INSTITUCION EDUCATIVA
CHAMPAGANAT
AÑO LECTIVO 2023
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
Dibujo artístico
GRADO NOVENO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
NOVENO |
GUIA No. 1 |
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DOCENTE |
CORREO ELECTRONICO |
NUMERO DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL
DESCANCE (MAESTRO EN ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA INICIAL |
FECHA FINAL |
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PERIODO:
1 |
ENERO 30 DE 2023 |
ABRIL
14 DE 2023 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS
TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE
DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
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ACTITUDINAL
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PRIMERO |
EXPRECION PLASTICA |
Fundamentos del dibujo |
Composición Equilibrio Proporción Planos bidimensionales tridimensionales |
Competencia cognitiva Competencia técnica |
Distingue los fundamentos del
dibujo en la creación de obras plásticas. |
Realiza dibujos partiendo de
la simplificación de la forma, el encuadre, el equilibrio y la proporción. |
Asume con responsabilidad y
creatividad, las actividades plásticas desarrolladas en clase y en casa. |
¿QUE VOY APRENDER ¿
CONOCIMIENTOS PREVIOS
Dibujo artístico
Dibujo
artístico
|
Estándar: Conoce,
selecciona, y aplica los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: composición, equilibrio, proporción, planos
bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los recursos expresivos
adecuados para expresar impresiones, sentimientos y pensamientos mediante la
interpretación plástica. |
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competencia: Competencia técnica: permite desarrollar
una actividad artística con destreza y habilidad como la de colorear
adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear,
entre otras realidades artísticas. |
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competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados con el procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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competencia: Competencia expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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competencia: Competencia creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
MODULO 1
1.
Dibujo artístico
¿Qué es el dibujo artístico?
El dibujo artístico es aquel que se caracteriza por
mostrar gráficamente más allá que palabras. Esta disciplina se basa en el delineado de figuras, el trazado, mostrando
finalmente de manera visual todas aquellas ideas del dibujante artista.
Al mismo tiempo, se le conoce al dibujo artístico como el
lenguaje de las formas, principalmente porque, así como el arte en
general, logra comunicar y transmitir emociones,
así como ideas ilimitadas. A diferencia del lenguaje escrito, se trata de un
idioma universal, donde no existe la barrera cultural para lograr sentir todo
lo que transmita.
8 Tipos de dibujos artísticos
El éxito del dibujo artístico se logra a partir de las diversas técnicas con las que se
desarrolle únicamente. Lo fundamental es que cada artista deje su toque
personal y creativo, pero sin la dedicación y el esfuerzo necesario. Según el
estilo que adopte cada artista, se basará en una u otra técnica, e incluso en
mezclar dos o más para crear sus obras.
Sin embargo, no cabe duda de que el dibujo artístico se
caracteriza por mantener sus trazos firmes,
seguros y al mismo tiempo sueltos, tanto como la perspectiva. Asimismo, es importante que todo artista del dibujo
logre intelectualizar los objetos que desarrolle, con la finalidad de
sintetizarlos de formas subjetivas.
a. Dibujo artístico básico
Para iniciarse en el dibujo artístico es crucial partir
desde lo básico. En este tipo de dibujos, se
emplean técnicas sencillas, tales como el dibujo a mano
alzada partiendo de trazos, proporciones, medidas y composición, principalmente.
Todas aquellas bases aprendidas para formar figuras son
las empleadas en este primer tipo de dibujo artístico. Efectivamente, será
necesario que sea ejecutado correctamente, pero que además posea un valor agregado que le diferencie del resto,
haciéndolo tan creativo, como peculiar, y que finalmente logre transmitir
emociones.
b. Ilustración
La ilustración es un mundo bastante amplio, el cual le
permite a todo artista experimentar a partir de diversas técnicas del dibujo.
Generalmente, suele usarse como complemento
de textos, ayudando de esta manera a los lectores a entender
con mayor claridad el contenido escrito.
Sin embargo, puede llegar a ir mucho más allá, considerando además que la ilustración se puede realizar tanto de manera manual, como de forma digital. Incluso, muchos dibujantes que emplean el papel como soporte, suelen finalmente digitalizarlas. Así como el dibujo artístico básico, los ilustradores también agregan mucha creatividad, especialmente al desarrollar personajes únicos.
c. Caricatura
Asimismo, suele ser también muy común que los artistas retratistas, incorporen la caricatura a sus obras, modificando sus propios retratos, anexando elementos a sus protagonistas que formen otro personaje a partir de ahí.
d.
Retrato
El retrato se
caracteriza por representar de manera fiel de
personas o animales. En los dibujos artísticos de
retratos, se reflejan los detalles de cada uno de los rasgos del retratado lo
más fiel posible.
