INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
DIBUJO ARTISTICO
GRADO UNDECIMO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 1 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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|
PERIODO:
1 |
ENERO
17 DE 2025 |
17
DE ABRIL DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
|
PROCEDIMENTAL
|
ACTITUDINAL
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PRIMERO |
Identidad
y cultura |
DIBUJO
ARTISTICO |
Historia
del dibujo, los apuntes de la figura humana en movimiento, como dibujar la
figura humana en movimiento. |
Competencia
cognitiva, técnica, y creativa. |
Identifica y describe los
principales periodos históricos del dibujo y su evolución. Comprende los principios
básicos de la anatomía humana y su relación con el movimiento. Comprende las proporciones
básicas del cuerpo humano (por ejemplo, la regla de las 8 cabezas). |
Muestra interés y respeto por
las manifestaciones artísticas del pasado. Demuestra paciencia y
perseverancia al practicar la figura humana en movimiento. Muestra curiosidad y dedicación
en el estudio de la anatomía humana. |
Investiga y recopila
información sobre la historia del dibujo de manera organizada. Realiza apuntes rápidos
(sketches) de figuras humanas en movimiento, capturando la esencia del gesto. Realiza ejercicios de encaje
para estructurar correctamente la figura humana. |
|
CONOCIMIENTOS PREVIOS
DIBUJO ARTISTICO
|
área |
Educación
artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime
EVER Muriel |
Tiempo total |
10
semanas |
|
ESTANDAR: Los estándares de dibujo artístico para el grado undécimo
deben enfocarse en el desarrollo de habilidades técnicas, conceptuales y
creativas, así como en la comprensión histórica y teórica del arte. A
continuación, se presentan estándares específicos para los temas de historia del dibujo, apuntes de la figura humana en movimiento y cómo dibujar la figura humana en movimiento, alineados con las competencias artísticas y
educativas propias de este nivel. COMPETENCIAS ESPECIFICAS: En el grado undécimo, las competencias específicas
relacionadas con la sensibilidad, la apreciación estética y la comunicación son fundamentales para el desarrollo
integral de los estudiantes en el ámbito artístico. Estas competencias no
solo fomentan la capacidad de crear, sino también de percibir, interpretar y
comunicar el arte de manera crítica y reflexiva. A continuación, se detallan
estas competencias: 1.LA
SENSIBILIDAD: La
sensibilidad artística se refiere a la capacidad de percibir, interpretar y
emocionarse ante las manifestaciones artísticas y el entorno visual. En el
grado undécimo, los estudiantes deben:
·
Desarrollar una mirada
crítica y perceptiva: Observar
y analizar detalles, formas, colores, texturas y composiciones en obras de
arte y en el entorno. ·
Conectar con las
emociones y sentidos: Expresar
y reconocer emociones a través del arte, tanto en la creación como en la
apreciación de obras. ·
Valorar la diversidad
cultural: Reconocer y respetar las
diferentes expresiones artísticas y culturales, ampliando su perspectiva
sobre el arte. ·
Experimentar con la
intuición y la creatividad: Dejar
fluir su imaginación y sensibilidad para crear obras que reflejen su mundo
interior. 2.La apreciación estética: La
apreciación estética implica la capacidad de valorar y analizar las
cualidades artísticas y estéticas de una obra. En el grado undécimo, los
estudiantes deben: ·
Analizar obras de arte: Identificar
elementos técnicos, conceptuales y estéticos en obras de diferentes épocas,
estilos y culturas. ·
Comprender el contexto
artístico: Relacionar las obras con
su contexto histórico, social y cultural, entendiendo su significado y
relevancia. ·
Desarrollar un criterio
estético: Formar opiniones
fundamentadas sobre lo que considera bello, interesante o significativo en el
arte. ·
Reflexionar sobre el arte
contemporáneo: Analizar y discutir las
tendencias actuales del arte, comprendiendo su impacto en la sociedad. 3.la
comunicación: La
comunicación artística se refiere a la capacidad de transmitir ideas,
emociones y mensajes a través del arte. En el grado undécimo, los estudiantes
deben: ·
Expresarse de manera
personal: Utilizar el dibujo y
otras técnicas artísticas para comunicar su visión del mundo, sus emociones y
sus ideas. ·
Crear narrativas
visuales: Desarrollar obras que
cuenten historias o transmitan mensajes claros y coherentes a través de la
composición, el color y la forma. ·
Presentar y defender su
trabajo: Exponer sus obras de
manera oral y escrita, explicando su proceso creativo, decisiones técnicas y
conceptuales. ·
Dialogar sobre arte: Participar
en discusiones y debates sobre obras propias y ajenas, compartiendo
perspectivas y aprendiendo de las opiniones de otros. Competencias Maristas:
Competencias socioemocionales: Los
colegios Maristas se caracterizan por integrar en su modelo educativo
