipos,
proporciones y principios fundamentales de la historia del dibujo, composición,
equilibrio, proporción, planos bidimensionales y tridimensionales, la figura humana
(la cabeza), fundamentales
del dibujo, las habilidades motoras y técnicas básicas para el manejo de
herramienta, observa la representación de formas simples. la creatividad y la
expresión personal desde los primeros pasos, mostrando una comprensión limitada de los temas. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente sabe elaborar
ejercicios prácticos, crea dibujos, composiciones equilibradas y armoniosas, del
equilibrio visual, con proporciones precisas y realistas, retratos realistas
y expresivos, que reflejan con precisión técnicas y estilos históricos,
demostrando un dominio excepcional de las características, realizando investigaciones
profundas y las aplica en sus trabajos. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en ejercicios prácticos crea dibujos, composiciones
equilibradas y armoniosas, del equilibrio visual, con proporciones precisas y
realistas, retratos realistas y expresivos, que reflejan con precisión
técnicas y estilos históricos, aunque con algunas limitaciones en la
creatividad |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios prácticos,
crea dibujos, composiciones equilibradas y armoniosas, del
equilibrio visual, con proporciones precisas y realistas, retratos realistas
y expresivos, que reflejan con precisión técnicas y estilos históricos, realizando
investigaciones básicas, pero no las aplica completamente. |
|
BAJO |
Se
le dificulta practicar
en su cuaderno, realizar ejercicios, no crea dibujos, composiciones
equilibradas y armoniosas, del equilibrio visual, con proporciones precisas y
realistas, retratos realistas y expresivos, que reflejan con precisión
técnicas y estilos históricos, el estudiante no logra aplicar los elementos y
principios del dibujo. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma perfecta aplica y crea nuevas obras de arte, obras originales que reflejan un
dominio excepcional de técnicas y estilos históricos, integrando elementos de
diferentes períodos de manera innovadora, con composiciones equilibradas
y armoniosas, que demuestran un manejo excepcional del equilibrio visual, también demuestran un manejo excepcional del
equilibrio visual, con retratos realistas y expresivos, reflejando un dominio excepcional de técnicas y estilos
, integrando elementos de dibujo de manera innovadora. |
|
ALTO |
Desarrolla, aplica y crea nuevas obras de arte, obras originales que reflejan un
dominio excepcional de técnicas y estilos históricos, integrando elementos de
diferentes períodos, con composiciones equilibradas y armoniosas, que
demuestran un manejo bueno del equilibrio visual, con retratos realistas y expresivos,
aunque con algunas limitaciones en la integración o la innovación. |
|
BASICO |
Reconoce, aplica y crea nuevas obras de arte originales que reflejan un dominio
excepcional de técnicas y estilos históricos, integrando elementos de
diferentes períodos, equilibradas y armoniosas, que demuestran un manejo del
equilibrio visual, también demuestran un manejo excepcional del equilibrio
visual, con retratos realistas y expresivos, pero con errores significativos
en la aplicación o la coherencia. |
|
BAJO |
Se le
dificulta crear una obra de arte,
en técnicas
y estilos históricos, integrando elementos de diferentes períodos, con
composiciones que no demuestra un manejo del equilibrio visual, no realiza
retratos realistas y expresivos, las obras son desorganizadas. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Historia
del dibujo
https://mott.pe/noticias/conoce-la-historia-del-dibujo-en-sus-distintas-etapas/
2. Que
es la composición y porque es tan importante en el dibujo
https://design.tutsplus.com/es/articles/how-to-create-interesting-composition-in-drawing--cms-27402
3. Concepto
de equilibrio
https://concepto.de/equilibrio/
4. Que
es la proporción en el dibujo
chrome-extension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://sabiocaldas.edu.co/wp-content/uploads/2021/02/QUINTO-ARTES-SEM.-4-1.pdf
5. Planos
bidimensionales y tridimensionales
chrome-extension://efaidnbmnnnibpcajpcglclefindmkaj/https://www.webcolegios.com/file/ed2097.pdf
6. Estudio
de la cabeza humana
https://es.slideshare.net/slideshow/estudio-de-la-cabeza-humana/41305590
|
RECURSOS,
FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE EVALUACIÓN |
|
RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las
competencias asociadas a la educación artística son habilidades,
conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que
deben tener unos dominios específicos. en este sentido, el conjunto de
conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son
responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres
competencias de cuyo desarrollo se ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos
inherentes a las prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en
el ambiente característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es
pertinente hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han
denominado “cognición situada” Por
otra parte, es necesario aclarar que las tres competencias específicas se
abstraen aquí como ámbitos separados únicamente para efectos de su abordaje
conceptual y pedagógico. se supone que de hecho están presentes e integradas
y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante, incluso en
el examen de un mismo producto o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe
aclararse que en este documento orientaciones pedagógicas para la educación
artística en básica y media se requiere analizarlas por separado, aunque en
el acto de enseñanza aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y
compleja. a continuación, se presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO CORPORAL Autocuidado Lenguaje corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La
evaluación la evaluación constituye una actividad mediante la cual los
maestros tienen la oportunidad de monitorear los procesos de enseñanza y de
aprendizaje de sus educandos, en la búsqueda de afianzar, mejorar, consolidar,
valorar y complementar los aprendizajes de éstos. Al
respecto es conveniente recordar los rasgos fundamentales que caracterizan a
la evaluación con enfoque formativo (en los niveles de educación básica y
media) en el aula, tanto en el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas.