Generalmente, se emplean técnicas a base de carboncillo, lápiz, crayones, tinta, e incluso programas de edición digital o distintas herramientas a fines. Esto último ha sido una técnica mucho más actual, incluyendo el dibujo digital.
e. Graffiti
Es muy común que los graffitis sean muy coloridos, gozan de mucho contraste en su mayoría. En
sus comienzos generó grandes controversias por tratarse de actos vandálicos, al
intervenir, sin previo aviso o permisos, paredes al azar.
Graffiti realizado por el artista español Sam3.
f.Hiperrealismo
Así como su nombre lo indica, se trata de dibujos cuyo
realismo toca niveles exagerados, con tantos detalles que resultan ser realismo extremo. No es un secreto que para lograr
dibujos hiperrealistas es necesario poseer grandes conocimientos en torno a la
técnica, para lograr los grandes detalles que le caracterizan.
Dibujo realizado por Linda Huber.
Además, el dibujo hiperrealista ha dado inicio a los tatuajes con el mismo nivel de
dibujo. Todo artista de la tinta del tatuaje, necesariamente debe saber emplear
todas las técnicas del dibujo para lograrlo. Se podría decir que ha sido, así
como el graffiti, una evolución del dibujo
artístico.
Cómics
A nivel mundial, el cómic es uno de los tipos de dibujo
artístico más aclamado, especialmente porque a nivel mundial cuenta con un gran número de fanáticos. En este caso, se
trata de gráficos en serie que cuentan una historia. Los personajes en ellas
suelen ser de ficción, romance, humor y más.
Así como la ilustración, suele acompañarse de pequeños textos, aunque se
diferencia en gran medida porque el cómic cuenta una larga historia, de la que incluso
existen libros dedicados a este tipo de narraciones. Los personajes cambian sus
posiciones según sea el caso.
A pesar de que comenzó siendo un arte del dibujo cuyo
soporte es el papel, y que de hecho aún hoy lo sigue siendo, muchos han
transformado los implementos para su creación, combinándolos o cambiándolos
por el dibujo digital.
Bodegones
Los bodegones son
quizás los más clásicos del dibujo. Formaron parte del proceso creativo de
aprendizaje de muchos grandes artistas de la historia, especialmente para el
estudio del comportamiento de la luz sobre los objetos,
e incluso el uso del color.
En el dibujo artístico también funcionan los bodegones, e
incluso la naturaleza muerta, con los
mismos fines arrastrados desde siglos atrás como práctica artística. Sin embargo,
es posible que cada artista, al añadir peculiaridades únicas y creativas,
convierta su bodegón en una obra de arte, principalmente cuando logra
transmitir múltiples emociones.
Dibujo realizado por Ernest “Ernie” Raymond Gillman, artista plastico nació en 1953, Bemidji, Minnesota, Estados Unidos.
Desde el renacimiento, cuando el arte comenzó a
transformarse, muchos grandes, como Leonardo Da Vinci, empleó sus técnicas sobre bodegones a modo de práctica
artística. No hay duda de que, para lograr ejecutar obras pictóricas, era
necesario dominar el dibujo; en este sentido, la línea que las separa es muy
delgada.
Conclusiones finales
El dibujo artístico logra tener tanto poder, como las
obras que incluyen otros pigmentos y pinceles como herramientas. Lo único
necesario para lograrlo es la práctica constante, solo de esta manera se
logra alcanzar un lenguaje propio,
el cual se transforma en el valor agregado de todo gran artista.
Asimismo, resulta muy útil inspirarse en otros grandes artistas del
dibujo, según la técnica o técnicas que todo dibujante desee utilizar, a modo
de práctica para crecer y lograr desarrollar el dibujo artístico; todo esto sin
olvidar que es fundamental transmitir emociones.
2. Elementos conceptuales: composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensional y tridimensional.
a.
¿Qué es la
composición artística?
Antes de abordar la realización de una obra es importante conocer algunos elementos y conceptos básicos sobre la composición artística. Aunque en el arte no hay por qué seguir unas reglas, como dijo Picasso “aprende las reglas como un profesional, para que puedas romperlas como un artista”; en este artículo trataremos de explicar algunas normas de manera simplificada.
Cuando un
espectador observa una obra, aunque no lo perciba conscientemente, recibe
estímulos visuales, pudiendo percibir si existe un equilibrio, un ritmo, etc.
Esto es lo que se conoce como composición artística, es decir, distribuir de
manera correcta los diferentes elementos que forman parte de una
representación.