valores como la solidaridad, el respeto, la responsabilidad y la
espiritualidad, junto con una formación académica de calidad. En el contexto
del dibujo artístico para el grado undécimo, las competencias Maristas se
alinean con estos principios, buscando no solo el desarrollo técnico y
creativo de los estudiantes, sino también su crecimiento personal y su
compromiso con la sociedad. A continuación, se presentan las competencias Maristas aplicadas al dibujo artístico en el grado undécimo: 1. Competencia
en Sensibilidad y Espiritualidad
·
Desarrollo de la
interioridad: Utilizar el dibujo como medio para
explorar y expresar su mundo interior, emociones y reflexiones espirituales. ·
Conexión con lo
trascendental: Crear obras que reflejen valores
humanos y espirituales, como la solidaridad, la esperanza y el amor al
prójimo. ·
Apreciación de la
belleza: Reconocer y valorar la belleza en el
arte y en la naturaleza como expresión de lo divino y lo humano. Competencias
ciudadanas: Las competencias ciudadanas en el contexto del dibujo artístico para el grado undécimo buscan fomentar en
los estudiantes habilidades y valores que les permitan participar de manera
activa, crítica y responsable en la sociedad. Estas competencias se integran
con el aprendizaje del dibujo artístico para promover la expresión creativa,
el respeto por la diversidad, la convivencia pacífica y el compromiso con el
bien común. A continuación, se detallan las competencias ciudadanas aplicadas
al dibujo artístico en el grado undécimo: 1. Competencia en
Convivencia y Paz
·
Respeto por la
diversidad: Representar en sus dibujos la
diversidad cultural, étnica, de género y social, promoviendo la inclusión y
el respeto por las diferencias. ·
Expresión no violenta: Utilizar
el dibujo como medio para comunicar ideas y emociones de manera constructiva,
evitando mensajes que fomenten la discriminación o la violencia. ·
Diálogo y empatía: Participar
en discusiones y actividades grupales donde se compartan y respeten
diferentes puntos de vista sobre temas artísticos y sociales. |
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|
competencia: Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia
expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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|
competencia: Competencia
creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
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|
competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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|
saber ser
(competencia
interpretativa) |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
HISTORIA DEL DIBUJO:
La historia del dibujo es un tema
fundamental en la formación artística de los estudiantes de grado undécimo, ya
que les permite comprender la evolución del dibujo como disciplina artística,
su importancia en diferentes culturas y épocas, y su influencia en el arte
contemporáneo. A continuación, se presenta un enfoque estructurado para abordar
la historia del dibujo en este nivel, incluyendo los aspectos clave, los
periodos históricos más relevantes y su relación con el contexto social y
cultural.
Objetivos de Aprendizaje
1.
Comprender la evolución del dibujo a través de la historia del
arte.
2.
Identificar los movimientos, técnicas y artistas más influyentes
en el desarrollo del dibujo.
3.
Relacionar el dibujo con su contexto histórico, social y
cultural.
4.
Valorar el dibujo como medio de expresión y comunicación en
diferentes épocas.
5.
Aplicar conocimientos históricos en la creación de obras
propias.
Contenidos Principales
1. Orígenes del Dibujo
·
Prehistoria:
o Dibujos rupestres en
cuevas (Altamira, Lascaux).
o Uso de pigmentos
naturales y técnicas rudimentarias.
o Función mágica,
religiosa y narrativa.
·
Antiguas Civilizaciones:
o Egipto: Dibujos en
papiros y murales, con un enfoque en la representación simbólica y la
proporción.
o Mesopotamia: Grabados
en tablillas de arcilla y relieves.
o Grecia y Roma: Dibujo
como base para la pintura y la escultura, con énfasis en la anatomía y el
realismo.
2. Edad Media
·
Arte religioso:
o Iluminación de
manuscritos (códices medievales).
o Dibujos en vitrales y
frescos.
·
Función del dibujo: Principalmente al
servicio de la religión y la enseñanza.
·
Técnicas: Uso de pluma y tinta, y pigmentos
naturales.
3. Renacimiento (Siglos XIV-XVI)
·
Revitalización del dibujo:
o Estudio de la anatomía
humana y la perspectiva.
o Uso del dibujo como
herramienta para la investigación científica y artística.
·
Artistas destacados:
o Leonardo da Vinci:
Estudios anatómicos y científicos.
o Miguel Ángel: Dibujos
preparatorios para esculturas y pinturas.
o Alberto Durero:
Perfeccionamiento de las técnicas de grabado.
·
Técnicas: Lápiz, carboncillo, tinta y
acuarela.
4. Barroco y Rococó (Siglos XVII-XVIII)
·
Expresión y dramatismo:
o Uso del claroscuro para
crear profundidad y emotividad.
