INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
LA PINTURA EN EL ARTE
GRADO DECIMO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 2 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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PERIODO:
2 |
AQBRIL
21 DE 2025 |
JUNIO 20 DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
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ACTITUDINAL
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PRIMERO |
Identidad
y cultura |
LA
PINTURA EN EL ARTE |
Teoría
del color, figura humana fija, el art pop. |
Competencia
cognitiva, técnica, y creativa. |
Evalúan el conocimiento teórico y
comprensión del arte y la pintura. ·
Identifica
y describe los elementos básicos de la pintura (color, forma, textura,
composición). ·
Explica
conceptos artísticos como perspectiva, claroscuro, teoría del color o estilos
pictóricos. ·
Analiza
obras de artistas relevantes y reconoce su influencia en su propio trabajo. ·
Interpreta
el mensaje o intención comunicativa en una pintura propia o ajena. |
Miden las habilidades técnicas y
prácticas en la ejecución de la pintura. ·
Utiliza
adecuadamente materiales y herramientas (pinceles, espátulas, acrílicos,
óleos, etc.). ·
Aplica
técnicas pictóricas según el estilo o proyecto (acuarela, óleo, acrílico,
esgrafiado, etc.). ·
Desarrolla
una composición equilibrada empleando elementos como proporción, ritmo y
armonía. ·
Experimenta
con mezclas de colores, texturas y soportes para lograr efectos deseados. ·
Realiza
correcciones y ajustes durante el proceso creativo para mejorar su obra. |
Valoran la disposición, valores y
compromiso en el proceso artístico. ·
Muestra
interés y motivación por explorar nuevas ideas y técnicas. ·
Trabaja
con responsabilidad y cuidado en el manejo de materiales y espacios. ·
Acepta
y aplica críticas constructivas para mejorar su trabajo. ·
Valora
el arte como medio de expresión personal y cultural. ·
Colabora
en proyectos colectivos respetando las ideas de los demás. |
¿QUE VOY APRENDER ¿
CONOCIMIENTOS PREVIOS
LA PINTURA EN EL ARTE
LA PINTURA EN EL ARTE
|
área |
Educación
artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime
EVER Muriel |
Tiempo total |
10
semanas |
|
ESTANDAR: El estándar del "saber
ser" en el ámbito conceptual de la teoría del
color se enfoca en la reflexión, valoración y
actitud crítica del estudiante hacia los fundamentos del color
y su aplicación en el arte. No solo se trata de conocer los conceptos, sino
de internalizarlos, apreciarlos y relacionarlos con su propia
práctica artística y contexto cultural. COMPETENCIAS
ESPECIFICAS: LA SENSIBILIDAD: Hace referencia a la agudeza sensorial y emocional para captar
detalles, matices y armonías en el entorno y en el arte. ·
Indicadores: o
Observa
y analiza los efectos de la luz y el color en la naturaleza (ej.: cambios de
tonalidad en un atardecer). o
Identifica
sutilezas en obras maestras (ej.: las transparencias en las acuarelas de
Turner o el tratamiento de la piel en los retratos de Rembrandt). o
Escucha
y valora críticas o interpretaciones ajenas sobre su trabajo. La apreciación estética: La apreciación
estética en la pintura es la capacidad de observar,
analizar, interpretar y valorar una obra de arte
más allá de su aspecto superficial. Implica comprender sus elementos
formales, su contexto histórico-cultural y su impacto emocional o intelectual.
Esta habilidad es fundamental tanto para artistas como para espectadores, ya
que enriquece la experiencia artística y fomenta una mirada crítica. la
comunicación: La pintura es una
forma de comunicación no verbal que transmite
ideas, emociones, historias y críticas sociales a través de elementos
visuales. A diferencia del lenguaje hablado o escrito, el arte comunica de
manera intuitiva, simbólica y sensorial. Competencias
Maristas: Los colegios Maristas, inspirados en los valores de San
Marcelino Champagnat, integran el arte (especialmente la pintura) como una
herramienta para el desarrollo humano, espiritual y social. Estas competencias no solo buscan
habilidades técnicas, sino también valores, reflexión crítica y compromiso
comunitario. 1. Competencias
Técnicas y Creativas
Objetivo: Desarrollar habilidades
artísticas con excelencia. ·
Manejo de materiales: Uso responsable de acrílicos,
óleos, acuarelas y técnicas mixtas. ·
Teoría aplicada: Composición, color, perspectiva y
estilos (figurativo, abstracto, etc.). ·
Proceso creativo: Desde el boceto hasta la obra
final, con énfasis en la originalidad. Competencias socioemocionales: La pintura, más allá
de su dimensión estética o técnica, es una poderosa herramienta para el desarrollo
socioemocional. En el contexto educativo (incluyendo
colegios Maristas), trabajar estas competencias a través del arte permite a
los estudiantes expresar emociones,
desarrollar empatía, gestionar conflictos y fortalecer su autoconcepto. Competencias
ciudadanas: 1. RESPETO A LA DIVERSIDAD Y LA INCLUSIÓN
·
Retratos multiculturales: Pintar personajes de diferentes
etnias, culturas o capacidades, valorando la riqueza de la diversidad humana. ·
Murales inclusivos: Crear obras colectivas donde cada
estudiante aporte elementos de su identidad personal o cultural. ·
Análisis crítico: Reflexionar sobre cómo el arte ha
sido usado para excluir o incluir grupos sociales a lo largo de la historia. 2. PARTICIPACIÓN Y RESPONSABILIDAD DEMOCRÁTICA
·
Arte colaborativo: Realizar proyectos grupales donde
se tomen decisiones democráticas sobre temas, técnicas y estilos. ·
Pintura como protesta o propuesta: Crear obras que aborden
problemáticas sociales (ej.: contaminación, desigualdad) y propongan
soluciones visuales. ·
Galería estudiantil: Organizar exposiciones donde los
estudiantes voten y seleccionen las obras que los representarán en la
comunidad escolar. |
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|
competencia: Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia
expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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|
competencia: Competencia
creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
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competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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|
saber ser
(competencia
interpretativa) |
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competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
TEORIA DEL COLOR:
¿Qué es la teoría del color?