La labor del
artista es utilizar esto de manera consciente. Si se tiene conocimiento de las
reglas de composición plástica se logrará dirigir la mirada del
espectador en la dirección, orden y velocidad que desee. Algunos
principios que rigen la composición artística:
- Centro de interés: Desde la
perspectiva, transmite el equilibrio y la estabilidad. Pueden existir
diferentes centros de interés, pues dependerá de la complejidad que tenga la
obra.
- La línea de fuerza: A partir del centro
de interés surgen las líneas de fuerzas, utilizadas también para conseguir
equilibrio. Dependen en muchos casos de la disposición de las formas y de los
colores.
- Dirección: Para dirigir la
mirada del espectador se utilizan las siguientes direcciones:
Vertical – horizontal: Expresa equilibrio, bienestar,
tranquilidad.
Diagonal: Expresa inestabilidad, provocación, dinamismo. Pueden ser en
dirección ascendente o descendente.
Curva: Expresa calor, introspección, repetición.
Antes de aplicar
las direcciones mencionadas, se debe tener en cuenta que las obras las
observamos del mismo modo que leemos; es decir, de izquierda a derecha.
- Movimiento: El foco de atención
más importante a la hora de la composición y se puede conseguir a partir de los
elementos mencionados anteriormente.
- El peso: Cada forma o figura
que se representa se comporta como un peso, ya que ejercen una percepción
visual. Se puede imaginar que cada elemento de la composición plástica actúa
como si fuera un peso en una balanza. Por tanto, se considera que una
composición está en equilibro si se compensan los pesos entre sí.
- Teoría del color: El color también
influye en el peso que tiene cada elemento de la composición. En esta teoría,
hay algunos aspectos que se deben tener en cuenta:
Intensidad: Los colores más intensos pesan más y avanzan sobre los de
menor intensidad.
Saturación: Los colores más
saturados pesan más y avanzan sobre los desaturados.
Por ejemplo, si en
la derecha hemos elegido un color cálido y a la izquierda un color frío,
procuraremos que el color frío sea de mayor tamaño para no descompensar el peso
visual. Incluir parte de un color cálido a la izquierda para sumar pesos o
desaturar un poco el color cálido y dar intensidad al frío puede ser otra
opción.
Una vez claros estos conceptos debemos equilibrar
los elementos en la composición de nuestra obra para que no pese más un lado
que por otro.
b.
Qué significa equilibrio en el arte y porqué es importante
El equilibrio es uno de los principios básicos en la
concepción de una obra de arte, y se integra con conceptos como el contraste,
el movimiento, el ritmo y el énfasis, así como con los patrones de diseño, con
la unidad y la variedad. El equilibrio se refiere a cómo los elementos que
constituyen una obra de arte, entre otros la línea, la forma,
el color, los matices, el espacio o la textura, se relacionan entre sí en la
composición de la pieza para generar el equilibrio visual que propone el
artista.
El equilibrio
Una primera idea sobre el equilibrio en una obra de arte
surge de la percepción de la gravedad en una pieza de tres dimensiones, una escultura,
por ejemplo. La obra estará en equilibrio si se percibe que no se cae la pieza
ni ninguna de sus partes, tanto en obras estáticas como en las que tienen
movimiento. Si la obra se desarrolla en dos dimensiones, el artista desarrolla
la composición de forma que el efecto visual transmita equilibrio en relación
con la gravedad. En cambio, un escultor, además de buscar el equilibrio visual,
también deberá considerar los parámetros físicos de la pieza.
Cubo rojo. Isamu Noguchi, Nueva York.
La simetría es un factor fundamental en la percepción del
equilibrio. Quizás debido a que el ser humano es simétrico, es una tendencia
natural de las personas la búsqueda del equilibrio mediante la simetría. Y los
artistas buscan muchas veces transmitir ese equilibrio en sus obras. Una obra
equilibrada, en la que el peso visual se distribuye uniformemente a lo largo de
la composición, parece estable, hace que el espectador se sienta cómodo y es
agradable a la vista. Una obra desequilibrada parece inestable, crea tensión y
inquieta al espectador. A veces, un artista crea deliberadamente una obra
desequilibrada. Cubo rojo de Isamu Noguchi, localizada en
Nueva York, es un ejemplo de una escultura intencionalmente
desequilibrada. Cubo rojo descansa precariamente sobre uno
de sus vértices, contrastando con los edificios grises, sólidos y estables de
su entorno, y crea una sensación de tensión e inseguridad.
Formas del equilibrio
En la
disposición de una obra de arte se pueden diferenciar tres planteamientos que
contribuyen a la sensación de equilibrio; se trata de los equilibrios simétrico,
el radial y el asimétrico. El
equilibrio simétrico incluye al radial y se sustenta en la repetición de
patrones. En el equilibrio asimétrico el artista contrapesa en la disposición
de la obra elementos que tienen distinto peso visual o físico, basado en su
intuición más que en modelos.