·
Artistas destacados:
o Rembrandt: Maestro del
dibujo y el grabado.
o Peter Paul Rubens:
Dibujos preparatorios para pinturas.
·
Técnicas: Sanguina, tiza y pluma.
5. Siglo XIX: Romanticismo, Realismo e
Impresionismo
·
Romanticismo:
o Expresión de emociones
y subjetividad.
o Artistas como Eugène
Delacroix y Francisco de Goya.
·
Realismo:
o Representación fiel de
la realidad.
o Artistas como Honoré
Daumier y Jean-François Millet.
·
Impresionismo:
o Estudio de la luz y el
movimiento.
o Dibujos rápidos y
gestuales (Edgar Degas, Auguste Renoir).
6. Siglo XX: Vanguardias y Arte Contemporáneo
·
Modernismo y Vanguardias:
o Cubismo (Pablo Picasso,
Georges Braque): Descomposición de formas.
o Surrealismo (Salvador
Dalí, Joan Miró): Exploración del subconsciente.
o Expresionismo (Egon
Schiele, Käthe Kollwitz): Expresión de emociones intensas.
·
Arte Contemporáneo:
o Diversidad de técnicas
y estilos (dibujo digital, grafito, collage).
o Uso del dibujo como
medio de crítica social y exploración conceptual.
2.
Los Apuntes de la figura humana en
movimiento:
Los apuntes de la figura humana
en movimiento son una parte esencial del dibujo artístico en el grado
undécimo, ya que permiten a los estudiantes desarrollar habilidades de
observación, comprensión anatómica y expresión dinámica. Este tema se enfoca en
capturar la esencia del movimiento y la postura de la figura humana de manera
rápida y gestual, lo que es fundamental para el dibujo de figuras en acción, la
ilustración y el arte conceptual. A continuación, se presenta una guía
detallada para abordar este tema en el grado undécimo.
Objetivos de Aprendizaje
1.
Desarrollar la capacidad de observar y capturar el movimiento de
la figura humana de manera rápida y precisa.
2.
Comprender las proporciones anatómicas y la estructura del
cuerpo humano en diferentes posturas.
3.
Aplicar técnicas de línea, gesto y sombreado para representar el
dinamismo y la expresión corporal.
4.
Fomentar la práctica constante y la mejora continua en el dibujo
de figuras en movimiento.
Contenidos Principales
1. Proporciones Anatómicas Básicas
·
Regla de las 8 cabezas: División del
cuerpo humano en ocho partes iguales para mantener proporciones realistas.
·
Puntos clave: Identificación de
las articulaciones principales (hombros, codos, rodillas, caderas) y su
relación con el movimiento.
·
Estructura simplificada: Uso de formas
geométricas básicas (óvalos, cilindros) para representar el cuerpo en
movimiento.
2. Línea de Acción y Gestualidad
·
Línea de acción: Línea imaginaria
que define la dirección y el flujo del movimiento.
·
Gesto: Captura rápida de la postura y la
energía del movimiento, priorizando la fluidez sobre los detalles.
·
Dinamismo: Uso de líneas curvas y diagonales
para transmitir movimiento y vitalidad.
3. Posturas y Movimientos Comunes
·
Caminar y correr: Estudio del
equilibrio, el peso y la secuencia de movimientos.
·
Saltar y caer: Representación de
la tensión y la relajación muscular.
·
Giros y torsiones: Comprensión de la
rotación del torso y las extremidades.
4. Técnicas de Dibujo Rápido (Sketching)
·
Tiempos cortos: Ejercicios de 30
segundos a 2 minutos para capturar la esencia del movimiento.
·
Tiempos medios: Dibujos de 5 a 10
minutos para añadir detalles anatómicos y sombreado básico.
·
Tiempos largos: Estudios
detallados de 15 a 30 minutos para profundizar en la anatomía y la expresión.
5. Uso de Referencias
·
Modelos en vivo: Sesiones de
dibujo con modelos que adopten diferentes posturas dinámicas.
·
Fotografías y videos: Uso de imágenes
como referencia para estudiar movimientos complejos.
·
Espejos: Autoobservación para entender el
movimiento propio.
3.Como dibujar La figura humana en movimiento:
Dibujar la figura humana en movimiento es una habilidad
esencial en el dibujo artístico, especialmente para estudiantes de grado
undécimo que buscan desarrollar su capacidad para representar el cuerpo humano
de manera dinámica y expresiva. Este proceso implica comprender la anatomía,
capturar la energía del movimiento y aplicar técnicas de dibujo que transmitan
fluidez y realismo. A continuación, se presenta una guía paso a paso para
dibujar la figura humana en movimiento, junto con consejos y actividades
prácticas.
Pasos para Dibujar la Figura Humana en Movimiento
1. Observación y Preparación
·
Estudiar la anatomía: Familiarizarse
con las proporciones del cuerpo humano (regla de las 8 cabezas) y las
estructuras clave (huesos, músculos, articulaciones).