¿Por qué hay una teoría
sobre ellos?
Los colores son parte esencial del mundo y, sin darnos cuenta,
nuestro subconsciente puede recibir mensajes a través de ellos. Entonces, ¿cuáles son los efectos
psicológicos de los colores?
Cambiar sutilmente la tonalidad del
color puede evocar reacciones totalmente distintas. Conocer qué es la teoría
del color nos ayudará a entender las propiedades de los colores y el
significado de los colores, de esta forma, sabremos qué color utilizar para transmitir nuestro mensaje
correctamente.
Por otro lado, crear una armonía de
color es un proceso que no solo requiere de gusto y criterio, sino, también, de
ciertos conocimientos; entre ellos, el más importante es la teoría del color.
Pues, sin ella, ¡tus creaciones tendrán menos impacto de lo esperado!
En este artículo, recogeremos todos los conceptos básicos de la
teoría del color. Además, te mostraremos todo sobre el
círculo cromático y las combinaciones de color para que sepas cómo aplicar la
teoría del color en diferentes campos, como en el maquillaje, en el diseño
gráfico y en el diseño de interiores.
Entonces, ¿estás listo para descubrir
qué es la teoría del color y todo lo que interviene en ella? ¡Sigue leyendo!
¿Qué es el color?
Antes de ahondar en lo que es la teoría
del color, debemos responder qué es el color, ¿no te parece? En esta
oportunidad, iremos desde lo más básico hasta lo específico y, al final del
artículo, serás todo un experto.
Entonces, ¿cómo se define un color? La Real
Academia Española presenta la definición de color
como una “sensación producida por
los rayos luminosos que impresionan los órganos visuales y que depende de la
longitud de onda”.
Isaac Newton, físico y matemático
inglés, en 1665, estableció la teoría física del color, la cual define el color como una
combinación de luz y oscuridad, siendo el negro puro correspondiente al valor cero,
como la ausencia de luz y el blanco puro como el valor máximo de luminosidad.
A parte del color blanco y del color
negro puro, todos los otros colores se componen por una variedad de gris. Más
adelante, conocerás más sobre las combinaciones de colores, ¡todo a su
tiempo!
Imagen:
Astronomia.com
¿Qué
es la teoría del color?
Entonces, para definir en qué consiste
la teoría del color, en pocas palabras, podemos decir que esta comprende las reglas básicas que determinan
cómo combinar los colores para obtener el efecto deseado.
Pero, ¿cuál es la importancia de la
teoría del color? ¿Para qué sirve la teoría del color? Básicamente, para saber cuál es el poder del color en nuestra mente y para
entender cómo componer armonías de colores, pues esto es esencial para las
comunicaciones, el diseño y el arte, ya que el color que se escoja tendrá
efectos determinados.
Al conocer qué es la teoría del color, podrás aprovechar los beneficios que te ofrece cada uno para poder
acercarte a tus clientes actuales y potenciales; ya que, como verás más
adelante, los colores son importantes para dar a entender el mensaje en
sí.
Propiedades
del color
Según Archi
Palettes, sitio web dedicado al estudio al
estudio y a la enseñanza del color en las artes plásticas y visuales, las
propiedades del color “son las distintas cualidades
que nos permiten diferenciar y definir colores”.
Estas cualidades se resumen en 3
categorías: tono, saturación y valor. A continuación, te las
describimos.
1. Tono
En primer lugar, cuando hablamos de la
tonalidad del color, matiz o tinte nos referimos a un color puro; es decir, un pigmento sin negro o
blanco. En
otras palabras, el tono identifica a todos los colores que conforman el
espectro visible, por ejemplo, el rojo, el amarillo, el azul y el verde.
2. Saturación
En relación a la teoría del color, la saturación es sinónimo de la pureza del color o pigmento. Mientras menos pigmento tiene un
color, se va desaturando, ya que va perdiendo su pureza. Existen tres formas
para desaturar un color: añadiendo color blanco, añadiendo color negro o
mezclándolo con su color complementario.