• se centra en la forma como el estudiante aprende, sin
descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta rúbrica,
evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La autoevaluación permite a los
estudiantes evaluar su propio trabajo. la coevaluación les permite evaluar
el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje: CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER A continuación, se presentan
los criterios y recursos de evaluación para el saber ser (actitudinal) en el área conceptual del dibujo artístico de grado noveno, enfocados en los temas de historia del dibujo, composición, equilibrio, proporción,
planos bidimensionales y tridimensionales, y la figura humana (la cabeza). Estos criterios y recursos permiten evaluar las
actitudes, valores y disposiciones de los estudiantes hacia el aprendizaje y
la práctica del dibujo artístico. 1. Historia del
Dibujo
Criterios: Muestra interés y respeto por
las manifestaciones artísticas de diferentes épocas. Valora el dibujo como una
herramienta de expresión cultural y artística. Recursos: Observación directa durante las
discusiones sobre historia del arte. Autoevaluación y coevaluación
en actividades de investigación y presentación. 2. Composición
Criterios: Demuestra creatividad y
originalidad en la organización de elementos visuales. Muestra disposición para
experimentar y explorar nuevas formas de composición. Recursos: Observación directa durante las
actividades prácticas de composición. Rúbricas actitudinales para
evaluar la creatividad y la disposición al experimentar. 3. Equilibrio
Criterios: Muestra atención al detalle en
la búsqueda del equilibrio visual. Valora la importancia de la
armonía en una obra artística. Recursos: Observación directa durante las
actividades prácticas de equilibrio. Diarios de aprendizaje para
reflexionar sobre la importancia del equilibrio. 4. Proporción
Criterios: Muestra paciencia y dedicación
en la búsqueda de la precisión. Valora la importancia de la
proporción en la representación realista. Recursos: Observación directa durante las
actividades prácticas de proporción. Autoevaluación y coevaluación
en ejercicios de medición y comparación. 5. Planos Bidimensionales y Tridimensionales
Criterios: Muestra curiosidad por explorar
nuevas técnicas y materiales. Valora la importancia de la
perspectiva y el volumen en el dibujo. Recursos: Observación directa durante las
actividades prácticas de perspectiva y sombreado. Rúbricas actitudinales para
evaluar la curiosidad y la exploración. 6. Figura Humana (La Cabeza)
Criterios: Muestra respeto por la
diversidad corporal en sus representaciones. Valora el esfuerzo y la
dedicación en la práctica del dibujo de la figura humana. Recursos: Observación directa durante las
actividades prácticas de retrato. Entrevistas y conversaciones
para conocer la percepción del estudiante sobre la figura humana. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SABER En la enseñanza del dibujo artístico en grado noveno, es fundamental
establecer criterios de evaluación claros y utilizar recursos adecuados para medir el progreso de los estudiantes en aspectos
como la historia del dibujo, composición, equilibrio, proporción, planos
bidimensionales y tridimensionales, y la figura humana (especialmente la
cabeza). A continuación, se detallan los criterios y recursos de evaluación
para cada uno de estos temas: 1. Historia del Dibujo
|
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica entre
los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con aproximaciones
según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA NACIONAL |
ESCALA CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS |
|
DESEMPEÑOS |
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo
que hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes actividades
en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con experiencias
vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO |
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS
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