·
Analizar el movimiento: Observar cómo se
mueve el cuerpo en diferentes acciones (caminar, correr, saltar, bailar).
·
Usar referencias: Utilizar
fotografías, videos o modelos en vivo para estudiar posturas y movimientos
específicos.
2. Trazar la Línea de Acción
·
Definir la dirección: Dibujar una línea
imaginaria que represente la dirección y el flujo del movimiento (por ejemplo,
una curva para un salto o una diagonal para una carrera).
·
Simplificar la postura: Usar la línea de
acción como base para construir la figura, evitando detalles en esta etapa.
3. Esbozar la Figura con Formas Básicas
·
Cabeza: Representarla como un óvalo o
círculo.
·
Torso: Dibujarlo como un rectángulo o
cilindro, siguiendo la línea de acción.
·
Extremidades: Usar líneas
simples para los brazos y las piernas, y círculos para las articulaciones
(hombros, codos, rodillas).
4. Añadir Proporciones y Estructura
·
Dividir el cuerpo: Aplicar la regla
de las 8 cabezas para mantener las proporciones correctas.
·
Detallar las formas: Transformar las
formas básicas en volúmenes más definidos (por ejemplo, cilindros para los
brazos y las piernas).
5. Capturar el Gesto y la Expresión
·
Enfatizar el dinamismo: Usar líneas
fluidas y curvas para transmitir movimiento y energía.
·
Añadir detalles gestuales: Dibujar las
manos, los pies y el rostro de manera simplificada, pero expresiva.
6. Refinar el Dibujo
·
Ajustar las proporciones: Corregir
cualquier error en la anatomía o la postura.
·
Añadir sombreado: Usar técnicas de
sombreado para dar volumen y profundidad a la figura.
·
Detallar la ropa y el entorno: Si es necesario,
añadir prendas de vestir o elementos del entorno que complementen la acción.
Técnicas para Representar el Movimiento
1. Líneas de Acción y Gestualidad
·
Líneas fluidas: Usar trazos
sueltos y continuos para capturar la energía del movimiento.
·
Exageración controlada: Acentuar ciertas
posturas o ángulos para transmitir mayor dinamismo.
2. Uso del Espacio Negativo
·
Composición: Distribuir la
figura en el espacio de manera equilibrada, considerando el entorno.
·
Fondo: Usar trazos simples o sombreado para
sugerir el contexto sin distraer la atención de la figura.
3. Sombreado y Volumen
·
Claroscuro: Jugar con luces y sombras para
resaltar la tridimensionalidad del cuerpo.
·
Texturas: Usar diferentes técnicas de
sombreado (rayado, difuminado) para representar músculos y tejidos.
ACTIVIDAD CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte
conceptual y realiza un cuadro sinóptico en la aplicación de canva.
MOTIVACIÓN: valores maristas:
LAHUMILDAD
ACTIVIDAD 1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “QUE ES LA HUMILDAD DE UNA
PERSONA”, y realizar una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=KajWZqLEurI
ACTIVIDAD 2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LECTURA
CRITICA DE LA FIGURA HUMANA EN MOVIMIENTO, en tu cuaderno y contesta las
preguntas.
La lectura crítica de la
figura humana en movimiento es una actividad
que permite a los estudiantes de grado undécimo analizar, interpretar y
reflexionar sobre cómo se representa el cuerpo humano en acción en diferentes
contextos artísticos. Esta práctica no solo desarrolla su capacidad de
observación, sino que también fomenta el pensamiento crítico y la apreciación
estética. A continuación, se presenta una guía para realizar una lectura
crítica de la figura humana en movimiento, junto con preguntas que pueden
servir como punto de partida para el análisis.
Guía para la Lectura Crítica
1. Observación y Descripción
·
Identificar la figura: ¿Quién es el
sujeto representado? ¿Es una persona específica o una figura genérica?
·
Postura y movimiento: ¿Qué acción está
realizando la figura? ¿Cómo se representa el movimiento (líneas de acción,
gestualidad, dinamismo)?
·
Contexto: ¿Hay elementos en el entorno que
complementen o expliquen el movimiento (fondos, objetos, otras figuras)?
2. Análisis Técnico
·
Técnica utilizada: ¿Qué materiales y
herramientas se usaron (lápiz, carboncillo, tinta, pintura)?
·
Estilo artístico: ¿El dibujo
pertenece a un movimiento o estilo específico (realismo, expresionismo,
cubismo)?
·
Uso del espacio: ¿Cómo se
distribuye la figura en el espacio? ¿Hay equilibrio en la composición?
·
Luz y sombra: ¿Cómo se utilizan
el claroscuro y el sombreado para dar volumen y profundidad?
3. Interpretación y Significado
·
Intención del artista: ¿Qué mensaje o
emoción parece transmitir la figura en movimiento?