3. Valor
El valor, brillo o luminosidad de un color te indica la intensidad
del estímulo luminoso; es decir, sabrás si el color es oscuro o
claro en un rango de negro a blanco. Puedes regular la luminosidad del color de
la siguiente manera: añadiendo blanco, para volverlo más luminoso, o añadiendo
negro, para lograr el efecto contrario.
3. LA
FIGURA HUMANA FIJA:
PROPORCIÓN
Es un elemento
estético que equilibra y armoniza las pates de un todo. La figura humana es el
mejor ejemplo, ya que sus partes se corresponden unas con otras.
FIGURA
HUMANA COMO CANON DE LA PROPORCIÓN
Muchos artistas y
culturas realizaron estudios de la figura humana; algunos procedieron por la
subdivisión simple, geométrica, otras veces en fracciones pequeñas, otros
artistas han tomado como medida una parte del cuerpo humano (Antropometría), ya
sea el largo de un dedo de la mano a la medida de la cabeza, con dichos cánones
se han medido |as otras partes del cuerpo humano, estableciendo las relaciones
o proporciones que guardan entre si y al conjunto total del cuerpo humano.
CANON: Equivale
a regla o fórmula. "Es un sistema de medida que debe ser tal que se pueda
deducir las dimensiones de un gran sector de las partes del todo y viceversa”. CANON
= Medida o regla. (Según Guillaune).
HISTORIA
Representar el cuerpo
humano, es uno de los géneros más difíciles de realizar, porque se requiere de
conocimientos de anatomía y proporción para su representación.
·
Los primeros estudios
que se realizaron de la figura humana, se remonta a los EGIPCIOS, quienes
proporcionaban con la medida del dedo medio de la mano. Con esta medida el
cuerpo se dividía en 21.5 partes, de las cuales 19 partes eran para el cuerpo y
2.5 partes para el tocado.
Siglos después,
fueron los GRIEGOS quienes desarrollaron proporciones de belleza y perfección
casi divinas. Fue el escultor POLICLETO el primero en utilizar la medida de la
cabeza y con la que esculpió una figura masculina llamada "El
Doríforo", conocida también como el "Canon", donde utilizó la
medida de 7 cabezas ½ de altura para proporcionarla.
Un siglo más tarde,
surge la figura del escultor PRAXÍTELES, quien elaboraba sus esculturas
proporcionadas con la medida de 8 cabezas de altura.
Casi al mismo tiempo
el escultor griego LEÓCARES, realizaba esculturas con la medida de 8 cabezas ½
de altura, una de sus obras fue la escultura "El Apolo de Belvedere".
“HOMBRE
DE VITRUVIO” - LEONARDO DA VINCI
También BOTICELLI,
realizaba esculturas con la medida de 9 cabezas de alto; siendo una de sus
obras "San Sebastián".
Fue sólo hasta principios
del siglo XIX, que el científico STRATZ, puso fin al problema; sostuvo que
Praxíteles tenía razón, sólo que proporcionaba con medidas que correspondían a
personas comunes y corrientes.
Stratz realizó
estudios de proporción en personas altas, atléticas y bien proporcionadas,
obteniendo el CANON IDEAL, que es de 8 cabezas de alto por 2 cabezas de ancho.
Hoy en día se ha
llegado a la siguiente conclusión:
· Canon de 7 cabezas
½ para una figura humana COMÚN.
· Canon de 8 cabezas,
para una figura humana IDEAL.
· Canon de 8 cabezas
½ para una figura humana HERÓICA.
2.
EL ART POP:
Qué es el pop art
El pop art es un movimiento que surge a finales de 1950 en Inglaterra y, más tarde, en 1960 en Estados
Unidos. Su auge dura aproximadamente hasta la década de los años
80. Durante este tiempo, las obras creadas dentro de este movimiento expresan
una crítica social a la realidad que se estaba viviendo en ese momento. Por
aquel entonces, la sociedad destacaba principalmente por el consumismo: todo
giraba en torno a comprar y vender masivamente.
En aquel momento, los
artistas pop art hacían uso de diversos materiales, y se servían de cualquier objeto que fuera
representativo del consumismo. Por ejemplo, empleaban carteles, artículos
publicitarios, latas de conserva, botellas, etc. En muchas de sus obras, se
observa un efecto repetitivo, e incluso saturante. Estos aspectos reflejan el efecto anestésico de la publicidad
y el consumo en nuestra vida, alejándonos de los aspectos importantes, para
embaucarnos en lo meramente banal.
A priori, puede
parecer un tipo de movimiento sencillo. Sin embargo, consiste en un arte que
tiene mucho conocimiento sobre el funcionamiento de la sociedad. Pretende plasmar la realidad de la sociedad a través de sus obras, para crear
conciencia en las personas.
Características
del pop art
- Representación de la cultura popular: El Pop Art se centra en la representación de la cultura
popular y la vida cotidiana. Los artistas toman elementos de la cultura de
masas, como anuncios publicitarios, productos de consumo, cómics,
celebridades y objetos comunes, y los incorporan en sus obras de arte.
Esta apropiación de la cultura popular es una de las características más
distintivas del movimiento.
- Uso de imágenes icónicas: Los artistas pop a menudo seleccionan imágenes icónicas o
reconocibles de la cultura popular y las transforman en obras de arte.
Estas imágenes pueden incluir rostros de celebridades como Marilyn Monroe
o Elvis Presley, logotipos de marcas famosas como Coca-Cola o Campbell's,
y cómics populares como los de Roy Lichtenstein.
- Estilo visual llamativo: El Pop Art se caracteriza por su estilo visual llamativo y
colorido. Los artistas a menudo utilizan colores brillantes y
contrastantes para llamar la atención del espectador. Además, suelen
aplicar técnicas de impresión y serigrafía para lograr efectos visuales
impactantes.
- Repetición y serialidad: La repetición de imágenes y objetos es una característica
común en el Pop Art. Los artistas a menudo crean series de obras que
presentan la misma imagen o tema repetido en diferentes variaciones. Esto
enfatiza la naturaleza repetitiva de la cultura de masas y la producción
en serie.
- Ironía y crítica social: Aunque el Pop Art celebra la cultura popular, también puede ser
irónico y crítico. Algunos artistas utilizan el humor y la ironía para
cuestionar los valores y las normas de la sociedad de consumo. A menudo,
esta crítica se presenta de manera sutil o subyacente en las obras.
- Despersonalización: El Pop Art tiende a despersonalizar las imágenes y los objetos
que representa. Los artistas a menudo eliminan las características
individuales de las personas retratadas y los objetos se presentan de
manera uniforme y estandarizada. Esto refleja la uniformidad de la cultura
de masas.
- Intersección con la publicidad: El Pop Art se cruza con la publicidad y a menudo se inspira en ella.
Algunos artistas incorporan elementos publicitarios directamente en sus
obras, como lemas o logotipos de marcas, mientras que otros utilizan
técnicas publicitarias para crear impacto visual.
- Celebridad de los artistas: Los artistas pop a menudo se convirtieron en celebridades en
sí mismos. Su trabajo a menudo se asociaba con la cultura popular y la
fama, y algunos artistas se convirtieron en figuras influyentes en la
escena artística y cultural de la época.
ACTIVIDAD CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte
conceptual y realiza un afiche en la aplicación de canva.
MOTIVACIÓN: valores maristas: LA SENCILLEZ
ACTIVIDAD
1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “LA SENCILLEZ DE LA VIDA”, y
realizar una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=Y3XasfQZ2Po
ACTIVIDAD 2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LA
REPRESENTACION DE LA FIGURA NHUMANA, en tu cuaderno y contesta las preguntas.
La lectura crítica de la representación de la figura
humana implica
analizar cómo el cuerpo ha sido plasmado en el arte, la cultura visual y los
medios, considerando aspectos como el contexto histórico, ideologías, poder, género,
raza y discursos sociales. Este enfoque permite deconstruir
significados ocultos y cuestionar estereotipos o normativas impuestas. A
continuación, se presentan ejes clave para este análisis:
1. Cuerpo y Poder
·
Representación como instrumento de control: Analizar cómo ciertas épocas o
regímenes (como el arte clásico griego, el cristianismo medieval o la
propaganda política) han usado la figura humana para transmitir ideales de
belleza, moral o sumisión.
o Ejemplo: Las esculturas romanas de emperadores
exaltaban su divinidad y autoridad.
·
Cánones de belleza: Cuestionar quién define lo
"bello" o "normal" (por ejemplo, el canon de proporciones renacentista vs. cuerpos diversos
en el arte contemporáneo).
2. Género y Sexualidad
·
Mirada masculina (Laura Mulvey): En pintura, fotografía o cine, la
mujer a menudo ha sido representada como objeto de deseo (Odalisques de Ingres, publicidad actual).
·
Deconstrucción del cuerpo femenino: Artistas como Jenny Saville o Frida Kahlo desafían los ideales tradicionales
mostrando cuerpos no idealizados.
·
Cuerpos queer y disidentes: Representaciones que rompen con el
binarismo de género (por ejemplo, la fotografía de Catherine Opie o el arte de David Wojnarowicz).
3. Raza y Colonialismo
·
Exotización y fetichización: En el arte colonial, cuerpos negros o
indígenas fueron representados como "el otro" (pinturas de Gauguin en
Tahití, o los retratos étnicos del siglo XIX).
·
Resistencia y reivindicación: Artistas contemporáneos como Kara Walker (siluetas sobre esclavitud)
o Kehinde Wiley (retratos afrodiaspóricos)
reescriben narrativas históricas.
Ejes de análisis
1. Poder y Control
·
¿Cómo
ha sido usado el cuerpo para transmitir jerarquías sociales?
o Ejemplo: Estatuas de faraones como símbolos de
poder divino vs. cuerpos esclavizados en el arte colonial.
·
¿Quién
define los cánones de belleza y por qué?
2. Género y Sexualidad
·
¿Cómo
se representa lo masculino vs. lo femenino? ¿Existe objetivación?
o Ejemplo: El desnudo femenino en el arte
occidental (Venus de Botticelli vs. Olympia de Manet, que desafía la mirada
pasiva).
·
¿Qué
cuerpos son marginalizados (no binarios, trans, discapacitados)?
3. Raza y Colonialismo
·
¿Cómo
se ha representado al "otro" racializado? ¿Existe exotización?
o Ejemplo: Pinturas de Gauguin en Polinesia vs.
el arte afrofuturista de Kerry James Marshall.
·
¿Qué
narrativas se imponen sobre cuerpos indígenas, negros o migrantes?
4. Tecnología y Distorsión
·
¿Cómo
modifican los filtros digitales y la IA nuestra percepción del cuerpo?
o Ejemplo: Selfies con filtros que imponen
estándares irreales vs. proyectos como Selfy de Cindy Sherman.
·
¿El
cuerpo humano sigue siendo "real" en el metaverso?
5. Violencia y Trauma
·
¿Cómo
se representa el dolor, la guerra o la enfermedad?
o Ejemplo: Guernica de Picasso vs. las fotografías de
cuerpos en conflictos actuales.
·
¿Quién
tiene derecho a mostrar (o ocultar) cuerpos violentados?
Preguntas:
1. Autoría y contexto:
o ¿Quién creó la representación y con qué
propósito?
o ¿Qué ideologías políticas, religiosas o
económicas influyen?
2. Normas y transgresiones:
o ¿Refuerza estereotipos (de género, raza,
clase) o los subvierte?
o ¿Qué cuerpos son excluidos de esta
representación?
3. Recepción e impacto:
o ¿Cómo podría interpretarse esta imagen
en diferentes contextos históricos?
o ¿Qué emociones o reacciones busca
provocar?
4. Resistencias:
o ¿Existen obras o movimientos que
cuestionen esta representación?
o ¿Cómo se apropian las comunidades
marginadas de su propia imagen?
ACTIVIDAD 3:
Desarrollo de la actividad 3, Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de NACIMIENTO DE VENUS, de BOTTICELLI, y contesta las siguientes
preguntas:
(ver
anexo en guía las preguntas).
Análisis
y descripción de El
nacimiento de Venus de
Sandro Botticelli (1484-1485)
Autor: Sandro Botticelli (Alessandro di
Mariano di Vanni Filipepi)
Fecha: c. 1484–1485 (Renacimiento
italiano, Florencia)
Técnica: Pintura al temple sobre lienzo
Ubicación actual: Galería Uffizi, Florencia (Italia)
Descripción formal de la obra
1. Composición y figura central
·
Venus (Afrodita): Representada como una mujer joven,
pálida y de rasgos idealizados, emerge de una concha marina sobre las olas. Su
postura es curva (contrapposto), con un brazo cubriendo su pecho y
otro sosteniendo su cabello, en un gesto de modestia y gracia.
·
Cabello y rostro: Largo y dorado, flotando al viento,
con una expresión serena y contemplativa.
2. Personajes secundarios
·
Céfiro y Cloris: A la izquierda, el dios del viento
(Céfiro) abraza a la ninfa Cloris, soplando una brisa que impulsa a Venus hacia
la orilla. Sus cuerpos están en movimiento, con alas y ropajes agitados.
·
Hora (o Primavera): A la derecha, una figura femenina
(posiblemente una de las Horas o la diosa de la primavera) extiende un manto
florido para cubrir a Venus. Viste un vestido bordado con flores y parece pisar
tierra firme.
3. Elementos simbólicos
·
La concha marina: Símbolo de pureza y fertilidad,
vinculado al mito de Venus nacida de la espuma del mar.
·
Flores y viento: Las rosas (asociadas a Venus) caen
alrededor, y el viento representa el aliento divino que da vida.
·
Colores y luz: Tonos pasteles (azules suaves,
dorados, rosas) crean una atmósfera etérea, con un fondo marino y cielo claro
que enfatizan la armonía.
Análisis crítico: Significado y contexto
1. Influencias clásicas y humanistas
·
Botticelli
se inspira en la mitología grecorromana (el mito de Afrodita/Venus) y en
textos como Las metamorfosis de Ovidio.
·
La
obra refleja el renacimiento del interés por la Antigüedad clásica en la Florencia de los Médici,
donde el neoplatonismo vinculaba belleza física con virtud espiritual.
2. Venus como ideal de belleza
·
La
figura de Venus encarna el canon renacentista: proporciones equilibradas, piel
blanca, cabello rubio y rasgos delicados.
·
Tensión entre lo sagrado y lo profano: Aunque es una diosa pagana, su pose
recuerda a la Virgen María, mostrando cómo el arte renacentista
mezclaba cristianismo y clasicismo.
3. Lecturas feministas y de poder
·
Objetivación vs. agencia: Venus es un objeto de contemplación,
pero también una figura activa (nace del mar, no es creada por hombres).
·
Mirada masculina: La obra fue encargada por Lorenzo di
Pierfrancesco de Médici, posiblemente como alegoría del amor idealizado.
4. Simbolismo político
·
Algunos
estudiosos ven en la obra una metáfora del nacimiento de Florencia como ciudad culta y poderosa, bajo
el mecenazgo de los Médici.
Preguntas:
1. ¿Por qué Botticelli eligió representar a
Venus con rasgos europeos y no como la Afrodita griega (posiblemente morena)?
2. ¿Cómo contrasta esta imagen de la
feminidad con otras representaciones de mujeres en el arte renacentista
(ej.: La Gioconda)?
3. ¿Qué papel juega el paisaje en la
construcción de la divinidad de Venus?
4. Si Venus fuera pintada hoy, ¿cómo
cambiarían su cuerpo, etnia o contexto?
Legado e influencia
·
El
nacimiento de Venus es un ícono del arte occidental, revisitado en el pop art (Andy
Warhol), la publicidad y la cultura popular.
·
Su
ideal de belleza aún influye en estándares estéticos contemporáneos, aunque hoy
se cuestiona su falta de diversidad.
¿Qué otros detalles llaman tu atención en esta
obra?
EL
NACIMIENTO DE VENUS DE BOTTICELLI: ANÁLISIS COMPLETO Y PREGUNTAS CRÍTICAS
Descripción detallada de la obra:
1. Composición y escena:
·
La
obra muestra a Venus, diosa del amor, emergiendo adulta de una concha marina
·
La
figura central está flanqueada por Céfiro (dios del viento) a la izquierda y
una Hora (ninfa de las estaciones) a la derecha
·
El
formato es de gran tamaño (172.5 x 278.5 cm), trabajado al temple sobre lienzo
2. Figura de Venus:
·
Representa
el ideal renacentista de belleza femenina
·
Postura
en "contrapposto" (peso sobre una pierna) que crea elegante curvatura
·
Cabello
dorado y ondulante, movido por el viento
·
Rostro
de expresión serena y contemplativa
·
Gestos
de modestia: una mano cubre el pecho, otra sujeta su larga cabellera
3. Elementos mitológicos:
·
Concha marina: símbolo de fertilidad y nacimiento
divino
·
Céfiro y Cloris: representan los vientos que
impulsan a Venus hacia tierra
·
Hora de la Primavera: ofrece un manto florido para
cubrir a la diosa
·
Rosas en el aire: asociadas al mito de Venus, que
surgieron cuando nació
4. Estilo y técnica:
·
Líneas
sinuosas y fluidas que crean movimiento
·
Colores
luminosos y suaves (azules, dorados, rosas pálidos)
·
Fondos
simples que destacan las figuras principales
·
Uso
de oro en detalles como el cabello y adornos
Preguntas para análisis crítico:
1. Sobre la representación del cuerpo:
·
¿Por
qué Botticelli eligió este tipo de cuerpo femenino como ideal de belleza?
·
¿Cómo
refleja esta Venus los valores estéticos de la Florencia renacentista?
·
¿Qué
diferencias notas entre esta representación y otras imágenes de Venus en el
arte clásico?
2. Sobre género y poder:
·
¿Crees
que esta imagen empodera o objetiviza a la figura femenina?
·
¿Cómo
interpretas el gesto de modestia de Venus en el contexto de su desnudez?
·
¿Qué
papel juegan las figuras masculinas (Céfiro) en esta escena de nacimiento
divino?
3. Sobre simbolismo religioso:
·
¿Ves
paralelos entre este nacimiento mitológico y representaciones cristianas del
nacimiento?
·
¿Cómo
se relaciona esta imagen pagana con el contexto religioso de la Florencia del
siglo XV?
·
¿Qué
significado podría tener la concha marina en términos espirituales?
4. Sobre influencias y legado:
·
¿Qué
elementos de esta obra crees que han influido en el arte posterior?
·
¿Cómo
ha evolucionado la representación de la belleza femenina desde esta Venus?
·
¿Qué
artistas modernos o contemporáneos han reinterpretado esta obra?
5. Sobre contexto histórico:
·
¿Cómo
refleja esta pintura los valores humanistas del Renacimiento?
·
¿Qué
nos dice sobre la relación entre arte y poder en la Florencia de los Médici?
·
¿Por
qué crees que se recuperó el interés por esta obra en el siglo XIX?
ACTIVIDAD 4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un mapa conceptual, observa el
video de:
“APRENDE A PINTAR CON PINCEL Y ESPATULA”,
https://www.youtube.com/watch?v=JIe9BTTY68M
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de teoría del
color:
Teoría del color:
la figura humana fija:
el art pop:
Saber hacer (competencia
propositiva)
|
|
competencia: Competencia creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o
crear nuevas y significativas realidades artísticas. competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón
prensado elaborar trabajos creativos con la técnica del lápiz 6b, de
dibujo de un paisaje, bodegón, caricaturas.