En el
equilibrio simétrico, ambos lados de una pieza son similares. Si se dibujara
una línea imaginaria que divida la obra horizontal o verticalmente, es decir,
lo que serían sus ejes, los sectores de la obra que queden a cada lado del eje
tendrían características similares o un peso visual similar. La simetría
alrededor de un eje central se denomina simetría bilateral,
tanto horizontal como vertical (de acuerdo a la orientación del eje). El
equilibrio simétrico puede darse como una imagen especular, una reproducción en
forma de reflejo en un espejo a ambos lados del eje de la obra, o puede ser que
sean algunos elementos de la composición los que se reproduzcan en forma
especular a partir del eje de la pieza.
La última cena. Mural. Leonardo Da Vinci.
Este tipo de equilibrio da sensación de orden,
estabilidad, racionalidad, solemnidad, formalidad, etcétera. El equilibrio
simétrico se utiliza a menudo en el diseño arquitectónico de edificios
gubernamentales, bibliotecas, colegios y universidades, y es muy común en el
arte religioso. Un ejemplo de equilibrio simétrico en la pintura es La
última cena, mural al fresco del pintor renacentista italiano Leonardo da
Vinci. El artista utiliza en la composición de la obra el equilibrio simétrico
sobre un eje vertical junto a la perspectiva con un foco central en paredes y
en el techo y un elemento en primera línea, con el objeto de realzar la
importancia de la figura central, Jesucristo. Hay una ligera diferenciación
entre las figuras, pero el número de personas a cada lado del eje vertical es
el mismo, y están situadas a lo largo de un eje horizontal.
Op art. Vásárhelyi Győző (Victor Vasarely).
El op art, abreviatura de optical
art (arte óptico), es una forma artística que utiliza la simetría
biaxial, es decir, simetría tanto en el eje vertical como en el
horizontal. El op art es arte abstracto que juega con formas
geométricas o figuras que se repiten siguiendo patrones para generar ilusiones
ópticas, y en muchos casos aprovecha y prevé el movimiento del observador. Uno
de los principales artistas que desarrollaron esta técnica fue el húngaro
Vásárhelyi Győző, conocido como Victor Vasarely.
El equilibrio simétrico también se expresa en patrones
repetitivos de forma o de color, y se denomina equilibrio cristalográfico o
equilibrio de mosaico. Algunas obras de Andy Warhol son un ejemplo, al igual
que la tapa del álbum Hard Day’s Night de The Beatles.
La simetría
radial
es una variante del equilibrio simétrico en la que los
elementos de la composición se disponen alrededor de un punto central; por lo
tanto, la simetría radial tiene un punto focal en su planteo. Este tipo de
simetría se ve a menudo en la naturaleza, en los pétalos de flores y en
organismos marinos. Es el tipo de simetría de algunas formas de
arte religioso, como los mándala.
El
equilibrio asimétrico plantea una distribución de los elementos de una
composición en la que no hay simetría, pero sí un equilibrio visual. Los
elementos están desplegados de manera desigual a través de la obra de arte,
conduciendo al ojo del espectador a través de la pieza. El equilibrio
asimétrico es un poco más difícil de lograr que el equilibrio simétrico, ya que
cada elemento de la pieza tiene su propio peso visual en relación con los otros
elementos, y afecta el equilibrio de toda la composición. El equilibrio asimétrico
se puede manifestar en varios elementos pequeños en un lado de la composición,
equilibrados por un elemento grande en el otro lado, o si los elementos más
pequeños se colocan más lejos del centro de la composición respecto de la
ubicación de los elementos más grandes. Una forma oscura se puede equilibrar
con varias formas más claras.
La noche estrellada. Vincent van Gogh.
El equilibrio asimétrico es menos formal y más dinámico
que el equilibrio simétrico. Puede parecer más espontáneo, pero requiere una
planificación cuidadosa, tanto o incluso más que la del equilibrio simétrico.
Un ejemplo de equilibrio asimétrico es La noche estrellada de
Vincent van Gogh. La forma triangular oscura de los árboles que anclan
visualmente el lado izquierdo de la pintura es contrarrestada por el círculo
amarillo de la luna en la esquina superior derecha. Otro ejemplo es The
Boating Party, de Mary Cassatt (imagen de presentación del artículo), con
la figura oscura en primer plano en la esquina inferior derecha equilibrada por
las figuras más claras y particularmente por la vela en la esquina superior
izquierda.
El equilibrio en la composición de una obra
de arte
Cuando un artista trabaja en la composición de una obra
de arte tiene en cuenta las características estéticas de los elementos que
proyecta desplegar. Se suelen utilizar una serie de criterios generales en
relación al equilibrio de los elementos que se utilicen, aplicados en forma
interactiva. Uno de estos elementos es el color. Los colores tienen tres
características principales en relación a su incidencia visual: luminosidad,
saturación y tono; la transparencia es otro elemento a considerar
Los colores más oscuros parecen visualmente más densos,
con mayor impacto visual, que los colores más claros. El negro es,
evidentemente, el color más oscuro, y por tanto el de mayor peso, mientras que,
por el contrario, el blanco es el color de menor peso visual en la composición.
El tamaño del objeto que contiene el color también es relevante; una forma más
pequeña y oscura se puede equilibrar con una forma más grande y clara.
Los colores más saturados, más intensos, tienen mayor
peso visual en la composición que los colores más apagados. Se puede degradar
la saturación de un color mezclándolo con su opuesto en la paleta de colores.
Los colores de tonalidades cálidas, el amarillo, el naranja y el rojo, tienen
más peso visual que los colores fríos, el azul o el verde. Respecto a la
transparencia, las áreas opacas de la composición tienen más peso visual que
las áreas transparentes.
Otro aspecto de la composición a considerar en relación
al equilibrio de la pieza es la forma de los elementos que la integran. Los
cuadrados tienden a tener más peso visual que los círculos, mientras que las
formas más complejas como los trapezoides, hexágonos y pentágonos tienden a
tener más peso visual que las formas más simples, como los círculos, los
cuadrados y las elipses. El tamaño de los elementos también es muy importante;
los elementos más grandes tienen más impacto visual que los más pequeños, pero
un grupo de elementos pequeños puede equilibrar el peso visual de uno grande.
En relación a estos aspectos de la composición, hay que
considerar la ubicación de los elementos en el equilibrio de la pieza. Los
elementos u objetos ubicados en el borde o en las esquinas de una composición
tienen más peso visual y desplazarán a los elementos situados hacia el centro.
El primer plano y el fondo de la composición pueden equilibrarse entre sí, y en
su ubicación los elementos también pueden equilibrarse a lo largo de un eje
diagonal, no sólo vertical u horizontal.
Las líneas que componen los elementos también deben
tenerse en consideración. Líneas gruesas tienen más impacto visual que líneas
delgadas. Y un elemento con textura tendrá más peso visual.
Los contrastes en el despliegue de los elementos de una
obra de arte puede ser una estrategia efectiva para lograr el equilibrio:
quieto y en movimiento, suave y áspero, ancho y estrecho, intenso y apagado,
son algunas de las posibles alternativas.
c. ¿Cuál es la proporción
en un dibujo?
¿Qué es proporción en el dibujo?
Una de las
capacidades de mayor valor para visualizar, analizar, aprender y solucionar
problemas es la facultad de captar correctamente la relación entre un objeto y
otro. Esta relación, en pintura, se llama proporción. La
proporción en la pintura es muy importante, ya que le da al objeto representado
la armonía necesaria al vincular adecuadamente todos los elementos que lo
componen.
La
percepción de proporciones relativas, y especialmente de relaciones espaciales,
es una función especial del hemisferio derecho del cerebro humano. Las personas
cuyo trabajo requiere una valoración de proporciones de tamaño (carpinteros,
dentistas, sastres, cirujanos, etc.), desarrollan una gran facilidad para la
percepción de la proporción. A los pensadores creativos, en todos los campos,
les resulta útil poder ver los árboles y el bosque al mismo tiempo.
La
proporción en la pintura está relacionada con Representación de las dimensiones de un objeto. En las líneas realizadas sobre el papel, es decir,
lo que vemos grande lo representamos más pequeño, manteniendo las diferencias
en las dimensiones que existen en el modelo original.
Con eso
queremos decir que intentaremos mantener el tamaño de los objetos que dibujamos
en una relación particular. Imaginemos que vamos a dibujar a un hombre con un
ramo de flores en las manos, y luego dibujaremos al hombre más pequeño de lo
que realmente es. También reduciremos el tamaño de las flores en relación Al
tamaño dado al hombre.
Esto
significa que en nuestro dibujo debemos mantener la misma proporción de
métricas para que estos elementos sean proporcionados. El problema empieza
cuando queremos reducir o aumentar las proporciones al tamaño del papel que
vamos a trabajar.
Hay problemas proporcionales en cualquier pintura, ya sea naturaleza muerta, paisaje, pintura de figuras o retrato, y si el estilo es realista, abstracto o completamente no objetivo (es decir, sin formas familiares del mundo exterior). La pintura realista, en particular, se basa en gran medida en proporciones precisas. Porque Es muy eficaz para el entrenamiento ocular. Hasta que consiguen ver las cosas como son, con sus justas proporciones relativas.
La mayoría
de los estudiantes principiantes tienen problemas con la proporción: dibujan
ciertas partes que son demasiado grandes o demasiado pequeñas en relación con
la forma completa. La razón, al parecer, es que la mayoría de nosotros tendemos
a ver las partes jerárquicamente.
Ver un objeto
por partes puede ocasionar que lo veamos más grande de lo que realmente es. Lo
mismo ocurre con las piezas que decidimos Que son mayores, o creemos que deberían ser así
y viceversa: las partes que no consideramos importantes, o que decidimos que
son pequeñas, o que pensamos que deberían ser más pequeñas, llevándonos al
error de considerarlas como si fueran más pequeños de lo que realmente son.
Las imágenes
bidimensionales poseen dos (bi) dimensiones, alto y ancho, se desarrollan
en soportes planos por medio del dibujo, la pintura, el grabado, la fotografía,
el cine, el video...aunque algunas puedan sugerir,
gracias a diferentes recursos (perspectiva, claroscuro...), la tercera
dimensión.
En
las imágenes tridimensionales podemos apreciar de manera tangible el
volumen, poseen las tres dimensiones del espacio (alto, ancho y profundidad):
maquetas, relieves, escultura y arquitectura.
Esta fotografía
(imagen plana) nos muestra un grupo escultórico con un fondo arquitectónico, la
obra arquitectónica y la escultórica se caracterizan por desarrollarse en el
espacio tridimensional, las luces y las sombras, junto con las variaciones del
color captadas por la cámara fotográfica nos sugieren su tridimensionalidad.
Este dibujo
realizado a carboncillo sobre un soporte plano (imagen plana) nos sugiere
el volumen gracias a la técnica del claroscuro.
El claroscuro es la técnica
permite sugerir el volumen y tridimensionalidad de los objetos
representados, creando zonas de luces y sombras por medio de diferentes
tonalidades de grises, junto con el blanco y el negro.
3.
Impresionismo
Te explicamos qué
es el impresionismo, cómo es su contexto histórico y sus características.
Además, los representantes y el arte impresionista.
El
impresionismo intentaba pintar la luz en el momento exacto en que
observaban el mundo.
¿Qué es el Impresionismo?
Se conoce como impresionismo
a uno de los principales movimientos artísticos del siglo XIX, especialmente en
el género de la pintura, que aspiraba a reproducir en sus obras la
“impresión” vital del mundo a su alrededor, es decir, intentaba pintar
la luz en el momento exacto en que observaban el mundo. En
esto rompió con sus predecesores, que favorecían las figuras plenas e
identificables y fue un movimiento clave en el desarrollo de las artes en Europa –y
sobre todo en Francia- y sentó las bases para movimientos posteriores como el
postimpresionismo y las vanguardias.
El nombre de impresionista se
empleó también para otras artes, como la música o la literatura,
o también la escultura y arquitectura, a pesar de que sus rasgos definitorios son bastante
particulares de la pintura. Esto es posible debido a que la
filosofía del impresionismo podía interpretarse como un afán por imitar la
realidad y, en todo caso, por concebir el arte como fruto de un
proceso racional, algo que iba de la mano del positivismo, doctrina de pensamiento que
imperaba en la sociedad
burguesa del siglo XIX.
Los preceptos del
impresionismo fueron objeto de oposición por parte del expresionismo, nacido a finales del siglo XIX como una reacción a favor
de la subjetividad artística y las necesidades expresivas interiores del ser humano.
Contexto
histórico del impresionismo
Édouard Manet sentó las bases para el surgimiento del impresionismo.
El término
“impresionista” se le atribuye al crítico de arte francés Louis Leroy, quien lo habría empleado de manera despectiva, frente a
un cuadro de Monet llamado Impresión, sol naciente (1873), expuesto junto a los
cuadros de otros artistas jóvenes en el Salón de Artistas Independientes de
París entre abril y mayo de 1874. Jugando con el título del cuadro, Leroy
arremetió en la prensa contra los treinta y nueve “pintores impresionistas”
expuestos, dándole nombre sin saberlo al movimiento.
Sin embargo, el impresionismo
gozó de aceptación en los circuitos artísticos europeos de la época. La París
de la época era lugar de peregrinación artística para Europa toda, y allí tuvieron
lugar numerosas exposiciones universales, por lo que el movimiento nació en el
mero centro del arte del momento.
Tuvo como precursores
a los paisajistas ingleses románticos de inicios del siglo XIX, para los que eran frecuentes las escenas que trascendieran
la forma, tales como J. M. William Turner y John Constable. Sin embargo, será
Édouard Manet quien siente propiamente las bases para el surgimiento del
impresionismo.
Características
del impresionismo
Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y colores para los métodos pictóricos.
El impresionismo aspiraba
a plasmar la luz en sus pinturas, mediante la combinación de colores y
pinceladas, en vez de formas y siluetas. La pincelada impresionista,
bautizada posteriormente como “pincelada gestáltica”, era breve y usaba colores puros,
sin importar que en solitario no fueran pertinentes al modelo real, ya que una
vez completa la imagen, se podría percibir globalmente la obra y reproducir así
una totalidad bien definida, con mucha luminosidad y vibrancia. Esta técnica
inspiraría posteriormente a los neoimpresionistas o puntillistas.
Otro de los avances del
impresionismo fue la creación de nuevos pigmentos para obtener
colores más puros. Gracias a ello los pintores pudieron replantear
muchas leyes cromáticas de la época, entendiendo el color en relación a sus
acompañantes y al contraste que con ellos generan. Por eso los impresionistas
hacían juegos de sombra rompiendo con la dinámica usual del
claroscuro, en favor de sombras hechas con colores complementarios que dotaban
de mayor profundidad a la obra.
De modo similar, los
impresionistas relegaron la forma a un segundo plano, prefiriendo explorar en
cambio los paisajes. Los panoramas abiertos permitían la justa de luz y
colores para sus métodos pictóricos.
Los principales
representantes del Impresionismo fueron:
·
Édouard Manet (1832-1883). Aunque nunca
perteneció formalmente al grupo.
·
Edgar Degas (1834-1917). Miembro fundador
del grupo.
·
Claude Monet (1840-1926). Miembro fundador
del grupo.
·
Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Miembro
fundador del grupo.
·
Berthe Morisot (1841-1895). También fundadora
del grupo.
·
Francesco Filippini (1841-1870). Fundador
del impresionismo italiano.
4. VIDEO0S:
Actividad 1: (elaborar un
ensayo sobre el dibujo).
1. 1. Historia del dibujo –
https://www.youtube.com/watch?v=UwBWCw62WYM
ü
(Anexo guía de actividades).
Ensayo de los videos de la historia del dibujo,
y el dibujo, concepto y clasificación.
Nota:
de los dos videos realizar un resumen.
ü
(Anexo guía de actividades).
ü VIDEO0S:
1. Cómo hacer un ensayo. te muestro un
ejemplo para elaborar los apartados –
Actividad 2: (elaborar un mapa
conceptual sobre el dibujo).
ü Explicación de un mapa conceptual en apps de Canva.
ü VIDEO0S:
ü Cómo hacer un mapa conceptual en canva - https://www.youtube.com/watch?v=25OGxedawkQ
MODULO 2
ü Actividad 1: Explicación ejercicios en
base los conceptos básicos del dibujo artístico, utilizando los conceptos sobre los Fundamentos
del dibujo: composición,
equilibrio, proporción, planos bidimensionales y tridimensionales, y la técnica de impresionismo a
lápiz. Aplico los recursos expresivos adecuados para expresar impresiones,
sentimientos y pensamientos mediante la interpretación plástica. (ejercicios en el cuaderno).
a. tramas
b. Dibujos con líneas y curvas
c.
Dibujos con equilibrio:
simetria y asimetria
d.
Dibujos con bidimensionales y
tridimensionales
e. Impresionismo
MODULO 3
ü VIDEO0S:
1.
Técnica
de dibujo y coloreado: Rayado y puntillismo - https://www.youtube.com/watch?v=ID3QPv6dBfI
ü
(Anexo guía de actividades).
ü Actividad
1: Aplica y maneja de las técnicas, con
los materiales recomendados, para una obra de arte.
ü (TECNICA DE RAYONISMO)
ü (TECNICA DE RAYONISMO)
ü Actividad
2:
·
Descripción
y análisis de una obra de arte del pintor y dibujante LUIS CABALLERO.
·
Bibliografía
de Luis Caballero.
·
Preguntas
y respuestas, de la vida y obra del pintor.
Mi reflexión
Reflexiones sobre el
dibujo Armando Montoya López Lo importante para quien dibuja no es tener la
mano preparada para rayar, es tener el cerebro presto para establecer
relaciones, para descubrir las que existen y para crear unas nuevas. Roberto
Echeto Trazar líneas no ha dejado de ser una estrategia de comunicación cuando
las palabras no son suficientes para hacernos entender. Quien dibuja puede
aclarar, procesar, prever y transmitir sus ideas con eficacia; quien dibuja
domina una experiencia visual, y conserva el momento en que sucede como una
forma de poseer la realidad. El dibujo, en su condición de lenguaje expresivo
autónomo, permite identificar dos vertientes como vías alternativas para
encontrar su sentido más allá de manipular el lápiz, dando prioridad al
pensamiento sobre la mano. “La cabeza está primero que el lápiz”, decía
Bernardo Salcedo para advertir esta supremacía. Una de estas vertientes
reafirma los elementos de tradición formal del dibujo —punto, línea, trama—
como expresión que goza de muy buena salud. La técnica y sus formas de
representación están determinadas por su propia sintaxis y pueden ser definidas
como “trabajos en papel”, pero tratados a la luz de nuestra propia
contemporaneidad, esto es con imágenes nuevas relacionadas con el contexto que
les da origen.
NOTA:
Escribe tu propia reflexión sobre lo que aprendiste en esta
guía, tus ventajas y desventajas en el dibujo artístico.
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo
artístico
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora la
conceptualización, en base los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los recursos expresivos adecuados para
expresar impresiones, sentimientos y pensamientos mediante la interpretación
plástica. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia
los conocimientos en base los conceptos
sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los
recursos expresivos adecuados para expresar impresiones, sentimientos y
pensamientos mediante la interpretación plástica., en su conceptualización. |
|
BASICO |
Reconoce
y asimila los conceptos en base los
conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los recursos expresivos adecuados para
expresar impresiones, sentimientos y pensamientos mediante la interpretación
plástica., en su conceptualización. |
|
BAJO |
Se le dificulta valorar la conceptualización, los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico
los recursos expresivos adecuados para expresar impresiones, sentimientos y
pensamientos mediante la interpretación plástica., en su conceptualización. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora, ejercicios de los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los recursos expresivos adecuados para
expresar impresiones, sentimientos y pensamientos mediante la interpretación
plástica, en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia
los conocimientos en base a ejercicios de los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. Aplico los
recursos expresivos adecuados para expresar impresiones, sentimientos y
pensamientos mediante la interpretación plástica, en el arte. |
|
BASICO |
Aplica
y practica en su cuaderno, ejercicios de
los conceptos sobre los Fundamentos del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz. |
|
BAJO |
Se le dificulta practicar en su
cuaderno, ejercicios de los conceptos básicos
sobre los Fundamentos
del dibujo: el boceto, composición, equilibrio,
proporción, planos bidimensionales y tridimensionales,
y la técnica de impresionismo a lápiz |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora, en una obra de
arte, los
conceptos básicos del dibujo artístico,
utilizando el punto, la línea, el contorno, forma, volumen, textura, tramas,
rayonismo y puntillismo, en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla y amplia
los conocimientos en una obra de arte, sobre los conceptos básicos del dibujo artístico, utilizando el punto,
la línea, el contorno, forma, volumen, textura, tramas, rayonismo y
puntillismo, en el arte. |
|
BASICO |
Aplica
y practica en una obra de arte, los conceptos básicos
del dibujo artístico, utilizando el punto, la línea, el contorno, forma,
volumen, textura, tramas, rayonismo y puntillismo, en el arte. |
|
BAJO |
Se le dificulta crear una obra de arte de |
LINCOGRAFÍAS:
1.
https://dibujo.net/dibujo-artistico/
3.
https://www.significados.com/impresionismo/
RUBRICA DE EVALUACION
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1.
PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2.
CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3.
CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO: Corresponde
a la necesidad de evaluar los resultados de la aplicación del currículo al
final de la actividad y durante el programa. Al establecer el nivel de
comprensión de los estudiantes de lo enseñado de sus actitudes y sentimientos
con relación a las guías didácticas de artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a.
Materiales |
Calidad y
variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados ya
los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento de
la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada para
la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño y
formato adecuado a la técnica |
|
f. Ejecución |
Limpieza y
cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza y
cuidado para la presentación |
|
2. Como objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión del
volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las fuentes de
luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con las
fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía y
diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado, contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f. Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo y
fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.
Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los
objetos y personajes |
Diversidad de
objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En concordancia
con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos
representados |
Representación
apropiada |
|
f. Carácter simbólico
general |
Grueso de la
representación simbólica |
|
2.3.
Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos
representados |
Los personajes
y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos
que representa la obra |
La obra se
muestra alegre, triste, melancólica, etc.. Y lo expresa claramente |
|
2.4.
Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La obra de arte
presenta características innovadoras, respecto a la producción del estudiante
o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El estudiante
tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La obra agrupa
una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las ideas no
han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
ESCALA DE VALORACION
NACIONAL E INSTITUCIONAL Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La evaluación valora la
dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del estudiante, y se describe
de manera conceptual y cuantitativa acorde con la categoría y escala nacional
establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA
NACIONAL |
ESCALA
CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS
|
|
DESEMPEÑOS
|
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo
que hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes
actividades en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con
experiencias vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO
|
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN ARTES PLASTICAS
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