·
Simbolismo: ¿Hay elementos simbólicos en la obra
que refuercen el significado del movimiento?
·
Relación con el contexto histórico o cultural: ¿La obra refleja
alguna influencia cultural, social o histórica?
4. Valoración Personal
·
Impacto visual: ¿Cómo te hace
sentir la obra? ¿Te parece dinámica, expresiva o realista?
·
Originalidad: ¿Consideras que
la representación del movimiento es innovadora o tradicional?
·
Aplicación en tu propio trabajo: ¿Qué elementos de
la obra podrías incorporar en tus dibujos?
Preguntas para la Lectura Crítica
Sobre la Figura y el Movimiento
1.
¿Qué acción o movimiento está representando la figura?
2.
¿Cómo se captura la energía y el dinamismo en la obra?
3.
¿La figura parece estar en equilibrio o en desequilibrio? ¿Cómo
se logra este efecto?
4.
¿Qué elementos (líneas, formas, sombras) contribuyen a la
sensación de movimiento?
Sobre la Técnica y el Estilo
5.
¿Qué materiales y técnicas se utilizaron para representar la
figura en movimiento?
6.
¿Cómo se manejan las proporciones y la anatomía en la obra?
7.
¿El estilo artístico influye en la representación del
movimiento? ¿De qué manera?
8.
¿Cómo se utiliza el espacio negativo en la composición?
Sobre el Significado y el Contexto
9.
¿Qué emociones o ideas transmite la figura en movimiento?
10.
¿Hay algún elemento simbólico en la obra que refuerce su
significado?
11.
¿La obra refleja alguna influencia cultural, histórica o social?
¿Cómo?
12.
¿Cómo se relaciona esta representación del movimiento con otras
obras del mismo artista o movimiento artístico?
Sobre la Valoración Personal
13.
¿Qué aspectos de la obra te parecen más exitosos o interesantes?
¿Por qué?
14.
¿Hay algo en la obra que te resulte desafiante o confuso?
15.
¿Cómo podrías aplicar lo que has aprendido de esta obra en tus
propios dibujos?
16.
¿Crees que la obra logra su objetivo de representar el
movimiento de manera efectiva? ¿Por qué?
ACTIVIDAD 3:
Desarrollo de la actividad 3, Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de LA PERSISTENCIA, Salvador
Dalí, y contesta las siguientes preguntas:
Descripción de la Obra de Arte: La Persistencia de la Memoria (1931) de Salvador Dalí
Artista: Salvador Dalí
Estilo: Surrealismo
Técnica: Pintura al óleo sobre lienzo
Dimensiones: 24 cm × 33 cm
Ubicación actual: Museo de Arte
Moderno (MoMA), Nueva York.
Descripción General
La Persistencia de la
Memoria es una de las obras más icónicas del surrealismo y del
arte del siglo XX. En este cuadro, Dalí representa un paisaje onírico y
desolado, donde los relojes blandos y derretidos se convierten en el elemento
central. La obra combina elementos realistas con imágenes surrealistas, creando
una atmósfera de enigma y reflexión sobre el tiempo y la memoria.
Elementos Principales de la Obra
1.
Relojes Blandos:
o Tres relojes aparecen
derritiéndose sobre diferentes superficies: uno colgando de una rama, otro sobre
una superficie rectangular y otro sobre una figura amorfa.
o Los relojes, que
normalmente son rígidos y precisos, se representan deformados y flexibles,
sugiriendo la fluidez y subjetividad del tiempo.
2.
Paisaje Desolado:
o El fondo muestra un
paisaje árido y rocoso, inspirado en la costa de Port Lligat, Cataluña, lugar
donde Dalí vivía.
o El cielo es claro y
tranquilo, contrastando con la extrañeza de los objetos en primer plano.
3.
Figura Amorfa:
o En el centro de la
obra, una figura blanda y deforme, que algunos interpretan como un autorretrato
abstracto de Dalí, parece "derretirse" sobre la tierra.
o Esta figura añade un
elemento de misterio y surrealismo a la composición.
4.
Hormigas y Reloj Rígido:
o Un reloj rígido, el
único que no está derretido, aparece cubierto de hormigas, simbolizando la
decadencia y la corrosión del tiempo.
o Las hormigas son un
motivo recurrente en la obra de Dalí, asociadas con la muerte y la
descomposición.
5.
Colores y Luz:
o La paleta de colores es
cálida, con tonos ocres, amarillos y azules claros, creando una atmósfera
melancólica pero no oscura.
o La luz suave y difusa
contribuye a la sensación de intemporalidad y ensueño.
Interpretación
y Significado
·
El tiempo subjetivo: Los relojes
derretidos sugieren que el tiempo no es rígido ni absoluto, sino que se percibe
de manera subjetiva, especialmente en los sueños o en estados alterados de
conciencia.