Figura humana
fija:
CARICATURAS:
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
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DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Explica
y amplia, la conceptualización de la teoría del color, la figura humana fija, el art pop, desarrollando un conjunto
de habilidades cognitivas,
técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
ALTO |
Desarrolla la
conceptualización de la teoría del color, la figura humana fija, el art pop, desarrollando un conjunto
de habilidades cognitivas,
técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BASICO |
Reconoce la conceptualización de la teoría del color,
la figura humana fija, el art pop, desarrollando
un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BAJO |
Se le dificulta
valorar la conceptualización de la teoría del color,
la figura humana fija, el art pop, desarrollando
un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Aplica y propone, en ejercicios
prácticos, con un dominio avanzado de
la teoría del color, la figura humana
fija, el art pop, con elementos innovadores que van más allá de la
representación en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en ejercicios prácticos, la
teoría del color, la figura humana
fija, el art pop, con elementos innovadores que van más allá de la
representación en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios
prácticos, la teoría del color, la figura humana fija, el art pop, elementos innovadores que
van más allá de la representación en el arte. |
|
BAJO |
Se
le dificulta practicar
en su cuaderno y realizar ejercicios, en base a la
teoría del color, la figura humana
fija, el art pop, con elementos innovadores que van más allá de la
representación en el arte. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Domina e innova, en nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana fija, el art pop,, desarrollando su
creatividad en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana fija, el art pop, desarrollando su
creatividad en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica, en nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana fija, el art pop, desarrollando su
creatividad en el arte. |
|
BAJO |
Se
le dificulta crear nuevas obras de
arte, con base los al dominio de la
teoría del color, la figura humana
fija, el art pop, desarrollando su creatividad en el arte. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Teoría
del color
2. https://concepto.de/teoria-del-color/
3. Concepto
de la figura human
https://www.ttamayo.com/2020/01/dibujar-la-figura-humana/
4. Concepto
art pop
https://www.composition.gallery/ES/glosario/qu-es-el-arte-pop/
|
RECURSOS,
FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE EVALUACIÓN |
|
RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las
competencias asociadas a la educación artística son habilidades,
conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que
deben tener unos dominios específicos. en este sentido, el conjunto de
conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son
responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres
competencias de cuyo desarrollo se ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos
inherentes a las prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en
el ambiente característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es
pertinente hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han
denominado “cognición situada” Por
otra parte, es necesario aclarar que las tres competencias específicas se
abstraen aquí como ámbitos separados únicamente para efectos de su abordaje
conceptual y pedagógico. se supone que de hecho están presentes e integradas
y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante, incluso en
el examen de un mismo producto o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe
aclararse que en este documento orientaciones pedagógicas para la educación
artística en básica y media se requiere analizarlas por separado, aunque en
el acto de enseñanza aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y
compleja. a continuación, se presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO
CORPORAL Autocuidado Lenguaje
corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La
evaluación la evaluación constituye una actividad mediante la cual los
maestros tienen la oportunidad de monitorear los procesos de enseñanza y de
aprendizaje de sus educandos, en la búsqueda de afianzar, mejorar,
consolidar, valorar y complementar los aprendizajes de éstos. Al
respecto es conveniente recordar los rasgos fundamentales que caracterizan a
la evaluación con enfoque formativo (en los niveles de educación básica y
media) en el aula, tanto en el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas.
• se centra en la forma como el estudiante aprende,
sin descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta rúbrica,
evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La autoevaluación permite a los
estudiantes evaluar su propio trabajo. la coevaluación les permite evaluar
el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje:
Indicadores:
·
Innovación: Uso
de enfoques creativos y soluciones originales en la composición y el estilo. ·
Expresión personal: Desarrollo
de un estilo propio que refleje la personalidad y visión del estudiante. ·
Experimentación: Exploración
de técnicas, materiales y conceptos nuevos. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER A.
TEORÍA DEL COLOR
Criterios: 1.
Aplicación técnica: o
Uso
correcto de colores primarios, secundarios y complementarios. o
Manejo
de saturación y contraste (típico del Art Pop). o  2.
Simbolismo: o
Justificación
de la paleta cromática en relación con el mensaje de la obra. 3.
Creatividad: o
Experimentación
con mezclas no convencionales (ej: tonos neón). Indicadores: ·
¿Los
colores elegidos reflejan una intención comunicativa? ·
¿Hay
armonía o disonancia intencional? B.
FIGURA HUMANA FIJA
 Criterios: 1.
Proporción y estilo: o
Uso
de deformaciones expresivas (ej: líneas gruesas, puntos Ben-Day). 2.
Originalidad: o
Interpretación
personal (no copia literal). 3.
Técnica: o
Precisión
en trazos o manejo de herramientas (pincel, plantillas). o  Indicadores: ·
¿La
figura humana sigue cánones clásicos o los subvierte? ·
¿La
obra refleja influencia del Art Pop? C.
MOVIMIENTO ART POP
Criterios: 1.
Contextualización: o
Identificación
de características del Art Pop en la obra (ej: repetición, íconos populares). 2.
Mensaje crítico: o
Reflexión
sobre consumo, fama o cultura masiva. o  3.
Técnica pictórica: o
Uso
de serigrafía, collage o pintura plana. Indicadores: ·
¿La
obra critica o celebra la cultura popular? ·
¿Se
reconocen referentes como Warhol o Lichtenstein? 2. RECURSOS DE EVALUACIÓN
A. INSTRUMENTOS CUALITIVOS
 1.
Rúbricas: o
Tablas
con criterios específicos (ej: "Nivel alto: Uso innovador del
color; Nivel bajo: Paleta básica sin intención"). 2.
Portafolios digitales: o
Plataformas
como Google Sites o Padlet para subir: § Bocetos. § Obras finales. § Reflexiones escritas. 3.
Diarios de proceso: o
Registro
de ideas, pruebas de color y autoevaluaciones. B.
