INSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO LECTIVO 2022
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
Segundo periodo
Pintura
GRADO decimo
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
DECIMO |
GUIA No. 2 |
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DOCENTE |
CORREO ELECTRONICO |
NUMERO DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL
DESCANCE (MAESTRO EN ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA INICIAL |
FECHA FINAL |
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PERIODO: 2 |
ABRIL11 DE 2022 |
JUNIO 17 DE 2022 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
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ACTITUDINAL
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PRIMER PERIODO |
EXPRECION PLASTICA |
Teoría del
color |
Teoría del color. Técnicas de la
pintura. Fondo. Formas. Volumen. Concepto de arte
moderno. |
Competencia cognitiva Competencia técnica |
Reconoce
las normas de la tipología de los colores en el círculo cromático. |
Utiliza
las normas de la tipología de los colores en sus ejercicios prácticos de
creación artística. |
Disfruta
realizando ejercicios plásticos con colores, teniendo en cuenta las
orientaciones dadas por el docente. |
¿QUE VOY APRENDER ¿
CONOCIMIENTOS PREVIOS
Teoría del color: ¿Qué es el color?
Según la Real Academia de la Lengua Española, en su
primera definición, el color es una» Sensación producida por los rayos luminosos que impresionan
los órganos visuales y que depende de la longitud de onda».
El mundo es incoloro. Se podría decir que todo el color que vemos no existe. Es
una percepción. Los objetos
poseen la característica de absorber determinadas partes del espectro lumínico.
La luz que no es absorbida se remite y transmite diferentes estímulos de
color al de la ambientación general. Al llegar estos estímulos hasta el órgano
de la vista, nos produce una sensación de color.
¿Por
qué dos colores, uno al lado del otro, producen música? ¿Puede alguien explicar
eso? No. De la misma manera en que uno nunca puede aprender a pintar en
realidad.
(Pablo
Picasso)
Se considera que el color se genera de la
descomposición de la luz blanca proveniente del sol, o de un foco o fuente
luminosa artificial. La apariencia de esos colores siempre es visual, y variará
dependiendo del tipo de rayos luminosos, su intensidad o el modo en que son
reflejados.
La luz blanca está formada por tres colores básicos:
rojo, verde y azul. Este fenómeno fue descubierto por Issac Newton al hacer pasar un rayo de luz blanca por medio de
un prisma de cristal, este haz de luz se dividió en un espectro de colores
idéntico al del arco iris.
¿Cómo aparecen los colores?
Los
colores aparecen a partir de lo que se conocer como los tres colores primarios.
¿Qué son los colores primarios?
El ojo cuenta con tres tipos de células visuales, que
rigen tres tipos diferentes de sensaciones, correspondientes a los colores primarios (azul,
verde y rojo). A partir de ellos se forma para cada sensación de color un
código de tres partes.
Estos colores no surgen de la mezcla de ningún
color, por eso son colores primarios.
¿Qué son los colores secundarios?
Los colores
secundarios son aquellos
que se forman de la mezcla, por partes iguales, de dos primarios (es
decir: de la mezcla del azul y el amarillo surge el verde, del rojo y amarillo,
el naranja y del rojo y azul, el violeta). Por su parte, los colores terciarios se
forman con la mezcla, por partes iguales, de un color primario con uno
secundario adyacente. Así, de esta combinación resulta el rojo violáceo, rojo
anaranjado, amarillo anaranjado, amarillo verdoso, azul verdoso y azul
violáceo.
Colores primarios y el círculo cromático
✓ Psicología del color
Dentro de la teoría del color podemos
hablar sobre la psicología del
color, de la que existen
diferentes teorías. Algunas de ellas se contradicen entre sí, ya que,
dependiendo de nuestra cultura, el
color nos puede transmitir sensaciones completamente diferentes.
Dependiendo de nuestra experiencia personal y del lugar
en que vivimos, los colores y los elementos que nos rodean, nos pueden
transmitir sensaciones, gustos o estados de ánimo.
Por esta razón cuando elegimos colores para nuestros
diseños, material comercial o negocios es bueno tener claro qué puede
transmitir ese color, en ese lugar y a la gente que esté en él.
✓ El
significado de los colores
¿Por qué tienen significado los colores?}
Antes de hablar del significado de los colores debemos
conocer algunas de las características de éstos, tales como el tono, la saturación y la brillantez.
·
¿Qué es el tono de un color?
El tono es el color en sí mismo, es la cualidad que
define la mezcla de un color con el blanco o con el negro. Así podemos decir
que existen tonos cálidos o tonos fríos. Los cálidos son aquellos tales como el rojo, el
amarillo y los naranjas, mientras que los fríos son el azul y el verde. El
verde si tiene más cyan que amarillo, tendría una tendencia a ser frío, y
si tiene más amarillo parecería ser más cálido. Por eso es importante saber
manejar los tonos.
·
¿Qué es la saturación de un color?
La saturación constituye
la pureza del color respecto al gris, y depende de la cantidad de blanco que
presente. Cuanto más saturado está un color, más puro es y menos mezcla de gris
posee.
·
¿Qué es la brillantez de un color?
La brillantez o brillo de un color es la
relación existente entre la intensidad del estímulo luminoso – también conocida
como luminancia – y la sensación percibida, conocida como brillantez. Para un
color de un matiz y saturación determinados, en la misma medida que la
luminosidad alcanza el ojo aumentará la brillantez.
Desde tiempos antiguos grandes artistas incluyeron dentro
de sus técnicas, la armonización del color, la cual consiste en pintar con una tendencia de color
determinada. Esta técnica que utilizaron grandes artistas (Rubens, Velázquez y
muchos más) se utilizan en la actualidad tanto en pintura como en diseño para
la captación de público determinado.
¿Qué significado tienen los colores?
Color blanco: Implica
inocencia y pureza, nos ayuda en momentos de estrés, a seguir adelante.
Significa igualdad y unidad. Contiene todos los colores del espectro y
representa lo positivo y lo negativo de cada uno de ellos.
Color negro: El
color negro es útil para transmitir elegancia, nobleza, sofisticación, o tal
vez un toque de misterio. Es autoritario y puede evocar emociones fuertes. Al
contrario que el blanco es la ausencia total de luz.
Color gris: El
gris es un color que está en el medio entre el blanco y el negro, es muy idóneo
para la neutralidad. No carga visualmente y utilizado la la justa medida puede
transmitir elegancia y lujo. Al ser un color tan neutral no tenemos que abusar
de él, o corremos el riesgo de generar tristeza y melancolía, como un día de
lluvia.
Color amarillo: Está
relacionado con la inteligencia, fomenta la creatividad, es un color de los más
luminosos y cálidos. En diseño se utiliza para atraer la atención.
Color rojo: Es un
color muy intenso, apasionante. Usado frecuentemente por los diseñadores para
llamar la atención sobre un elemento en particular. Debe usarse de manera
lógica, pues su intensidad y excitación puede cansar.
Color naranja: Color
cálido, activo y dinámico, que actúa como estimulante de los tímidos y tristes.
Posee fuerza activa, radiante y expansiva. Es muy útil en pequeñas dosis ya que
en grandes extensiones es atrevido y agresivo.
Color azul: El
color frío por excelencia. Simboliza la frescura, la calma y el reposo, se le
asocia con la inteligencia y las emociones profundas, con la amistad, la
fidelidad, la serenidad… Si es muy claro denota optimismo y pureza.
Color violeta: Es
el color del misterio, de la lucidez y reflexión. Tiene que ver con lo
espiritual y emocional. Es un color que bien utilizado es elegante.
Color verde: Evoca
lo relacionado con la naturaleza y la vegetación, lo fresco y lo sedante. Es el
color calmado, incita al equilibrio por lo cual es el más tranquilo y sedante.
Color marrón: Es
el color del otoño, da la impresión de equilibrio. Es confortable y masculino.
Representa el color de la tierra.
Técnicas de pintura: acrílica, óleo, acuarela, pastel…
Conocer las distintas técnicas de pintura a
tu alance es fundamental a la hora de aprender
a pintar.
En el curso
de pintura de
Salir con Arte, así como en nuestros eventos, utilizamos pintura
acrílica, ya que por sus características es la más idónea para
aquellas personas que están empezando en esto del arte.
Sin embargo,
existen otras muchas técnicas de pintura que queremos que tengas en cuenta para
cuando vayas avanzando. Quizás no encuentres tu técnica de pintura perfecta a
la primera, pero si dispones de toda la información que necesitas acerca de
cada manera de pintar, seguro que te resultará más sencillo mejorar como
artista.
Antes de comenzar tienes que saber que lo que diferencia
a un tipo de pintura de otro es la manera en la que se disuelve y fija el
pigmento de color. Dependiendo del material disolvente y
aglutinante, tenemos distintos tipos de pintura que tienen
cualidades diversas. No hay técnicas de pintura peores que otras, simplemente,
cada una de ellas nos ofrece unos resultados distintos a la hora de
aprender cómo
hacer colores y
a aplicarlos, con unos aspectos a favor y otros en contra.
¿Cuáles son las técnicas de pintura que puedo utilizar?
Pintura acrílica
En la pintura acrílica los
pigmentos se mezclan con una sustancia plástica llamada polímero de acrílico.
Aunque las pinturas acrílicas se disuelven con agua, una vez secas son
resistentes a ella. Este tipo de pintura, surgido en la primera mitad del siglo
XX, seca muy rápido, cambiando ligeramente su tonalidad cuando se fija
definitivamente.
Como decíamos, la pintura acrílica resulta
perfecta para aprender a pintar un cuadro. ¿Por qué? Básicamente por tres
razones:
·
- Seca muy rápido, con lo que
podremos «repintar» por encima en unos pocos minutos en caso de cometer
errores.
- Es bastante económica y no
requiere de materiales extras.
- Se disuelve con agua. Es fácil de
manipular y mezcla
Pintura al óleo
La pintura
al óleo disuelve
sus pigmentos en aceites vegetales. La principal
particularidad del óleo respecto a otras técnicas de pintura es que tarda
mucho en secar. Esto hace que sea genial para realizar mezclas y
trabajar colores, pero puede alargar muchísimo el proceso.
Este tipo de pintura tiene muchas posibilidades, por eso
es la más utilizada por profesionales del arte. Existen diferentes métodos
y técnicas para pintar al óleo:
- Pintura
por capas vs. pintura directa o húmedo sobre húmedo. La pintura
por capas consiste en crear primero capas delgadas y luego
ir engrosándolas, esperando a que la pintura se seque cada vez. La pintura
directa, por su parte, permite terminar el cuadro en una sola
sesión ya que añade pintura capa sobre capa sin esperar a que sequen. Para
usar esta técnica de pintura al óleo es necesario tener mucha experiencia.
Grandes pintores impresionistas como Van Gogh y Monet la utilizaron en sus
obras.
La noche estrellada de Vincent Van Gogh
- Técnicas
ópticas como las veladuras o
el scumbling son muy utilizas
para pintar al óleo. Para crear una veladura, hay que aplicar una capa
delgada de color semitransparente sobre otro opaco y más claro, siempre
trabajando sobre capas secas. El color se va formando a través de la
superposición de estas capas, por lo que el pintor tiene que tener cierta
experiencia y conocer cómo van a comportarse los pigmentos. El scumbling
o restregado consiste en aplicar una pequeña cantidad de
óleo sobre una capa de pintura seca sin usar diluyente y con el pincel
seco para, a continuación, frotar con un papel el pincel para quitar el
exceso de pintura. Después se aplica suavemente para crear efectos como
nubes, lluvia u objetos rugosos.
«Le Bandeau Rouge», de Francois Martin Kavel
- Técnicas de textura. La más conocida es
el impasto, que aplica cantidades generosas de pintura seca en el
cuadro usando un pincel o espátula. Otra técnica de textura es el frotado,
en la que se restriega un papel por el cuadro para crear efectos muy
interesantes.
Cuadro del pintor Leonid Afrémov
Acuarela
La acuarela fija los pigmentos en goma arábiga,
un material extraído de las acacias. se disuelve en agua, y su composición la
hace perfecta para adherirse al papel. La acuarela construye colores
claros, poco saturados, ya que los pigmentos están muy triturados y
diluidos.
Acuarela de Stephen Guiller
Gouache
El gouache es una técnica de pintura similar a la acuarela,
también diluida en agua, solo que es menos transparente que
esta porque los fragmentos de los pigmentos son más grandes. otra diferencia es
que incluyen pigmento blanco, lo que convierte los colores en más
opacos y sólidos.
Aerografía
La aerografía emplea pintura acrílica en aerosol o
esmaltes. Cuando no se emplean difusores, sino que simplemente se deja
caer la pintura, hablamos de dripping.
Pastel
En la pintura
pastel,
los pigmentos de polvo se mezclan con resinas, formándose una
pasta seca a la que se le da la forma de un Crayon o cera. De
todas las técnicas de pintura esta es la que peor se adhiere, aunque el efecto
que deja es muy opaco. Se puede utilizar pintando directamente con una barra de
pastel o emplear el polvo que suelta la barra al utilizarla (similar a la tiza)
para aplicar color.
«Mujer en la mesa», cuadro realizado mediante la técnica
pictórica del gouache por Martí Ceballos
Temple al huevo
Aunque parezca mentira, hoy en día se sigue utilizando
la yema de huevo como aglutinante de pigmentos.
Junto al agua y el aceite, este alimento consigue fijar los pigmentos, habiendo
sobrevivido esta técnica de pintura milenaria hasta nuestros días. Un ejemplo
de obra de arte pintada con la técnica de temple
al huevo es El
nacimiento de Venus de Sandro Botticelli.
Tinta china
La tinta china es, en la mayoría de casos, líquida, aunque a veces se
comercializa en forma de polvo que hay que mezclar con agua. Se suele trabajar
con colores negros y sepia, y se aplican con una
pluma. La tinta china se emplea para realizar dibujos o caligrafía.
Pintura con tinta china (autor desconocido)
Técnica mixta
La técnica
mixta es aquella que emplea
en una misma obra dos o más de los tipos de pintura mencionados
anteriormente. Por ejemplo, cuando se utilizan acuarelas y lápiz en una misma
obra, o pintura acrílica y pastel…
«Abundancia» (técnica mixta sobre lienzo de Juliana Alderisi)
Que Es El Fondo En El Arte?
En el arte En
una obra artística, el fondo es lo que domina toda la
superficie y sobre el que se destacan los detalles. La Psicología de la Gestalt
o de la forma, elaboró leyes sobre la percepción, una de las cuáles afirma que
el sujeto no puede percibir al mismo tiempo una imagen como figura y como fondo.
Fondo: Todo aquello que no es figura. Es la parte del campo que
contiene elementos interrelacionados que no son centro de atención. El fondo
sostiene y enmarca a la figura y por su contraste menor tiende a no ser
percibido o a ser omitido.
¿Qué es la
figura y el fondo?
Llamamos figura a
la parte de la imagen o del campo visual en que centramos la atención. La parte
restante, su complemento, es el fondo (1). La distinción entre
figura y fondo es importante en pintura.
¿Qué es el
Fondo y forma en el arte?
Frente a un mismo
fondo, la forma realiza la diferencia en nuestra percepción y nos permite
contemplar y descubrir realidades diferentes. En la forma está la clave de la
belleza, la amabilidad, la compasión, la estética, la elegancia, el
apasionamiento, la movilización.
¿Cuál es el
fondo de un dibujo?
Normalmente en un
dibujo se puede distinguir fácilmente la figura del fondo. La figura (o
figuras) es el elemento principal, un objeto, persona o animal protagonista. El
fondo es el contexto, el lugar en el que se encuentra la figura.
¿Cuál es el
concepto de fondo?
Del latín fundus,
el fondo es la parte inferior de algo hueco. Por ejemplo: “Los botones están en
el fondo del frasco y no llego a agarrarlos”, “Se rajó el fondo de la jarra y
comenzó a salir el líquido”.
¿Qué es la
figura y fondo en Gestalt?
Esquemas de los
principios de simetría, cierre y contraste de la Gestalt. Ley de figura –
fondo: Nuestro cerebro tiende a separar el fondo de los demás elementos
importantes, pero se basa en la premisa que no existe figura sin un fondo que
la sustente. También se conoce como principio de destino común.
¿Cómo se
relacionan en el arte pictórico la figura y el fondo?
La relación entre
las cualidades visuales de los objetos y las de aquello que los rodean es lo
que en Plástica se denomina “relación figura – fondo “. La figura y el fondo y
sus relaciones son una presencia importante desde el punto de vista visual y
expresivo en las imágenes.
¿Qué
diferencia hay entre fondo y forma?
La diferencia es
que el fondo es lo que esta adentro de una figura, y la forma es el molde de
algo, figura, imagen, etc.
¿Cuál es la
importancia de la forma en el arte?
Respuesta. Forma
artística es la forma en que se organizan los elementos que constituyen una
obra de arte, las “cualidades formales” de esta. El establecimiento de una
correspondencia (o en su caso un contraste u oposición) entre forma y fondo (o
forma y contenido, o forma e idea) es un punto crucial en el análisis.
La definición de la forma en el arte
El término forma puede significar varias cosas diferentes en el arte. Forma es
uno de los siete elementos del arte y connota un objeto tridimensional en el
espacio. Un análisis formal de una obra de arte se describe
cómo los elementos y principios de la obra, junto con independencia de su
significado y los sentimientos o pensamientos que pueden evocar en el
espectador. Por último, forma también se utiliza para describir la
naturaleza física de la obra, como en una escultura de metal, una pintura al
óleo, etc.
Cuando se utiliza en tándem con la palabra arte como
en forma de arte, también puede significar un medio de expresión
artística reconocida como obras de arte o un medio no convencional hecho tan
bien, diestramente, o creativamente como para elevarlo al nivel de un arte.
Un elemento del arte
La forma es uno
de los siete elementos del arte que son las herramientas visuales que un
artista utiliza para componer una obra de arte. Además, a la forma, que
incluyen la línea, forma ,
valor, color, textura ,
y espacio . Como
un elemento del arte, forma connota algo que es
tridimensional y encierra el volumen, que tiene una longitud, anchura y altura,
frente a la forma , que es de dos dimensiones, o
plana. Una forma es una forma en tres dimensiones, y, como formas, puede
ser geométrico u orgánico.
Las formas geométricas son formas que son matemática, preciso, y se pueden
nombrar, como en las formas geométricas básicas: esfera, cubo, pirámide, cono,
y el cilindro. Un círculo se convierte en una esfera en tres dimensiones,
un cuadrado se convierte en un cubo, un triángulo se convierte en una pirámide
o cono.
formas geométricas se encuentran más frecuentemente en la
arquitectura y el entorno construido, aunque también se puede encontrar en las
esferas de los planetas y las burbujas, y en el patrón cristalino de copos de
nieve, por ejemplo.
Las formas orgánicas son aquellas que son de flujo libre, con curvas y
fibroso, y no son simétricos o fácilmente medible o nombrado. Que ocurren
con mayor frecuencia en la naturaleza, como en las formas de las flores, ramas,
hojas, charcos, nubes, animales, la figura humana, etc., pero también se pueden
encontrar en los edificios llamativos y extravagantes del arquitecto
español Antoni Gaudí (1852 -1926), así como en muchas esculturas.
Forma de dibujo y pintura
En el dibujo y la pintura, la ilusión de la forma
tridimensional se transporta a través de la utilización de iluminación y sombras , y la prestación de valor y el tono . La forma se define por el contorno exterior
de un objeto, que es la forma en que percibimos primero y comenzamos a hacer
sentido de ella, pero la luz, el valor y ayuda sombra para dar una forma de
objeto y el contexto en el espacio de manera que podemos identificar plenamente
.
Por ejemplo, suponiendo una única fuente de luz en una
esfera, lo más destacado es donde la fuente de luz golpea
directamente; el tono medio es el valor central de la esfera donde la luz no
golpea directamente; la sombra del núcleo es la zona en la esfera de que
la luz no pegue en absoluto y es la parte más oscura de la esfera; la
sombra proyectada es la zona en que rodea las superficies que se bloquea de la
luz por el objeto; destacado reflejada es luz que se refleja de vuelta
hacia arriba sobre el objeto de los objetos y las superficies
circundantes. Con estas pautas en cuanto a la luz y la sombra en mente,
cualquier forma sencilla se puede dibujar o pintar para crear la ilusión de una
forma tridimensional.
Cuanto mayor sea el contraste en el valor, más
pronunciado será el forma tridimensional se convierte. Formas que se
representan con poca variación en el valor aparecen más planas que las que se
representa con mayor variación y contraste.
Históricamente,
la pintura ha pasado de una representación plana de la forma y el espacio para
una representación tridimensional de la forma y el espacio, a la
abstracción. Pintura egipcia era plana, con la forma humana se presenta
frontalmente, pero con la cabeza y los pies de perfil. La ilusión realista
de la forma no se produjo hasta el Renacimiento junto con el descubrimiento de
la perspectiva. Artistas barrocos como Caravaggio (1571-1610), exploran la
naturaleza del espacio, la luz y la experiencia en tres dimensiones del espacio
aún más mediante el uso de claroscuro, El fuerte contraste entre la luz y la
oscuridad. La representación de la figura humana se hizo mucho más
dinámico, con el claroscuro y el escorzo dando las formas una sensación de
solidez y peso y la creación de un poderoso sentido del drama. Modernismo
liberó a los artistas para jugar con la forma más abstracta. Artistas como
Picasso, con la invención del cubismo ,
se separaron forma implicar movimiento a través del espacio y el tiempo.
4. VOLUMEN EN UNA OBRA DE ARTE
Volumen (Artes
Visuales). Elemento del lenguaje visual,
presente en la variedad de manifestaciones de las Artes Visuales.
El volumen de los cuerpos es el resultado de sus tres dimensiones: ancho, alto
y profundidad. En escultura, se le llama volumen a una estructura formal
tridimensional, así como también volumen a las partes componentes del todo
escultórico, cuando éstas tiene el carácter de masas. En pintura, el volumen es la sugerencia de peso y masa lograda por
medios estrictamente pictóricos que reflejan características tridimensionales.
En arquitectura es el conjunto exterior de un edificio, que
encierra el espacio interior. Las obras de materiales sólidos presentan un
volumen real en sus formas de tres dimensiones. Aparecen otras que son
bidimensionales, planas como el dibujo, la pintura y el grabado, que se presentan ante el espectador estructuradas de
tal manera que crean la ilusión de volumen en un espacio, al que se le llama
volumen virtual o figurado.
En la historia
A través de todo
el desarrollo de la historia de las Artes Visuales, los artistas han sentido la
necesidad, en un momento de la historia del hombre, de representar la naturaleza tal y como se le ve, a
través de una imitación de la perspectiva atmosférica, y en otras sintió que
debía respetar la planimetría de su cuadro y no crear la ilusión de
profundidad.
Tradicionalmente
ha sido la perspectiva (Arte que consiste en representar los
objetos sobre una superficie como ellos aparecen ante nuestra vista.
Organización del espacio de una superficie, en que las líneas paralelas
convergen en un punto y en forma perpendicular a la línea de horizonte.
Fenómeno visual en que se percibe las formas, perdiendo su tamaño y se achican
los intervalos entre ellas a medida que se alejan del espectador) desarrollada
en el renacimiento, la técnica que ha permitido estos fenómenos
ilusionistas de recreación de espacios, pero con los avances de las formas de
expresión en todos los órdenes, en nuestra época se considera que la
perspectiva tiene todo una serie de limitaciones mecánicas y que existen otros
medios no tan académicos para la creación de ciertas ilusiones de espacio, a
estos recursos se les ha llamado indicadores de espacios.
Obras bidimensionales o
planimétricas
El combate. Carlos Enríquez
En primer lugar
donde quiera que se planteen diferencias violentas entre unas figuras y otras
se va a producir una cierta sensación de espacio. Estas diferencias o contrastes pueden
ser de tamaño, entre configuradores que pueden ser de valores tonales, de colores o de texturas siempre
el grado mayor de contraste entre figura y fondo determinará la proximidad;
también la diferencia entre los detalles, la nitidez de sus contornos puede
actuar en la creación de próximo-lejano.
Colores
Dentro de estos
contrastes ocupa un lugar muy importante la diferencia que producen los colores
cálidos frente a los fríos. Los colores cálidos parecen aproximarse
al espectador mientras que los fríos tienden a alejarse.
Posición en el espacio
Café, de Cándido Portinari.
Otro aspecto que
determina una cierta ilusión de profundidad es la posición de determinadas
figuras en algunas partes de la obra. La simple ubicación de figuras en el
plano inferior de la obra, las hace lucir más cercanas que aquellas que estén
situadas en el plano superior. También cualquier tipo de superposición de
figuras en un plano crea, por la experiencia humana, una ilusión de espacio.
Obras tridimensionales
Frente a obras
con volúmenes reales, el análisis debe cambiar, ya que la manifestación no se
desarrolla sobre un plano sino sobre múltiples planos; sus tres dimensiones
multiplican las posibilidades de visión. No solo debemos verla desde todos los
ángulos a su alrededor, sino que inclusive al cambiar el nivel de observación,
se modifican estas apariencias en nuevas formas, ya no es que veamos la obra de
frente o de perfil, sino que además ese frente o perfil puede ser visto desde muy
arriba o ligeramente encima de su centro o por abajo, o de cada uno de los
puntos de vistas posible.
En cada una de
estas posibilidades la figura se verá sobre un fondo cambiante, la relación
figura-fondo tendrá a los efectos la misma función, siempre será necesaria la
presencia de un fondo para percibir una figura. Es en esta relación
figura-fondo que el volumen real se nos presenta en toda su complejidad, pues
cada ángulo, cada punto de vista, cada nivel, cada plano, cada
distancia será una estructura figura-fondo diferente, pero dentro de una
continuidad temporal y espacial. Un factor importante en el análisis de los
volúmenes es la iluminación, ya que la misma puede cambiar la expresión de la
obra de acuerdo con el ángulo y la calidad de la fuente de luz que permite su
observación.
5. CONCEPTO DE ARTE MODERNO
DEFINICIÓN DEARTE
MODERNO
Arte, del latín ars, es un concepto
que hace mención a las creaciones humanas que reflejan la visión sensible del mundo real o imaginario.
La literatura, la pintura y el teatro son algunas de las disciplinas del arte, que en la
prehistoria tenía una función ritual y que, con el tiempo, mutó hacia lo
estético y el ocio.
Del latín modernus (“reciente”), moderno es
aquello perteneciente o relativo a una época reciente o al tiempo de quien habla. Lo habitual es que lo moderno se
considere en oposición a lo clásico.
La noción de arte moderno,
por lo tanto, refiere a la producción artística creada
desde finales del siglo XIX. Al igual que ocurre con la idea
de arte contemporáneo, la expresión puede estar vinculada a distintos tiempos
históricos.
Muchas son las figuras que podríamos destacar como
representantes del arte moderno. No obstante, entre las más significativas se
encuentran las siguientes:
• Pablo Picasso, el pintor malagueño destacó por ser uno de los padres del
Cubismo y ha legado obras tan importantes como “Las señoritas de Avignon”, “El
Guernica” o “El sueño”.
• Salvador Dalí. Este catalán destacó tanto en el campo de la pintura como de
la escultura e incluso en la Literatura. Entre sus trabajos más célebres habría
que resaltar el cuadro titulado “La persistencia de la memoria”.
• Claude Monet. Como creador del movimiento llamado Impresionismo es conocido
este pintor francés que realizó obras de gran calado y reconocimiento como “La
estación de Saint-Lazare”, “Los nenúfares” o “El parlamento de Londres durante
el ocaso”.
• Marcel Duchamp. Este artista francés, por su parte, ha pasado a la historia
como la gran inspiración del movimiento pop. Sin duda alguna, su trabajo más
conocido es el que lleva por título “La fuente”.
• Paul Cezanne. Dentro del postimpresionismo podemos decir que se enmarca a
este pintor francés del que destacan cuadros tales como “Los jugadores de
naipes”, “Las grandes bañistas” o “Bodegón con manzanas y naranjas”.
Para algunos expertos, arte moderno es lo opuesto al arte académico o tradicional. El arte
moderno, en este sentido, está relacionado a la vanguardia y a la experimentación. Otros especialistas asocian el
arte moderno a la Edad Contemporánea,
por lo que habría comenzado a mediados del siglo XVIII.
A nivel general puede decirse que el arte moderno es una
forma de considerar la estética y la función del arte, donde el valor principal
no es la representación literal y exacta de la naturaleza. Tras el desarrollo de la fotografía, que refleja la
realidad de manera precisa, los artistas modernos propusieron nuevos puntos de
vista sobre la naturaleza.
Dado el valor que tiene el arte moderno, muchos son los
museos y centros expositivos en todo el mundo que están especializados en él.
En concreto, entre los espacios de este tipo más significativos se encuentran
los siguientes: el MOMA de Nueva York, el Tate Modern de Londres o el Museo de
Arte Moderno (M.A.M) de Madrid.
El estadio histórico que le sigue al arte moderno es
el arte posmoderno, que para muchos surgió en la
década de 1970 en rechazo a la idea
de modernidad.
NOTA:
De la parte conceptual anterior realizar un resumen y una
infografía en Word con imágenes (Ejemplo).
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Actividad 1:
Video de la pintura: Como Pintar
Arte Moderno; Fácil y Rápido*
https://www.youtube.com/watch?v=I2vKLDC3q8I
Explicación ejercicios de los
elementos básicos de
la pintura como son la teoría del color, técnicas de pintura, fondo, formas,
volumen, el arte moderno:
Actividad 2:
Aplica
y maneja de la técnica de la pintura y los elementos básicos en ejercicios con
los materiales recomendados. (Anexo guía de actividades).
¿LO QUE APRENDI?
Actividad 3:
Crea obras de arte en base a la
técnica de la pintura con vinilos y los elementos básicos en ejercicios con los
materiales recomendados.
a. En un
octavo cartón paja, dibuja un rostro.
b. Aplica
la técnica de la pintura con vinilos a blanco y negro.
c. Ejemplos
de rostros con la técnica de vinilos a blanco y negro:
d. En un
octavo cartón paja, dibuja rostros.
e. Aplica
en un rostro a color, la técnica de la pintura y vinilos.
f.
Ejemplos de rostros a color con la
técnica de vinilos:
g. En un
octavo cartón paja, dibuja una caricatura.
h. Aplica
en una caricatura, la técnica de la pintura y vinilos.
i.
Ejemplos de caricaturas con la técnica de
vinilos:
j.
En un octavo cartón paja, dibuja un
rostro de arte moderno con el movimiento pictórico del cubismo.
k. Aplica
en un rostro de arte abstracto, la técnica de la pintura y vinilos.
l.
Ejemplos de rostros de arte moderno con
la técnica de vinilos:
Mi reflexión
Lo
que he aprendido en mis clases de PINTURA
Que la pintura se niega a morir es
comprobable en el trabajo de algunos jóvenes cuya imaginación, creatividad y
sensibilidad se han encargado de mantener vigente su potencial expresivo. Entre
ellos figura Luis Luna, un artista que estudió medicina, que se formó en
Alemania y que cuenta con una trayectoria que permite seguir un raciocinio
plástico profundo y personal.
El trabajo de Luna no prosigue por los rumbos tradicionales de la pintura.
Además de haberse liberado de toda intención representativa, no se acoge a los
cánones propios de la abstracción ni su intención se halla limitada a
consideraciones formales o estilísticas. Sus lienzos son vehículos para
expresar pensamientos no necesariamente artísticos sino más bien relacionados
con su actitud ante la vida, y por lo tanto en las asociaciones o evocaciones
que sugieren los colores, texturas, formas, luces y espacios juega un papel
fundamental la percepción del observador y su capacidad de emoción. Su pintura
es una modalidad de reflexión sobre la realidad, una manera de condensar su
visión del mundo y de transmitirla apelando a los sentidos. No es extraño que
el artista equipare su trabajo con la experiencia de viajar, con un proceso que
enriquece al autor y al receptor con descubrimientos sorprendentes.
Su exposición en la galería Diners está compuesta por collages en los cuales el
óleo constituye la base donde se sobreponen retazos, lacas, esmaltes y resinas.
Pero en la estructura de las obras interviene en gran medida el accidente, el
azar, el comportamiento de dichos materiales al acoplarse unos con otros,
evadiendo la práctica arraigada de una composición preconcebida. En la muestra
predominan el ocre, el rojo y el negro, colores cuyo simbolismo no es literal,
sino que tiene que ver con temperaturas, humedad o aridez, y aunque en algunas
áreas se presentan diluidos por la trementina pareciendo crear un espacio
ilusorio, esta apertura no le resta importancia a la superficie donde el
artista concentra sus propósitos. Un bastidor grueso enfatiza el carácter de
objeto de las obras, su planimetría, en contraposición con la idea de ventana,
y por ende de la perspectiva que generalmente impone la pintura.
NOTA:
Escribe
tu propia reflexión sobre lo que aprendiste en esta guía, tus ventajas y
desventajas en el dibujo artístico.
DESEMPEÑOS 2 PERIODO
DIBUJO ARTISTICO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma
óptima sabe la conceptualización de la pintura en las artes y sus elementos
básicos como son
la teoría del color, tipologías del
color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia
los conocimientos de la pintura como son la teoría del color, tipologías del color, fondo, formas, volumen,
concepto de arte moderno, en su
conceptualización. |
|
BASICO |
Reconoce
y asimila los elementos básicos de la pintura en artes. Identifica y
experimenta con el valor expresivo de, en su conceptualización. |
|
BAJO |
Se le dificulta utilizar los ejercicios de la
expresión de la pintura como
son la teoría del color, tipologías
del color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno,
en su conceptualización. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente resuelve ejercicios con los elementos básicos como
son la teoría del color, tipologías
del color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica ejercicios los elementos
básicos de la pintura como son la teoría del color, tipologías del color,
fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno, de la pintura en las artes. |
|
BASICO |
Aplica y practica con ejercicios
los elementos básicos de la
teoría del color, tipologías del
color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno. |
|
BAJO |
Se le dificulta utilizar los ejercicios de la
expresión de la pintura con vinilos, y no aplica correctamente los elementos
básicos de la pintura. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente crea una obra de arte en base con la técnica en la
pintura en las artes, para
transmitir una idea, generar una idea o representar un estado de ánimo,
expresando su sentir por medio de la creación artística, y emplearlas para
crear trabajos que comparte con sus compañeros, y en una exposición. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en una obra de arte los elementos básicos como
son la teoría del color, tipologías
del color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno, de la pintura en las artes. |
|
BASICO |
Aplica
y practica en una obra de arte los elementos básicos de la pintura en las
artes. Adapta
y experimenta el valor expresivo de la teoría del color, tipologías del color, fondo, formas, volumen,
concepto de arte moderno, y sus posibilidades tonales, en una obra de arte. |
|
BAJO |
Se le dificulta crear una obra de arte, con
expresión de la pintura con la técnica de vinilos, y no aplica correctamente
los elementos básicos de la pintura. |
1.
https://unayta.es/teoria-del-color/
2.
https://www.salirconarte.com/magazine/tecnicas-de-pintura/
3.
https://www.criaturadelarte.com/arte/que-es-el-fondo-en-el-arte.html
4.
https://www.greelane.com/es/humanidades/artes-visuales/definition-of-form-in-art-182437/
5.
https://www.ecured.cu/Volumen_(artes_visuales)
6.
https://definicion.de/arte-moderno/
RUBRICA DE EVALUACION
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc.Y lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS
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