·
La memoria y la fugacidad: El título La Persistencia de la
Memoria alude a cómo los recuerdos pueden distorsionarse o
"derretirse" con el paso del tiempo.
·
El surrealismo: La obra es un
ejemplo perfecto del surrealismo, un movimiento que busca explorar el
subconsciente y liberar la mente de las restricciones de la lógica y la razón.
Preguntas
para el Análisis Crítico
Sobre la Composición y los Elementos Visuales
1.
¿Qué elementos de la obra llaman más tu atención? ¿Por qué?
2.
¿Cómo se distribuyen los objetos en el espacio? ¿Hay un
equilibrio en la composición?
3.
¿Qué efecto produce el contraste entre los relojes derretidos y
el paisaje desolado?
Sobre el Simbolismo y el Significado
4.
¿Qué crees que representan los relojes derretidos? ¿Cómo se
relacionan con el concepto del tiempo?
5.
¿Qué significado podría tener la figura amorfa en el centro de
la obra?
6.
¿Por qué crees que Dalí incluyó hormigas en el reloj rígido?
¿Qué simbolizan?
Sobre el Estilo y la Técnica
7.
¿Cómo contribuyen los colores y la luz a la atmósfera de la
obra?
8.
¿Qué técnicas utiliza Dalí para crear una sensación de
surrealismo y ensueño?
9.
¿Cómo se relaciona esta obra con otros trabajos de Dalí o del
movimiento surrealista?
Sobre la Interpretación Personal
10.
¿Qué emociones o ideas te transmite esta obra? ¿Te parece
inquietante, melancólica o intrigante?
11.
¿Crees que el mensaje de la obra sigue siendo relevante en la
actualidad? ¿Por qué?
12.
Si pudieras modificar algo en la obra, ¿qué cambiarías y por
qué?
ACTIVIDAD 4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un mapa conceptual, observa el
video de:
“COMO DIBUJAR CUERPOS EN MOVIMIENTO”
https://www.youtube.com/watch?v=yEI_L9hKLSU
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de tipos de
líneas, volumen, tramas, puntillismo.
Historia del dibujo:
Los
Apuntes de la Figura Humana en Movimiento
Como dibujar la figura humana en movimiento a lápiz:
Saber hacer (competencia
propositiva)
|
|
competencia: Competencia creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear
nuevas y significativas realidades artísticas. competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón
prensado elaborar trabajos creativos, de dibujo de la figura humana con
la técnica del lápiz 6b y lápices de colores
Los
Apuntes de la Figura Humana en Movimiento
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma óptima sabe y valora la conceptualización explicando con claridad y detalle la
evolución del dibujo a través de las diferentes épocas históricas,
mencionando movimientos, artistas y técnicas relevantes, captura con gran
precisión la postura y el movimiento de la figura humana, utilizando líneas
de acción fluidas y gestualidad expresiva, Domina el uso del lápiz para crear
líneas fluidas, sombreado detallado y contrastes efectivos. Domina el
uso del lápiz para crear líneas fluidas, sombreado detallado y contrastes
efectivos. |
|
ALTO |
Desarrolla
y amplia los conocimientos relacionando el dibujo con algunos aspectos
culturales o sociales, pero sin profundizar demasiado, mantiene las
proporciones anatómicas en la mayoría de los casos, con algunos errores
menores, representa la figura humana en movimiento con proporciones correctas
en la mayoría de los casos, con algunos errores menores. |
|
BASICO |
Reconoce algunos
aspectos culturales o sociales, pero sin establecer conexiones claras, comete
errores en las proporciones anatómicas y la estructura del cuerpo, utiliza el
lápiz de manera básica, con líneas y sombreado simples, pero con poca
precisión y detalle. |
|
BAJO |
Se le dificulta valorar la conceptualización, no logra identificar periodos históricos o
artistas relevantes, ni explicar sus características, comete errores graves
en las proporciones anatómicas y la estructura del cuerpo, no transmite
dinamismo o emoción, mostrando un nivel técnico y creativo deficiente. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma excelente sabe elaborar ejercicios prácticos, dominando y recreando las técnicas
históricas (por ejemplo, sombreado renacentista o líneas expresionistas) con
precisión y creatividad, mantiene las proporciones anatómicas y la estructura
del cuerpo en diferentes posturas, y domina el uso del lápiz para crear
líneas fluidas, sombreado detallado y contrastes efectivos. |
|
ALTO |
Desarrolla
y aplica en ejercicios prácticos, recreando técnicas históricas con buena precisión,
pero con menos originalidad, mantiene las proporciones anatómicas en la
mayoría de los casos, con algunos errores menores, y utiliza el lápiz de
manera efectiva para crear líneas y sombreado, aunque con menos detalle y