HERRAMIENTAS PRÁCTICAS
1.
Ejercicios de autoevaluación: o
Preguntas
guía: § "¿Qué aprendí sobre la psicología
del color?" CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SABER A.
TEORÍA DEL COLOR
Indicadores: ·
Precisión
en mezclas cromáticas ·  ·
Aplicación
intencional de paletas pop (saturadas/planas) ✅ Fundamentación conceptual
(30%): ·
Explicación
escrita de simbolismos del color en su obra ·
Comparación
con referentes pop (Warhol, Lichtenstein) ✅ Creatividad (30%): ·
Innovación
en propuestas cromáticas ·
Uso
no convencional de materiales B.
FIGURA HUMANA FIJA
 Indicadores: ·
Transformación
clásica→pop verificable ·
Uso
de recursos pop (líneas negras, puntos Ben-Day) ✅ Mensaje (30%): ·
Reflexión
sobre despersonalización en cultura masiva ·
Crítica
social implícita/explicita ✅ Técnica (20%): ·
Calidad
de trazo y manejo de herramientas C. MOVIMIENTO ART POP
 Indicadores: ·
Identificación
de 3 características pop en su obra ·
Influencia
reconocible de artistas clave ✅ Técnica pictórica (30%): ·
Dominio
de serigrafía low-cost o estampado ·  ·
Calidad
de reproducción mecánica ✅ Originalidad (30%): ·
Reinterpretación
personal de íconos pop ·
Ironía/crítica
en el mensaje 2. RECURSOS DE EVALUACIÓN
A. INSTRUMENTOS
📌 Rúbricas analíticas: ·
Escalas
de 1-5 por criterio (ej: "Nivel 5: Paleta cromática con
simbolismo claro") 📌 Portafolios digitales: ·
Plataformas:
Google Sites o Padlet ·
Contenido: ·  o
Fotografías
de procesos o
Videos
time-lapse de creación o
Análisis
escritos (500 palabras) 📌 Coevaluación guiada: ·
Fichas
con preguntas estructuradas: CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER HACER 1. CRITERIOS DE EVALUACIÓN
A. TEORÍA DEL COLOR
 Indicadores de desempeño: ·
Precisión
en mezclas cromáticas ·
Aplicación
intencional de paletas (análogas, complementarias, triadas) ·
Uso
innovador de soportes (madera, tela, digital) ✅ Fundamentación conceptual
(30%): ·
Explicación
escrita del simbolismo cromático ·  ·
Relación
con referentes históricos (Kandinsky, Albers) y pop (Warhol) ✅ Creatividad (30%): ·
Experimentación
con técnicas no convencionales (veladuras, dripping) ·
Propuestas
cromáticas arriesgadas B.
FIGURA HUMANA FIJA
 Indicadores de desempeño: ·
Transformación
clásica → contemporáneo verificable ·
Uso
de recursos pop (líneas negras, puntos Ben-Day) ✅ Mensaje (30%): ·
Reflexión
sobre identidad/cuerpo en la era digital ·
Crítica
social implícita o explícita ✅ Técnica (20%): ·
Calidad
de trazo (carboncillo, tinta) ·
Manejo
de escalas y perspectivas C.
ARTE POP
 Indicadores de desempeño: ·
Identificación
de 3+ características pop en la obra ·
Influencia
reconocible de artistas clave ✅ Técnica pictórica (30%): ·
Dominio
de serigrafía low-cost o estampado ·
Calidad
de reproducción mecánica ✅ Originalidad (30%): ·
Reinterpretación
personal de íconos ·
Ironía/crítica
en el mensaje ·  2. RECURSOS DE EVALUACIÓN
A.
INSTRUMENTOS
📌 Rúbricas analíticas: ·
Escala
de 1-5 por criterio (ej: "Nivel 5: Uso magistral del contraste
simultáneo") 📌 Portafolios digitales: ·
Plataformas:
Google Sites o Behance ·
Contenido
obligatorio: o
5
fotos de proceso (time-lapse opcional) o
Análisis
escrito (500 palabras) o
Autorreflexión
en audio (2 min) o  📌 Coevaluación
estructurada: ·
Fichas
con preguntas guía: B.
HERRAMIENTAS TIC
🖥️ Apps de análisis: ·
Adobe Color: Extracción de paletas de obras
famosas ·
PicsArt: Edición pop de fotografías
propias ·  📱 Documentación
interactiva: ·
Flipgrid: Autoevaluaciones en video ·
Genially: Infografías animadas del proceso
creativo C.
MATERIALES PARA EVALUACIÓN PRÁCTICA
🎨 Kit básico evaluado: ·
Acrílicos
primarios + blanco titanio/negro marfil ·
Pinceles
planos (nº 6, 10, 14) ·
Plantillas
de puntos Ben-Day (descargables en PDF) 🖨️ Alternativas económicas: ·
Serigrafía
con malla mosquitero y espátulas ·
Estampado
con sellos de goma caseros |
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo enseñado
de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA NACIONAL |
ESCALA CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS |
|
DESEMPEÑOS |
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo que
hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes
actividades en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con
experiencias vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO |
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS
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