NSTITUCION EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO LECTIVO 2022
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
Segundo periodo
Pintura
GRADO undécimo
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
UNDECIMO |
GUIA No. 2 |
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DOCENTE |
CORREO ELECTRONICO |
NUMERO DE
CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA INICIAL |
FECHA FINAL |
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PERIODO: 2 |
ABRIL11 DE 2022 |
JUNIO 17 DE 2022 |
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ESTRUCTURA CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE
GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS
TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES
DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL |
PROCEDIMENTAL |
ACTITUDINAL |
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PRIMER PERIODO |
EXPRECION PLASTICA |
Teoría del color |
Concepto
de Pintura. Tipologías del color. Composición.
Equilibrio. Concepto de arte abstracto |
Competencia cognitiva Competencia técnica |
Reconoce las normas de la tipología de los colores en
el círculo cromático, la composición, el equilibrio y el arte abstracto. |
Utiliza las normas de la tipología de los colores en
sus ejercicios prácticos de creación artística. |
Disfruta realizando ejercicios plásticos con colores,
teniendo en cuenta las orientaciones dadas por el docente. |
¿QUE VOY APRENDER ¿
CONOCIMIENTOS PREVIOS
Concepto
de pintura
Es
el arte de
representar, objetos reales o ficticios, o estados anímicos sobre una superficie, mediante líneas
y colores, según sea el arte figurativo o
abstracto. También puede significar cubrir con color ciertas superficies, como
por ejemplo, las paredes de una casa, usándose además, el término pintura, para
designar el material de color usado para pintar. La pintura al fresco es la que
se utiliza en estos casos, diluyéndose los colores en una combinación de agua y
cal. Los lugares destinados a enseñar pintura artística, se conocen como
escuelas o talleres de pintura.
Ejemplos:
"La pintura renacentista incorporó elementos humanos y de la vida cotidiana a las
figuras que se representaban en el lienzo, que en la Edad Media solo reflejaban
imágenes religiosas", "Estoy aprendiendo pintura en un taller de
arte" o "La pintura de mi casa está deteriorada, así que llamaré a un
pintor o yo mismo la repintaré".
La tabla, lienzo
o lámina donde se plasma dicho arte, recibe también el nombre de pintura.
Metafóricamente a las descripciones literarias se las denomina pinturas
realizadas con palabras.
Las
primeras pinturas, llamadas rupestres, datan de la prehistoria, del
período paleolítico superior.
Primero se pintaron manos o siluetas, para luego plasmar figuras de animales,
vinculándose especialmente con la caza, asignándosele a esas pinturas un
sentido mágico, confiriéndoles poder sobre las imágenes de los animales
representados.
Las
pinturas egipcias se caracterizaron por su colorido y sus formas precisas. En
Roma estuvo al servicio de la arquitectura. El arte medieval se caracterizó por
sus pinturas religiosas, que el Renacimiento del siglo
XV combinó con figuras humanas, haciendo poco a poco prevalecer estas últimas.
Los pintores florentinos utilizaron los colores, la luz y la sombra para
separar los objetos, siendo elementos independientes. Fue el veneciano Giovanni
Bellini (1430-1516) quien logró amalgamar el color y la luz. Se utilizaba la
pintura al temple, cuyo aglutinante era el huevo, que al ser sustituido por
aceite dio nacimiento a la pintura al óleo, que le otorgó mayor brillo. Las
pinturas al óleo usan como solvente la trementina y para fijar el pigmento,
aceite.
Otras técnicas para pintar: Cuando se usa pigmento, polvo y resina
para confeccionar barras, que sirven para pintar, esa pintura se llama al
pastel. En los casos de colores que se diluyen en agua se denomina acuarela,
que producen un efecto de transparencia. Para fijar el pigmento se utiliza
especialmente goma arábiga. En los casos que se usan materiales sintéticos
diluidos en agua, la técnica se llama acrílico.
TIPOLOGÍA DEL COLOR
Una de las divisiones de los colores más
conocidas es aquella que los clasifica según su importancia en primarios, secundarios y terciarios.
Colores primarios o
fundamentales
Un color primario
es aquél que no se puede crear mezclando otros colores.
Los colores primarios se pueden mezclar entre sí para producir la mayoría de
los colores. Al mezclar dos colores primarios se produce lo que se conoce
como color secundario, y al mezclar un secundario con un
primario se produce lo que a veces se llama color terciario o intermedio.
Comúnmente, los
colores rojo, amarillo y azul se consideran los colores primarios en el mundo del
arte. Pero se ha comprobado que esto no es técnicamente cierto, o al menos es
impreciso.
Colores secundarios
Un color
secundario es aquel que se obtiene de la mezcla en una misma
proporción de los colores primarios. Tradicionalmente se han enseñado
los colores secundarios de la pintura, que corresponden a naranja, verde y
púrpura. En el caso de la especificación del color, los colores secundarios de
la síntesis aditiva (CMYK) son los primarios de
la síntesis sustractiva, y viceversa. La disposición
ordenada de los seis tonos, es decir, los tres primarios y los tres
secundarios, constituye el llamado círculo cromático.
Colores terciarios o
intermedios
Un color
terciario surge de la combinación en una misma proporción de un
color primario y otro secundario. La amplia gama de colores que
conocemos -y aquellos que desconocemos- corresponden a diversas mezclas, las
cuales otorgan colores que pueden ser secundarios o terciarios.
En algunas formas
de impresión, como el PANTONE Hexacrome, que trabajan con 6 tintas, es más
evidente la aparición de las mezclas terciarias.
Colores en el círculo
cromático
Tomando como base
el círculo cromático, podemos definir
los siguientes grupos de colores: colores acromáticos, colores cromáticos
grises y colores monocromáticos.
Colores
acromáticos
Aquellos situados
en la zona central del círculo cromático, próximos al centro de éste, que han
perdido tanta saturación que no se aprecia en ellos el matiz original.
Colores
cromáticos grises
Situados cerca del centro del círculo, pero fuera de la
zona de colores acromáticos, en ellos se distingue el matiz original, aunque
muy poco saturado.
Colores
monocromáticos
Variaciones de saturación de un mismo matiz, obtenidas
por desplazamiento desde un color puro hasta el centro del círculo cromático.
2. COMPOSICION EN UNA OBRA DE ARTE
LA COMPOSICIÓN EN PINTURA.
En muchas ocasiones nos encontramos delante de una obra y podemos percibir claramente el equilibrio y armonía de las formas creando conjuntos impecables visualmente. Pensamos que el color es acertado, el conjunto de los elementos armonioso y el tamaño el perfecto para mostrar la intención del artista. Todo esto se consigue con la composición.
Por lo tanto, podemos definir composición como el proceso de ordenación
de los elementos en una obra para crear en ella coherencia formal y equilibrio.
Existen muchos factores, esquemas y leyes compositivas, nos vamos a centrar
aquí en los más utilizados con la intención de conocerlos y aplicarlos para que
nos ayuden a tomar las mejores decisiones en nuestras obras.
Como casi todo en el arte, el tema es muy subjetivo y el conocimiento de
las leyes compositivas no debe ser algo que limite nuestra creatividad, más
bien se trata de “aprender a construir para deconstruir”. Aprendamos la técnica
para después decidir como la aplicamos y, sobre todo, aprendamos a mirar las
obras de arte para conocer mejor las intenciones del autor y las técnicas que
ha utilizado para ello.
ESQUEMAS
COMPOSITIVOS
Son las líneas o planos imaginarios esenciales en los que se organizan
los elementos de la obra. Estos se sitúan en función del peso visual o
importancia de unos sobre otros, el recorrido visual con el que pretendemos
encontrar equilibrio y la dirección de las líneas o planos. El esquema se
desarrolla planteando cuáles serán las zonas de máximo interés en la
composición.
En cuanto al peso visual, debemos tener en cuenta varios factores:
1. La elección de los colores y su temperatura es determinante. Los utilizamos
para atraer la mirada del espectador a los puntos que nos interesan, por lo
tanto, hay que saber que:
·
Los colores claros pesan más si el fondo es oscuro,
·
Los cálidos pesan más que los fríos,
·
Los saturados pesan más que las transparencias,
·
Los contrastes pesan más que las sutilezas.
2. Las zonas de atracción relacionadas con el peso también tienen sus
particularidades. Algunos puntos de mayor atracción son:
·
La parte más baja de la obra,
·
La diagonal que empieza arriba a la izquierda,
·
Las zonas más luminosas,
·
Las formas grandes,
·
Los elementos aislados.
¿Dónde crees que recae el peso visual de la bailarina de Degas? Fácil,
¿verdad?
Bailarina. Edgar
Degas
Por supuesto, el tamaño (desde miniatura a gran instalación), la forma
de la obra (circular, vertical, horizontal,) y el tipo de encuadre (plano
general, medio, primer plano, detalle,) también son decisivos a la hora de
componer. Como siempre, dependerá del mensaje que quiera transmitir el autor o
el propósito del mismo.
Con respecto a las líneas de fuerza en los esquemas compositivos, se
organizan en función de la disposición que queramos de los elementos. Al pensar
en la colocación imaginaria de nuestras líneas de fuerza debemos relacionarlas
siempre con todos los puntos comentados antes sobre el peso visual para
conseguir el perfecto equilibrio compositivo. Las líneas pueden ser diagonales,
curvas, en espiral, cruzadas, … Las más comunes son:
3. EL EQUILIBRIO
EN UNA OBRA DE ARTE
Qué significa equilibrio
en el arte y porqué es importante
El equilibrio es uno de los principios básicos en la
concepción de una obra de arte, y se integra con conceptos como el contraste,
el movimiento, el ritmo y el énfasis, así como con los patrones de diseño, con
la unidad y la variedad. El equilibrio se refiere a cómo los elementos que
constituyen una obra de arte, entre otros la línea, la forma, el color, los
matices, el espacio o la textura, se relacionan entre sí en la composición de
la pieza para generar el equilibrio visual que propone el artista.
El
equilibrio
Una primera idea sobre el equilibrio en una obra de arte
surge de la percepción de la gravedad en una pieza de tres dimensiones, una
escultura, por ejemplo. La obra estará en equilibrio si se percibe que no se
cae la pieza ni ninguna de sus partes, tanto en obras estáticas como en las que
tienen movimiento. Si la obra se desarrolla en dos dimensiones, el artista
desarrolla la composición de forma que el efecto visual transmita equilibrio en
relación con la gravedad. En cambio, un escultor, además de buscar el
equilibrio visual, también deberá considerar los parámetros físicos de la
pieza.
Cubo
rojo. Isamu Noguchi, Nueva York.
La simetría es un factor fundamental
en la percepción del equilibrio. Quizás debido a que el ser humano es
simétrico, es una tendencia natural de las personas la búsqueda del equilibrio
mediante la simetría. Y los artistas buscan muchas veces transmitir ese
equilibrio en sus obras. Una obra equilibrada, en la que el peso visual se
distribuye uniformemente a lo largo de la composición, parece estable, hace que
el espectador se sienta cómodo y es agradable a la vista. Una obra
desequilibrada parece inestable, crea tensión e inquieta al espectador. A
veces, un artista crea deliberadamente una obra desequilibrada. Cubo rojo de Isamu Noguchi, localizada en Nueva York, es un
ejemplo de una escultura intencionalmente desequilibrada. Cubo rojo descansa precariamente sobre uno de sus vértices,
contrastando con los edificios grises, sólidos y estables de su entorno, y crea
una sensación de tensión e inseguridad.
Formas del equilibrio
En la disposición de una obra de
arte se pueden diferenciar tres planteamientos que contribuyen a la sensación
de equilibrio; se trata de los equilibrios simétrico,
el radial y el asimétrico. El
equilibrio simétrico incluye al radial y se sustenta en la repetición de
patrones. En el equilibrio asimétrico el artista contrapesa en la disposición
de la obra elementos que tienen distinto peso visual o físico, basado en su
intuición más que en modelos.
En el equilibrio simétrico, ambos
lados de una pieza son similares. Si se dibujara una línea imaginaria que
divida la obra horizontal o verticalmente, es decir, lo que serían sus ejes,
los sectores de la obra que queden a cada lado del eje tendrían características
similares o un peso visual similar. La simetría alrededor de un eje central se
denomina simetría bilateral, tanto horizontal como
vertical (de acuerdo a la orientación del eje). El equilibrio simétrico puede
darse como una imagen especular, una reproducción en forma de reflejo en un
espejo a ambos lados del eje de la obra, o puede ser que sean algunos elementos
de la composición los que se reproduzcan en forma especular a partir del eje de
la pieza.
La
última cena. Mural. Leonardo Da Vinci.
Este tipo de equilibrio da sensación
de orden, estabilidad, racionalidad, solemnidad, formalidad, etcétera. El
equilibrio simétrico se utiliza a menudo en el diseño arquitectónico de
edificios gubernamentales, bibliotecas, colegios y universidades, y es muy
común en el arte religioso. Un ejemplo de equilibrio simétrico en la pintura
es La última cena, mural al fresco del pintor
renacentista italiano Leonardo da Vinci. El artista utiliza en la composición
de la obra el equilibrio simétrico sobre un eje vertical junto a la perspectiva
con un foco central en paredes y en el techo y un elemento en primera línea,
con el objeto de realzar la importancia de la figura central, Jesucristo. Hay
una ligera diferenciación entre las figuras, pero el número de personas a cada
lado del eje vertical es el mismo, y están situadas a lo largo de un eje
horizontal.
Op
art. Vásárhelyi Győző (Victor Vasarely).
El op art, abreviatura de optical art (arte óptico), es una forma
artística que utiliza la simetría biaxial, es decir,
simetría tanto en el eje vertical como en el horizontal. El op art es arte abstracto que juega con formas geométricas o figuras que
se repiten siguiendo patrones para generar ilusiones ópticas, y en muchos casos
aprovecha y prevé el movimiento del observador. Uno de los principales artistas
que desarrollaron esta técnica fue el húngaro Vásárhelyi Győző, conocido como
Victor Vasarely.
El equilibrio simétrico también se
expresa en patrones repetitivos de forma o de color, y se denomina equilibrio
cristalográfico o equilibrio de mosaico. Algunas obras de Andy Warhol son un
ejemplo, al igual que la tapa del álbum Hard Day’s Night de The Beatles.
La simetría radial es
una variante del equilibrio simétrico en la que los elementos de la composición
se disponen alrededor de un punto central; por lo tanto, la simetría radial
tiene un punto focal en su planteo. Este tipo de simetría se ve a menudo en la
naturaleza, en los pétalos de flores y en organismos marinos. Es el tipo de
simetría de algunas formas de arte religioso, como los mándala.
El equilibrio asimétrico plantea una
distribución de los elementos de una composición en la que no hay simetría pero
sí un equilibrio visual. Los elementos están desplegados de manera desigual a
través de la obra de arte, conduciendo al ojo del espectador a través de la
pieza. El equilibrio asimétrico es un poco más difícil de lograr que el
equilibrio simétrico, ya que cada elemento de la pieza tiene su propio peso
visual en relación con los otros elementos, y afecta el equilibrio de toda la composición.
El equilibrio asimétrico se puede manifestar en varios elementos pequeños en un
lado de la composición, equilibrados por un elemento grande en el otro lado, o
si los elementos más pequeños se colocan más lejos del centro de la composición
respecto de la ubicación de los elementos más grandes. Una forma oscura se
puede equilibrar con varias formas más claras.
La
noche estrellada. Vincent van Gogh.
El equilibrio asimétrico es menos
formal y más dinámico que el equilibrio simétrico. Puede parecer más
espontáneo, pero requiere una planificación cuidadosa, tanto o incluso más que
la del equilibrio simétrico. Un ejemplo de equilibrio asimétrico es La noche estrellada de Vincent van Gogh. La forma triangular oscura de
los árboles que anclan visualmente el lado izquierdo de la pintura es
contrarrestada por el círculo amarillo de la luna en la esquina superior
derecha. Otro ejemplo es The Boating Party, de Mary Cassatt (imagen de
presentación del artículo), con la figura oscura en primer plano en la esquina
inferior derecha equilibrada por las figuras más claras y particularmente por
la vela en la esquina superior izquierda.
El equilibrio en la composición de una obra de arte
Cuando un artista trabaja en la
composición de una obra de arte tiene en cuenta las características estéticas
de los elementos que proyecta desplegar. Se suelen utilizar una serie de
criterios generales en relación al equilibrio de los elementos que se utilicen,
aplicados en forma interactiva. Uno de estos elementos es el color. Los colores
tienen tres características principales en relación a su incidencia visual:
luminosidad, saturación y tono; la transparencia es otro elemento a considerar
Los colores más oscuros parecen
visualmente más densos, con mayor impacto visual, que los colores más claros.
El negro es, evidentemente, el color más oscuro, y por tanto el de mayor peso,
mientras que, por el contrario, el blanco es el color de menor peso visual en
la composición. El tamaño del objeto que contiene el color también es relevante;
una forma más pequeña y oscura se puede equilibrar con una forma más grande y
clara.
Los colores más saturados, más
intensos, tienen mayor peso visual en la composición que los colores más
apagados. Se puede degradar la saturación de un color mezclándolo con su
opuesto en la paleta de colores. Los colores de tonalidades cálidas, el
amarillo, el naranja y el rojo, tienen más peso visual que los colores fríos,
el azul o el verde. Respecto a la transparencia, las áreas opacas de la
composición tienen más peso visual que las áreas transparentes.
Otro aspecto de la composición a
considerar en relación al equilibrio de la pieza es la forma de los elementos
que la integran. Los cuadrados tienden a tener más peso visual que los
círculos, mientras que las formas más complejas como los trapezoides, hexágonos
y pentágonos tienden a tener más peso visual que las formas más simples, como
los círculos, los cuadrados y las elipses. El tamaño de los elementos también
es muy importante; los elementos más grandes tienen más impacto visual que los
más pequeños, pero un grupo de elementos pequeños puede equilibrar el peso
visual de uno grande.
En relación a estos aspectos de la
composición, hay que considerar la ubicación de los elementos en el equilibrio
de la pieza. Los elementos u objetos ubicados en el borde o en las esquinas de
una composición tienen más peso visual y desplazarán a los elementos situados
hacia el centro. El primer plano y el fondo de la composición pueden
equilibrarse entre sí, y en su ubicación los elementos también pueden
equilibrarse a lo largo de un eje diagonal, no sólo vertical u horizontal.
Las líneas que componen los
elementos también deben tenerse en consideración. Líneas gruesas tienen más
impacto visual que líneas delgadas. Y un elemento con textura tendrá más peso
visual.
Los contrastes en el despliegue de
los elementos de una obra de arte puede ser una estrategia efectiva para lograr
el equilibrio: quieto y en movimiento, suave y áspero, ancho y estrecho,
intenso y apagado, son algunas de las posibles alternativas.
Arte abstracto
Te explicamos qué es el arte abstracto y cuál fue el origen
de esta expresión artística. Además, sus características y clasificación.
El arte abstracto utiliza un
lenguaje propio e independiente de formas, colores y líneas.
¿Qué es el arte abstracto?
Llamamos arte abstracto a un estilo de la
expresión de las artes
plásticas (pintura y escultura) principalmente,
que en lugar de representar figuras concretas y reconocibles del mundo real
(como hace el arte figurativo), propone una realidad distinta a través de un
lenguaje propio e independiente de formas, colores y
líneas.
En otras palabras, el arte abstracto emplea
formas y perspectivas que no son una copia de la realidad, si se rigen por
las reglas de lo aparentemente lógico, sino que se proponen obras mucho más
libres e innovadoras, cuya interpretación queda a cargo del espectador.
Este estilo surgió a inicios del siglo XX y
perdura hasta nuestros días, teniendo grandes expositores como los pintores
Vasili Kandinski, Robert Deaunay, Kazmir Málevich, Piet Mondrian, Mark Rothko,
Jackson Pollock, Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Gerhard Richter o Joan Miró.
Además, los escultores Marcel Duchamp, Aexander Calder y Jean Arp.
Muchos abstraccionistas tuvieron conexión con la música, considerándola
como la meta de su proceso
artístico particular, ya que la música produce un efecto estético mediante la
abstracción del sonido de las notas
musicales, que no imitan a ninguna realidad concreta.
Los abstraccionistas buscaban dejar atrás el reino reconocible de
las formas y perseguir el “arte puro”.
El primer pintor abstracto considerado como tal fue el
lituano Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, cuyas primeras obras
abstractas datan de 1904 y quien incursionó también en la
escultura.
Pero sería el ruso Vasili Kandinski quien
establecería las bases del abstraccionismo como un movimiento
artístico coherente, moderno e internacional, a través de lo que llamó
“Abstracción lírica” entre 1910 y 1912.
A este movimiento vendrían a sumarse diversas y simultáneas
exploraciones artísticas en torno a un “arte puro” en Rusia, Francia y
posteriormente Alemania y Estados Unidos.
Características del arte abstracto
El arte abstracto rompió
con la necesidad de representar objetos concretos.
A pesar de que el arte abstracto engloba una cantidad
importante de tendencias, propuestas y estilos, pueden resumirse sus
características en:
·
Una gran consciencia de las formas y los colores, utilizados a voluntad para escapar de la
realidad concreta.
·
Las esculturas abstractas se apoyan en el principio de la tridimensionalidad
y en la geometría, a veces dándole protagonismo al color.
·
Las pinturas abstractas proponen un lenguaje propio de
forma, color y línea cuyas reglas pertenecen al artista.
·
Las obras abstractas exigen del espectador que se aproxime a ellas
de modo intuitivo, menos tradicional.
·
El arte abstracto rompió con la necesidad de representar objetos
concretos, dando cabida a los pensamientos y las nociones mentales más difusas.
Tipos de arte abstracto
El arte abstracto puede clasificarse según las tendencias
que marquen su estilo, en:
·
Curvilíneo. Caracterizado por las líneas curvas, que se entrelazan, trazan
espirales u otras formas semicirculares, como los nudos o
el triskele o triskelion.
·
Cromático-visual. Obras en las que predomina el impacto visual a partir del
color, de manera más o menos caótica u ordenada (secuencial, por ejemplo).
·
Geométrico. Derivada del cubismo inaugurado por Picasso, aspira a las
formas geométricas como un lenguaje propio de la obra, y por eso prefiere las
formas matemáticas.
·
Intuicional. Una tendencia sin patrones visibles o reconocibles, que interpela
al espectador y le exige que se aproxime a la obra desde la intuición y lo sensible, no de la lógica.
·
Gestual. Suerte
de híbrido entre el abstraccionismo y el expresionismo, hace hincapié en el trazo y la
pincelada, es decir, en el modo mismo en que la obra se compuso, para alcanzar
la abstracción deseada.
·
Minimalista. Un
retorno a lo simple, a lo poco, a la ausencia en el cuadro. Puede darse con uno
o dos colores, una forma simple o diversos planteamientos que son justamente
mínimos, nunca recargados ni barrocos.
NOTA: De la parte conceptual anterior realizar un resumen y una infografía en Word con imágenes (Ejemplo).
Infografía en Word ✨ como hacer infografías bonitas en
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https://www.youtube.com/watch?v=MvaxjtfB1rc
Link plantillas como
elaborar una infografía en Word: https://www.infografiascreativas.site/2021/01/plantillas-para-infografias-creativas-en-word-gratis.html
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Actividad 1:
Video
de la pintura: cómo pintar un cuadro ABSTRACTO en
5 MINUTOS / SÚPER FÁCIL
https://www.youtube.com/watch?v=hMhSk-A0Qwk
Explicación
ejercicios de los elementos básicos de la pintura
como son la teoría del color,
tipologías del color, fondo, formas, volumen, concepto de arte moderno:
Actividad 2:
Aplica y maneja de la técnica de la
pintura y los elementos básicos en ejercicios con los materiales
recomendados. (Anexo
guía de actividades).
Actividad 3:
Crea obras de arte en base a la
técnica de la pintura con vinilos y los elementos básicos en ejercicios con los
materiales recomendados.
a. En un
octavo cartón paja, dibuja un rostro.
b. Aplica
la técnica de la pintura con vinilos a blanco y negro.
c. Ejemplos
de rostros con la técnica de vinilos a blanco y negro:
d. En un
octavo cartón paja, dibuja rostros de arte abstracto.
e. Aplica
en un rostro a color, la técnica de la pintura y vinilos.
f.
Ejemplos de rostros a color con la
técnica de vinilos:
Mi reflexión
Lo que he aprendido en mis clases
de PINTURA
De Los Inicios Del
Arte. Aún antes de
que el hombre viviera en sociedad avanzada, tenía la necesidad espiritual
de crear, de hacer arte; aún antes de que el hombre aprendiera a escribir,
aprendió a dibujar; y aún antes de que el hombre aprendiera que existe la
abstracción, creó realísticamente, con naturalismo absoluto.
Entre las pinturas más antiguas conocidas hasta ahora están las pinturas de
arte rupestre en Altamira, España, del periodo paleolítico, obras de arte
naturalista que tenían como finalidad la supervivencia de los hombres. Tal vez
no estamos seguros de la fecha de creación, y obviamente no sabemos el nombre
del artista, pero sí tenemos certeza de algo: esas pinturas tenían un
propósito, un fin. No fueron hechas porque sí, o por aprovechar el tiempo de
ocio, o por decoración interna de sus cuevas -que eran lugares inaccesibles-,
sino que el hombre halló que necesitaba dibujar, pintar y esculpir, o
sea, crear.
El hombre primitivo
tenía una vida muy monótona, orientada casi solamente en vivir y comer, y cazar
para comer y vivir; de modo que sus conocimientos útiles se referían a su
destreza para la caza, y de allí la explicación de que una gran proporción de
las pinturas rupestres tengan la caza como asunto o tema.
Ahora entendemos
que el proceso de creación en el arte estaba impulsado por la supervivencia y
virtudes mágicas, con la imitación de animales para propiciar su captura en las
excursiones de cacería; el artista era como un predecesor de sacerdotes y
profetas.
.NOTA:
Escribe tu propia reflexión
sobre lo que aprendiste en esta guía, tus ventajas y desventajas en el dibujo
artístico.
DESEMPEÑOS 2 PERIODO
DIBUJO ARTISTICO
DESEMPEÑO
# 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe la conceptualización de la
pintura en las artes y sus elementos básicos como son
el concepto de pintura. tipologías
del color, composición. equilibrio. concepto de arte abstracto. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia los conocimientos de la pintura como
son el concepto de pintura.
tipologías del color, composición. equilibrio. concepto de arte
abstracto, en su conceptualización. |
|
BASICO |
Reconoce y asimila los elementos
básicos de la pintura en artes. Identifica y experimenta con el valor expresivo de,
en su conceptualización. |
|
BAJO |
Se le dificulta
utilizar los ejercicios de la expresión de la pintura como son el concepto
de pintura. tipologías del color, composición. equilibrio. concepto de
arte abstracto,
en su conceptualización. |
DESEMPEÑO
# 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente
resuelve ejercicios con los elementos básicos como
son la teoría del color, tipologías
del color, fondo, formas, volumen, concepto de arte abstracto. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica ejercicios los elementos básicos del concepto de pintura. tipologías del color, composición.
equilibrio. concepto de arte abstracto, de la pintura en las artes. |
|
BASICO |
Aplica
y practica con ejercicios los elementos básicos del concepto de pintura. tipologías del color, composición.
equilibrio. concepto de arte abstracto. |
|
BAJO |
Se le dificulta
utilizar los ejercicios de la expresión de la pintura con vinilos, y no
aplica correctamente los elementos básicos de la pintura. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente crea
una obra de arte en base con la técnica en la pintura en las artes, para transmitir una idea, generar
una idea o representar un estado de ánimo, expresando su sentir por medio de
la creación artística, y emplearlas para crear trabajos que comparte con sus
compañeros, y en una exposición. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica
en una obra de arte los elementos
básicos como son el concepto de pintura. tipologías del color, composición. equilibrio.
concepto de arte abstracto, de la pintura en las artes. |
|
BASICO |
Aplica y practica en una obra de arte
los elementos básicos de la pintura en las artes. Adapta y experimenta el valor
expresivo del concepto de pintura.
tipologías del color, composición. equilibrio. concepto de arte
abstracto, y sus posibilidades tonales, en una obra de arte. |
|
BAJO |
Se le dificulta
crear una obra de arte, con expresión de la pintura con la técnica de vinilos,
y no aplica correctamente los elementos básicos de la pintura. |
1. https://deconceptos.com/arte/pintura
2. http://www.proyectacolor.cl/teoria-de-los-colores/tipologia-del-color/
3. https://www.artemiranda.es/blog/index.php/la-composicion-en-pintura/
4. https://www.yubrain.com/humanidades/artes-visuales/definicion-de-equilibrio-en-el-arte/
5. https://concepto.de/arte-abstracto/
RUBRICA
DE EVALUACION
DOMINIOS
DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En la educación artística los
dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como proceso y resultado son los
siguientes:
1.
PRODUCTIVO:
Corresponde a la creación de obras
creativas en el arte, según los elementos correspondientes:
a.
Habilidad técnica en el empleo de
materiales e instrumentos.
b.
Aspectos técnicos y expresivos: Relación
entre lo que se expresa y las formas.
c.
Imaginación creativa: Ampliación de
límites e invención.
2.
CRITICO:
Son tres conductas a evaluar,
aprender, enseñar y aprender:
a.
Observación y descripción de las obras de
arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b.
Interpretación de la obra de arte, lo que
equipara a la base de la crítica de arte.
c.
Evaluación, se identifican acciones y
procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser analizables.
3.
CONCEPTUAL:
Corresponde con el ámbito social,
histórico y cultural del arte. Su terminología y sus subdiviones que
fundamentan en categorías.
VALORACION
DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION
DEL PRODUCTO:
Evalúa los resultados de la unidad
didáctica al terminar cada periodo, y determina el valor del desempeño de los
ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
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¿QUE EVALUAR? |
¿COMO
EVALUAR? |
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CRITERIOS |
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CRITERIOS
DE EVALUACION |
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1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
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a.
Materiales |
Calidad y variedad de materiales |
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b. Instrumentos |
Adecuados ya los materiales y
utilizados adecuadamente |
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c. Técnica |
Conocimiento de la técnica |
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d. Soporte |
Apropiada para la técnica y dimensiones |
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e. Dimensiones |
Tamaño y formato adecuado a la técnica |
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f.
Ejecución |
Limpieza y cuidado para la ejecución |
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g. Presentación |
Limpieza y cuidado para la presentación |
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2. Como
objeto artístico: Valores
formales: |
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a. Espacio |
Distinción entre lo próximo y lo
lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
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b. Volumen |
Posesión del volumen de los cuerpos y
objetos |
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c. Iluminación |
Las fuentes de luz parecen señaladas
nítidamente. Las sombras tienen relación con las fuentes de luz. |
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d. Color |
Armonía y diversidad cromática, mezclas
adecuadas, reparto equilibrado , contrastes cromáticos |
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e. Composición |
Expresión armónica del conjunto,
equilibrio entre las partes de la obra |
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f.
Proporciones |
Proporciones entre las distintas partes
de la obra |
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g. Movimiento |
Dinamismo y fuerza de las figuras y la composición |
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2.2.Valores
simbólicos: |
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a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad de objetos, personajes y
presencia de detalles |
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b. Relaciones |
Interactuación entre personajes y
objetos |
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c. Asunto |
Claramente determinado |
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d. Tema |
En concordancia con el tema y la
técnica |
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e. Símbolos representados |
Representación apropiada |
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f.
Carácter
simbólico general |
Grueso de la representación simbólica |
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2.3.Valores
vitales: |
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a. Ideas o sentimientos representados |
Los personajes y sus acciones presentan
sentimientos |
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b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La obra se muestra alegre, triste,
melancólica, etc.Y lo expresa claramente |
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2.4.Producto
creativo |
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a. Originalidad |
La obra de arte presenta
características innovadoras, respecto a la producción del estudiante o del resto
de compañeros |
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b. Fluidez |
El estudiante tiene una copiosa
producción |
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c. Flexibilidad |
La obra agrupa una gran variedad y
diferencia de ideas y campos |
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d. Elaboración |
Las ideas no han quedado abocetadas,
sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La evaluación valora la dimensión cognitiva,
procedimental y actitudinal del estudiante, y se describe de manera conceptual
y cuantitativa acorde con la categoría y escala nacional establecida en el
decreto 1290 de 2009.
JAIME
EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN ARTES PLASTICAS
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