precisión que el nivel superior. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios prácticos e intenta recrear técnicas históricas, pero
con errores y poca precisión, comete errores en las proporciones anatómicas y
la estructura del cuerpo, y transmite poco dinamismo o emoción, mostrando un
nivel técnico y creativo básico. |
|
BAJO |
Se le dificulta practicar en su cuaderno realizar ejercicios
prácticos, no logra
recrear técnicas históricas de manera efectiva, comete errores graves en las
proporciones anatómicas y la estructura del cuerpo, y no transmite dinamismo
o emoción, mostrando un nivel técnico y creativo deficiente. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
En forma perfecta aplica y crea nuevas obras de arte que reflejan una comprensión profunda de movimientos
artísticos o artistas históricos, integrando técnicas y estilos de manera
innovadora, captura con gran precisión la postura y el movimiento de la
figura humana, utilizando líneas de acción fluidas y gestualidad expresiva, y
domina el uso del lápiz para crear líneas fluidas, sombreado detallado y
contrastes efectivos. |
|
ALTO |
Desarrolla,
aplica y crea nuevas obras de arte que reflejan una comprensión clara de
movimientos artísticos o artistas históricos, aplicando técnicas y estilos de
manera efectiva, aunque con menos profundidad que el nivel superior, mantiene
las proporciones anatómicas en la mayoría de los casos, con algunos errores
menore, y comete errores en las proporciones anatómicas y la estructura del
cuerpo. |
|
BASICO |
Reconoce, aplica y crea nuevas obras de arte reflejan una comprensión básica de
movimientos artísticos o artistas históricos, aplicando técnicas y estilos de
manera general, con algunas limitaciones, comete errores en las proporciones
anatómicas y la estructura del cuerpo, y utiliza el lápiz de manera básica,
con líneas y sombreado simples, pero con poca precisión y detalle. |
|
BAJO |
Se le dificulta crear una obra de arte, no logra crear obras que reflejen una
comprensión de movimientos artísticos o artistas históricos, comete errores
graves en las proporciones anatómicas y la estructura del cuerpo, y no
transmite dinamismo o emoción, mostrando un nivel técnico y creativo
deficiente. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Historia
del dibujo
https://mott.pe/noticias/conoce-la-historia-del-dibujo-en-sus-distintas-etapas/
2. Dibujar
la figura humana
https://www.ttamayo.com/2020/01/dibujar-la-figura-humana/
3. Que
es la figura humana
|
RECURSOS,
FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE EVALUACIÓN |
|
RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las
competencias asociadas a la educación artística son habilidades,
conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que
deben tener unos dominios específicos. en este sentido, el conjunto de
conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son
responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres
competencias de cuyo desarrollo se ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos
inherentes a las prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en
el ambiente característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es
pertinente hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han
denominado “cognición situada” Por
otra parte, es necesario aclarar que las tres competencias específicas se
abstraen aquí como ámbitos separados únicamente para efectos de su abordaje
conceptual y pedagógico. se supone que de hecho están presentes e integradas
y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante, incluso en
el examen de un mismo producto o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe
aclararse que en este documento orientaciones pedagógicas para la educación
artística en básica y media se requiere analizarlas por separado, aunque en
el acto de enseñanza aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y
compleja. a continuación, se presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO
CORPORAL Autocuidado Lenguaje
corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La
evaluación la evaluación constituye una actividad mediante la cual los
maestros tienen la oportunidad de monitorear los procesos de enseñanza y de
aprendizaje de sus educandos, en la búsqueda de afianzar, mejorar,
consolidar, valorar y complementar los aprendizajes de éstos. Al
respecto es conveniente recordar los rasgos fundamentales que caracterizan a
la evaluación con enfoque formativo (en los niveles de educación básica y
media) en el aula, tanto en el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas.
• se centra en la forma como el estudiante aprende,
sin descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta rúbrica,
evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La autoevaluación permite a los
estudiantes evaluar su propio trabajo. la coevaluación les permite evaluar
el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje: CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER Los criterios
de evaluación en el saber
ser para el Dibujo
Artístico en el grado undécimo,
enfocados en los temas de historia
del dibujo, los
apuntes de la figura humana en movimiento y cómo
dibujar la figura humana en movimiento, buscan
medir no solo el dominio técnico, sino también el desarrollo de actitudes,
valores y competencias socioemocionales en los estudiantes. Estos criterios
permiten evaluar cómo los estudiantes integran la sensibilidad, la reflexión
crítica, la creatividad y el compromiso en su proceso de aprendizaje. A
continuación, se presentan los criterios de evaluación para cada uno de estos
temas: 1. Historia del Dibujo
 Este tema busca que los estudiantes
comprendan la evolución del dibujo como expresión artística y su impacto en
la cultura y la sociedad. Criterios de evaluación:
Sensibilidad histórica y cultural: Demuestra respeto y valoración por las
diferentes manifestaciones artísticas a lo largo de la historia. Reflexiona sobre cómo las obras artísticas
reflejan emociones, ideas y valores en diferentes contextos históricos. Reflexión crítica: Analiza y contextualiza obras artísticas,
comprendiendo su significado y relevancia. Relaciona las obras históricas con
problemáticas sociales y culturales actuales. Identidad y conexión
emocional: Crea obras inspiradas en técnicas o estilos
históricos, conectando con las emociones y valores de la época. Expresa cómo las obras históricas influyen
en su propia identidad y visión del mundo. Instrumentos de evaluación:
Portafolio artístico: Incluye
obras creadas inspiradas en estilos históricos y reflexiones escritas sobre
su impacto emocional y cultural. Presentaciones orales: Explicación
de un movimiento artístico o artista relevante, demostrando comprensión y
conexión emocional. Debates: Participación
activa en discusiones sobre el papel del arte en la sociedad y su capacidad
para transformar realidades. 2. Los Apuntes de la Figura Humana en
Movimiento
 Este tema se enfoca en
desarrollar la capacidad de capturar la esencia del movimiento y la expresión
humana a través de apuntes rápidos. Criterios de evaluación:
Observación y empatía: Captura la dinámica y la
expresión emocional del movimiento humano en sus apuntes. Demuestra empatía hacia las
personas y sus movimientos, reflejando diversidad y expresividad. Expresión personal: Utiliza el dibujo como medio
para expresar emociones y percepciones personales. Desarrolla un estilo propio en
la representación del movimiento. Respeto por la
diversidad: Representa la diversidad de
cuerpos, posturas y expresiones humanas en sus apuntes. Participa en actividades
grupales con respeto y retroalimentación constructiva. Instrumentos de evaluación:
Cuaderno de apuntes: Registro
de observaciones y emociones relacionadas con el movimiento humano. Sesiones de dibujo en
vivo: Participación
activa en sesiones con modelos, demostrando habilidad y sensibilidad. Reflexiones escritas: Análisis
personal sobre el proceso de creación y la conexión emocional con los
apuntes. 3. Cómo Dibujar la Figura Humana en Movimiento
 Criterios de evaluación:
Perseverancia y
autogestión: Demuestra disciplina y paciencia en la
mejora de habilidades técnicas y creativas. Establece metas personales y trabaja de
manera constante para alcanzarlas. Creatividad e innovación: Experimenta con nuevas ideas y técnicas en
la representación del movimiento. Desarrolla obras originales que reflejen su
visión personal del movimiento humano. Comunicación visual: Utiliza el dibujo como medio para
transmitir ideas, emociones y mensajes de manera efectiva. Explica el proceso creativo y el mensaje
detrás de sus obras con claridad y coherencia. Instrumentos de evaluación:
Proyectos finales: Creación
de una serie de dibujos que representen figuras humanas en diferentes
acciones, integrando técnicas de sombreado y composición. Exposiciones: Presentación
de obras al público, explicando el proceso creativo y el mensaje detrás de
cada pieza. Autoevaluaciones: Reflexión
personal sobre el crecimiento artístico y emocional, identificando fortalezas
y áreas de mejora. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SABER Los criterios
y recursos de evaluación en
el saber saber para
el Dibujo Artístico en
el grado undécimo, enfocados en los temas de la
historia del dibujo, los
apuntes de la figura humana en movimiento y cómo
dibujar la figura humana en movimiento, buscan
medir no solo el dominio técnico, sino también la comprensión conceptual y la
aplicación práctica de los conocimientos adquiridos. A continuación, se
presentan los criterios de evaluación y
los recursos adecuados
para evaluar estos temas a través de ejercicios
prácticos. 1. Historia del Dibujo
 Criterios de evaluación:
·
Conocimiento teórico: Comprensión
de los principales movimientos artísticos, técnicas y materiales utilizados
en diferentes períodos históricos. ·
Análisis crítico: Capacidad
para analizar y contextualizar obras representativas de artistas destacados. ·
Aplicación práctica: Creación
de obras inspiradas en estilos o técnicas históricas, demostrando comprensión
y conexión emocional. Recursos de evaluación:
·
Portafolio artístico: Incluye
obras creadas inspiradas en estilos históricos y reflexiones escritas sobre
su impacto emocional y cultural. ·
Presentaciones orales: Explicación
de un movimiento artístico o artista relevante, demostrando comprensión y
conexión emocional. ·
Rúbricas: Herramientas
de evaluación que miden aspectos específicos, como la precisión histórica, la
creatividad y la reflexión crítica. 2. Los Apuntes de la Figura Humana en
Movimiento
|
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo enseñado
de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA NACIONAL |
ESCALA CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS |
|
DESEMPEÑOS |
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo
que hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes
actividades en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con
experiencias vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO |
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS