INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
LA PINTURA EN EL ARTE
GRADO UNDECIMO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 2 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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PERIODO:
2 |
AQBRIL
21 DE 2025 |
JUNIO 20 DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL
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PROCEDIMENTAL
|
ACTITUDINAL
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PRIMERO |
Identidad
y cultura |
LA
PINTURA EN EL ARTE |
Teoría
del color, figura humana en movimiento, el hiperrealismo. |
Competencia
cognitiva, técnica, y creativa. |
Evalúan el conocimiento teórico y
comprensión del arte y la pintura. ·
Identifica
y describe los elementos básicos de la pintura (color, forma, textura,
composición). ·
Explica
conceptos artísticos como perspectiva, claroscuro, teoría del color o estilos
pictóricos. ·
Analiza
obras de artistas relevantes y reconoce su influencia en su propio trabajo. ·
Interpreta
el mensaje o intención comunicativa en una pintura propia o ajena. |
Miden las habilidades técnicas y
prácticas en la ejecución de la pintura. ·
Utiliza
adecuadamente materiales y herramientas (pinceles, espátulas, acrílicos,
óleos, etc.). ·
Aplica
técnicas pictóricas según el estilo o proyecto (acuarela, óleo, acrílico,
esgrafiado, etc.). ·
Desarrolla
una composición equilibrada empleando elementos como proporción, ritmo y
armonía. ·
Experimenta
con mezclas de colores, texturas y soportes para lograr efectos deseados. ·
Realiza
correcciones y ajustes durante el proceso creativo para mejorar su obra. |
Valoran la disposición, valores y compromiso
en el proceso artístico. ·
Muestra
interés y motivación por explorar nuevas ideas y técnicas. ·
Trabaja
con responsabilidad y cuidado en el manejo de materiales y espacios. ·
Acepta
y aplica críticas constructivas para mejorar su trabajo. ·
Valora
el arte como medio de expresión personal y cultural. ·
Colabora
en proyectos colectivos respetando las ideas de los demás. |
¿QUE VOY APRENDER ¿
CONOCIMIENTOS PREVIOS
LA PINTURA EN EL ARTE
LA PINTURA EN EL ARTE
|
área |
Educación
artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime
EVER Muriel |
Tiempo total |
10
semanas |
|
ESTANDAR: El estándar del "saber
ser" en el ámbito conceptual de la teoría del
color se enfoca en la reflexión, valoración y
actitud crítica del estudiante hacia los fundamentos del color
y su aplicación en el arte. No solo se trata de conocer los conceptos, sino
de internalizarlos, apreciarlos y relacionarlos con su propia
práctica artística y contexto cultural. COMPETENCIAS
ESPECIFICAS: LA SENSIBILIDAD: Hace referencia a la agudeza sensorial y emocional para captar
detalles, matices y armonías en el entorno y en el arte. ·
Indicadores: o
Observa
y analiza los efectos de la luz y el color en la naturaleza (ej.: cambios de
tonalidad en un atardecer). o
Identifica
sutilezas en obras maestras (ej.: las transparencias en las acuarelas de
Turner o el tratamiento de la piel en los retratos de Rembrandt). o
Escucha
y valora críticas o interpretaciones ajenas sobre su trabajo. La apreciación estética: La apreciación
estética en la pintura es la capacidad de observar,
analizar, interpretar y valorar una obra de arte
más allá de su aspecto superficial. Implica comprender sus elementos
formales, su contexto histórico-cultural y su impacto emocional o intelectual.
Esta habilidad es fundamental tanto para artistas como para espectadores, ya
que enriquece la experiencia artística y fomenta una mirada crítica. la
comunicación: La pintura es una
forma de comunicación no verbal que transmite
ideas, emociones, historias y críticas sociales a través de elementos
visuales. A diferencia del lenguaje hablado o escrito, el arte comunica de
manera intuitiva, simbólica y sensorial. Competencias
Maristas: Los colegios Maristas, inspirados en los valores de San
Marcelino Champagnat, integran el arte (especialmente la pintura) como una
herramienta para el desarrollo humano, espiritual y social. Estas competencias no solo buscan
habilidades técnicas, sino también valores, reflexión crítica y compromiso
comunitario. 1. Competencias
Técnicas y Creativas
Objetivo: Desarrollar habilidades
artísticas con excelencia. ·
Manejo de materiales: Uso responsable de acrílicos,
óleos, acuarelas y técnicas mixtas. ·
Teoría aplicada: Composición, color, perspectiva y
estilos (figurativo, abstracto, etc.). ·
Proceso creativo: Desde el boceto hasta la obra
final, con énfasis en la originalidad. Competencias socioemocionales: La pintura, más allá
de su dimensión estética o técnica, es una poderosa herramienta para el desarrollo
socioemocional. En el contexto educativo (incluyendo
colegios Maristas), trabajar estas competencias a través del arte permite a
los estudiantes expresar emociones,
desarrollar empatía, gestionar conflictos y fortalecer su autoconcepto. Competencias
ciudadanas: 1. RESPETO A LA DIVERSIDAD Y LA INCLUSIÓN
·
Retratos multiculturales: Pintar personajes de diferentes
etnias, culturas o capacidades, valorando la riqueza de la diversidad humana. ·
Murales inclusivos: Crear obras colectivas donde cada
estudiante aporte elementos de su identidad personal o cultural. ·
Análisis crítico: Reflexionar sobre cómo el arte ha
sido usado para excluir o incluir grupos sociales a lo largo de la historia. 2. PARTICIPACIÓN Y RESPONSABILIDAD DEMOCRÁTICA
·
Arte colaborativo: Realizar proyectos grupales donde
se tomen decisiones democráticas sobre temas, técnicas y estilos. ·
Pintura como protesta o propuesta: Crear obras que aborden
problemáticas sociales (ej.: contaminación, desigualdad) y propongan
soluciones visuales. ·
Galería estudiantil: Organizar exposiciones donde los
estudiantes voten y seleccionen las obras que los representarán en la
comunidad escolar. |
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|
competencia: Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia
expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
|||
|
competencia: Competencia
creativa: genera
sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y
significativas realidades artísticas. |
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|
competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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|
saber ser
(competencia
interpretativa) |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
TEORIA DEL COLOR:
¿Qué es la teoría del
color?
El
fenómeno del color se ha convertido en el objeto de
estudio en varias disciplinas. Así, mientras los físicos estudian las ondas
luminosas para clasificar los colores, los químicos crean nuevos pigmentos, los
psicólogos investigan cómo el color influye en el comportamiento humano, los
fisiólogos exploran los efectos del color en el ojo y el cerebro.
Los
conocimientos sobre los colores se han recopilado en una guía práctica,
conocida como la teoría del color. Esta teoría explica
cómo se crean y combinan los tonos, así como su impacto en nuestras emociones y
experiencias visuales.
La
teoría del color se ha desarrollado a lo largo de la historia. Los filósofos de
la Antigua Grecia relacionaban los colores con los elementos de la naturaleza.
Durante el Renacimiento, Leonardo da Vinci y otros artistas empezaron a mezclar
los pigmentos, buscando combinaciones armoniosas y agradables. En 1676, Isaac
Newton realizó el experimento del prisma, demostrando que la luz blanca se
compone de 7 colores del espectro claramente distinguibles. Además, fue él quien
desarrolló el círculo cromático que ayudó a establecer la idea de colores
complementarios.
Características del
color
La
teoría del color usa términos específicos para describir diferentes aspectos de
un color y sus modificaciones. Veamos los principales.
Los
colores se dividen en dos categorías:
·
Los colores cromáticos son
el rojo, el amarillo, el naranja, el verde, el azul, el violeta y todas sus
mezclas.
·
Los acromáticos poseen
luminosidad, pero no tienen tono ni saturación. Incluyen el blanco, el negro y
todos los tonos del gris.
Cada
color tiene sus características básicas como:
·
El tono es un
color en su forma más básica. Generalmente, esto es a lo que nos referimos con
el nombre del color, como el rojo, el azul o el verde.
·
El matiz es
una variación sutil en un color cuando se mezcla con otro cercano en el
espectro.
·
La luminosidad,
también llamada claridad u oscuridad,
se determina por qué tan cercano está un color al blanco o al negro en el
espectro. Cuanto más se acerca al blanco, más luminoso es el tono.
·
La saturación describe
la pureza del color y su alejamiento del gris en el espectro. Por ejemplo, si
al color puro se le agrega un poco de gris de la misma luminosidad, el nuevo
color será menos saturado.
Círculo cromático
El
concepto básico en la teoría del color es el círculo cromático,
también llamado rueda de colores. Sirve como
representación visual de los colores del espectro. Su principal objetivo es
establecer las relaciones entre ellos, así como las armonías y los contrastes.
Para conocer más sobre el uso de la rueda de colores, te recomendamos leer
nuestro artículo ¿Qué
es un círculo cromático y cómo hacer uno? Mientras lo buscas, repasemos los
aspectos principales aquí.
Hoy
en día, se usa la rueda de colores creada por Johannes Itten, un artista y
profesor suizo. Su diagrama se divide en 12 sectores que incluyen:
·
Los colores primarios:
el azul, el amarillo y el rojo. Están situados en el centro del círculo y se
consideran básicos.
·
Los colores secundarios,
que se producen mezclando los colores primarios. Por ejemplo, el amarillo y el
rojo generan el color naranja.
·
Los colores terciarios resultan
de la combinación de los colores primarios con los secundarios que se ubican
uno al lado del otro en el diagrama. Son los colores como el verde amarillo o
el amarillo naranja.
Colores complementarios
Para
lograr efectos visuales impactantes en el diseño, se usan los colores
complementarios. Son los que se encuentran en lados opuestos de la
rueda de colores. Al combinarse, resaltan y contrastan entre sí de manera
llamativa. Sin embargo, el exceso de contraste puede resultar abrumador. Para
evitarlo, se recomienda que uno de los colores sea dominante y el otro sirva
para crear acentos.
Veamos
los ejemplos de pares de colores complementarios:
·
El rojo y el verde.
Son los tonos oficiales de la Navidad.
·
El azul y el naranja. Se
aplican en el diseño gráfico y la cinematografía para crear efectos visuales
llamativos.
·
El amarillo y el violeta. Se
usan juntos en la decoración de interiores y la moda.
·
El cian y el rojo. Al
combinar estos colores en la pantalla de una computadora, se logra un contraste
notable.
3. LA
FIGURA HUMANA EMN MOVIMIENTO:
Movimiento y equilibrio, la figura en movimiento
El
perfecto conocimiento del cuerpo humano, su estructura y composición
(esqueleto, masa muscular, articulaciones etc.…) son la base para que el
artista exprese el movimiento en sus dibujos. El equilibrio de masas (cabeza,
espalda, cadera, extremidades) y el conocimiento de los movimientos (giro,
traslación) serán los elementos que nos transmitirán el movimiento que queremos
reflejar.
El uso de líneas compositivos nos ayudará a la composición, ejes, óvalos,
triángulos, etc... serán el comienzo de nuestro boceto sin miedo a la
rectificación buscando formas compositivas equilibradas.
Dibujos de Andrew Loomis
El
movimiento de la figura humana como expresión artística se puede percibir de
dos formas, explícita o implícitamente.
1.1 Movimiento explícito
Una
pose con movimiento explícito será aquella en la que algunas partes se muestren
más individualizadas con respecto al conjunto. El esquema de una pose dinámica
comprende necesariamente más elementos para conseguir abocetar la forma y
colocación de los miembros.
1.2 Movimiento implícito
La pose estática, en cambio será aquella en la que
el conjunto domine y se imponga sobre cada una de las partes.Se puede
esquematizar mediante una forma que exprese una sola masa del cuerpo sin partes
exteriores a ella (un óvalo, rectángulo,triángulo...)
2.
EL HIPEREALISMO:
Una representación explícita de la realidad
Surgido a fines
de la década de 1960 en el continente europeo y en el
territorio estadounidense, el hiperrealismo tiene como movimientos precursores
al precisionismo y al arte pop. Se trata de una evolución o una
variante del fotorrealismo, el género basado en el desarrollo de cuadros
a partir de fotos.
Mientras que el
fotorrealismo apuntaba a lograr una imitación de las fotografías, dejando de
lado las emociones y otras cuestiones simbólicas, el hiperrealismo suma
complejidad a su representación, tratando de producir incluso una sensación
de realidad que no aparece en la fotografía.
Puede decirse
que el hiperrealismo persigue radicalmente la objetividad, pero también es una representación explícita de lo real. El artista debe dominar la técnica a la perfección para plasmar la
imagen de manera precisa.
La representación creada por el hiperrealismo, en
definitiva, es minuciosa y exacta. Además del dominio técnico, el pintor o
escultor debe contar con una importante agudeza visual. Hay una especie de
apropiación de lo visible en la obra hiperrealista. Aunque siempre tratándose,
a su vez, de una representación producida por la persona.
Exponentes del hiperrealismo
El español Antonio López, el chileno Claudio Bravo, el estadounidense Richard Estes, el argentino Enrique Sobisch y el italiano Roberto Bernardi son algunos de los principales
exponentes del hiperrealismo. Sus obras son admiradas por numerosos
críticos y amantes del arte en general.
El trabajo del
mencionado Estes, además de Chuck Close, Audrey Flack y Denis Peterson, por ejemplo, fue descrito por Graham Thompson como la creación de «pinturas que
parecen fotografías». Claro que, como se señala más arriba, no debemos
confundir el hiperrealismo con el fotorrealismo: esta comparación resulta
desfavorable porque nos impide ver la capa que agrega a la mera reproducción
fiel de los objetos materiales.
Proceso de creación
Dado que las
diferencias entre el hiperrealismo y el fotorrealismo no son aparentes para
cualquier observador, es necesario acentuarlas echando un vistazo al proceso de
creación de cada tipo de obra. Comencemos por el fotorrealismo, que es el más
fácil de entender: básicamente, se trata de una reproducción muy fiel de una
imagen, que persigue la imitación al punto de que se confundan la
fuente y la obra. Esto se aplica al día de hoy en las industrias del cine y el
videojuego, mediante el uso de gráficos tridimensionales.
El hiperrealismo
comienza de la misma forma: toma como fuente una imagen fotográfica. Pero aquí
se acaban las similitudes, puesto que no persigue el mismo objetivo, sino que la usa de referencia. Encima de la reproducción, un artista
perteneciente a este estilo suele agregar contenido propio, emociones y
mensajes que surgen de su propio punto de vista y que no se pueden encontrar en
el material de consulta.
El
hiperrealismo juega especialmente con las texturas y la iluminación
Claro que
también podríamos decir que estos matices sí están presentes en la imagen usada
como referencia, ya que sus sujetos y objetos tienen emociones, un contexto histórico, político, etcétera, y
que no pueden desprenderse de estos rasgos; la aclaración es necesaria, por lo
tanto, porque el fotorrealismo suele desechar dicho trasfondo para conseguir un
resultado más consistente, como si todos los elementos los hubiera creado el
artista.
Para conseguir
una obra que convenza al observador de estar viva, el hiperrealismo se apoya en
una serie de técnicas y tratamientos que manipulan sutilmente la imagen
original. Uno de los elementos más importantes es la iluminación, que por sí sola puede cambiar
completamente el carácter de una escena. Luego entran en juego las texturas y
la intensidad de las sombras.
ACTIVIDAD CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte
conceptual y realiza un afiche en la aplicación de canva.
ACTIVIDAD
1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “LA SENCILLEZ DE LA VIDA”, y
realizar una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=Y3XasfQZ2Po
PLAN
LECTOR:
(LIBROS SUGERIDOS PARA EL PERIODO)
ACTIVIDAD
2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LECTURA
CRITICA DE LA REPRESENTACION DE LA FIGURA HUMANA EN MOVIMIENTO EN EL ARTE
CONTEMPORANEO, en tu cuaderno y contesta las
preguntas. (ver guía anexa).
LA REPRESENTACIÓN DE LA FIGURA HUMANA EN MOVIMIENTO EN
EL ARTE CONTEMPORÁNEO
Características principales:
1. Ruptura con la estática tradicional:
·
Superación
de las poses rígidas y composiciones equilibradas
·
Exploración
de cuerpos en acción, caída o transformación
·
Uso
de técnicas que capturan secuencias de movimiento (influencia de la fotografía
y cine)
2. Técnicas y medios innovadores:
·
Instalaciones
con elementos móviles
·
Videoarte
y arte digital con figuras en movimiento
·
Esculturas
cinéticas (Alexander Calder, Rebecca Horn)
·
Performance
y body art (Marina Abramović, Bruce Nauman)
3. Temas recurrentes:
·
La
fragilidad del cuerpo
·
Movimientos
cotidianos vs. coreografiados
·
Límites
entre cuerpo y máquina
·
Danza
y expresión corporal
Artistas clave y ejemplos:
1. Eadweard Muybridge (Fotografía secuencial)
·
Estudios
científicos del movimiento humano
·
Serie
"Animal Locomotion" (1887)
2. Umberto Boccioni (Futurismo)
·
"Formas
únicas de continuidad en el espacio" (1913)
·
Representación
dinámica del cuerpo en movimiento
3. Marcel Duchamp (Desnudo bajando una escalera)
·
Fragmentación
del movimiento (1912)
4. Bruce Nauman (Videoarte)
·
"Walk
with Contrapposto" (1968)
·
Exploración
del movimiento repetitivo
5. William Kentridge (Animación)
·
Dibujos
en constante transformación
Preguntas:
1. Sobre la representación del movimiento:
·
¿Cómo
ha cambiado la tecnología nuestra forma de representar el cuerpo en movimiento?
·
¿Qué
diferencias fundamentales existen entre el movimiento capturado (foto/video) y
el movimiento sugerido (pintura/escultura)?
·
¿Cómo
afecta el movimiento a nuestra percepción de la figura humana?
2. Sobre cuerpo y temporalidad:
·
¿De
qué maneras el arte contemporáneo explora la relación entre movimiento y
tiempo?
·
¿Cómo
representan los artistas contemporáneos la fugacidad del movimiento humano?
·
¿Qué
nos dice sobre la condición humana esta obsesión por capturar el movimiento?
3. Sobre tecnología y cuerpo:
·
¿Cómo
ha influido la realidad virtual y aumentada en la representación del cuerpo en
movimiento?
·
¿Qué
nuevas posibilidades ofrecen los medios digitales para mostrar el movimiento
humano?
·
¿Estamos
presenciando una desmaterialización del cuerpo en movimiento en el arte
digital?
4. Sobre política del cuerpo:
·
¿Cómo
representan los artistas contemporáneos los cuerpos en movimiento en contextos
de migración o desplazamiento?
·
¿De
qué manera el arte del movimiento aborda temas de género, raza o discapacidad?
·
¿Qué
cuerpos quedan excluidos de estas representaciones dinámicas?
5. Sobre performatividad:
·
¿Dónde
está el límite entre movimiento representado y movimiento real en el arte performativo?
·
¿Cómo
ha cambiado el concepto de autoría cuando el movimiento del espectador completa
la obra?
·
¿Qué
papel juega el azar en las representaciones contemporáneas del movimiento
humano?
ACTIVIDAD
3:
Desarrollo de la actividad 3, Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de EL JARDIN DE LAS DELICIAS, de EL BOSCO, y contesta las siguientes preguntas:
(ver anexo en guía las preguntas).
ANÁLISIS
Y DESCRIPCIÓN DE EL JARDÍN
DE LAS DELICIAS DE EL BOSCO (h. 1490-1500)
Autor: Hieronymus Bosch (El Bosco)
Fecha: c. 1490-1500 (Renacimiento
nórdico, Países Bajos)
Técnica: Óleo sobre tabla (tríptico)
Ubicación actual: Museo del Prado, Madrid
DESCRIPCIÓN DETALLADA DE LA OBRA
1. Estructura del tríptico
·
Panel izquierdo (Paraíso Terrenal):
o Representa el Jardín del Edén con Dios
presentando a Eva a Adán.
o Animales reales y fantásticos conviven
en un paisaje utópico.
o Fuente central de la Vida, con
estructuras rosadas y formas orgánicas.
·
Panel central (El Jardín de las Delicias):
o Escena caótica de placeres carnales y
pecados.
o Cientos de figuras humanas desnudas en
actitudes lúdicas, eróticas o absurdas.
o Frutas gigantes, estructuras
transparentes y criaturas híbridas.
·
Panel derecho (Infierno):
o Paisaje nocturno de tormento eterno.
o Figuras sufriendo castigos simbólicos
(ej.: hombre-árbol devorando almas).
o Música infernal (instrumentos
convertidos en herramientas de tortura).
·
Exterior (cuando el tríptico está cerrado):
o Representa el tercer día de la Creación en grisalla (tonos grises),
mostrando un mundo antes de la vida humana.
ANÁLISIS CRÍTICO
1. Simbolismo y mensaje moral
·
Advertencia contra los pecados: La obra es una alegoría del pecado
(lujuria, gula, soberbia) y sus consecuencias.
·
Influencia religiosa: Refleja ideas medievales sobre el
Juicio Final y la redención, aunque con un enfoque único y enigmático.
2. Lo fantástico y lo real
·
Criaturas híbridas: Mezcla de humanos, animales y
objetos (ej.: hombre-pájaro, pez con patas).
·
Surrealismo avant-garde: El Bosco anticipa movimientos como
el surrealismo (Dalí lo admiró).
3. Sexualidad y tentación
·
Erotismo ambivalente: Las figuras desnudas no son
idealizadas, sino grotescas o irónicas.
·
Frutas y fluidos: Símbolos de placer efímero (fresas
= tentación, uvas = lujuria).
4. Posibles interpretaciones
·
Crítica social: Algunos ven una sátira de la
corrupción clerical y la decadencia humana.
·
Esoterismo: Teorías lo vinculan con alquimia o
sectas heréticas (los Adamitas).
PREGUNTAS:
1. Sobre el simbolismo:
·
¿Por
qué El Bosco representa el Paraíso con elementos tan extraños (fuente rosa,
criaturas híbridas)?
·
¿Qué
significan los instrumentos musicales en el Infierno?
2. Sobre género y cuerpo:
·
¿Cómo
se representan las figuras femeninas vs. masculinas en el panel central? ¿Hay
objetificación o igualdad en el pecado?
·
¿Por
qué la sexualidad se asocia con lo grotesco en esta obra?
3. Sobre religión y moral:
·
¿Es
esta una obra piadosa o subversiva para su época?
·
¿Cómo
contrasta con otras representaciones del Juicio Final (ej.: Miguel Ángel)?
4. Sobre legado artístico:
·
¿Qué
artistas modernos (Dalí, Ernst) podrían haberse inspirado en El Bosco?
·
¿Cómo
se leería hoy esta obra: como moralizante, surrealista o psicodélica?
5. Sobre técnica y composición:
·
¿Por
qué usar un tríptico en lugar de una sola escena?
·
¿Qué
efecto produce el caos visual del panel central?
ACTIVIDAD
4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un mapa conceptual, observa el
video de:
“LOS DETALLES Y ACABADOS EN LA PINTURA HIPERREALISTA EN UNA ROSA”,
https://www.youtube.com/watch?v=iGY2SUSAQH0
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de teoría del
color:
Teoría del color:
la figura humana en movimiento:
Saber hacer (competencia
propositiva)
|
|
competencia: Competencia creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear, proponer o
crear nuevas y significativas realidades artísticas. competencia: Competencia estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón
prensado elaborar trabajos creativos con la técnica del lápiz 6b, de
dibujo de un paisaje, bodegón, caricaturas.
Figura humana en
movimiento:
Figura humana en caricaturas:
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Explica
y amplia, la conceptualización de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo, desarrollando
un conjunto de habilidades cognitivas,
técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
ALTO |
Desarrolla la
conceptualización de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo desarrollando
un conjunto de habilidades cognitivas,
técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BASICO |
Reconoce la conceptualización de la teoría del color,
la figura humana en movimiento, el hiperrealismo
desarrollando un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BAJO |
Se le dificulta
valorar la conceptualización de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo desarrollando
un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Aplica y propone, en ejercicios
prácticos, con un dominio avanzado de
la teoría del color, la figura humana
en movimiento, el hiperrealismo con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en ejercicios prácticos, la
teoría del color, la figura humana
en movimiento, el hiperrealismo con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios
prácticos, la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo elementos innovadores que
van más allá de la representación en el arte. |
|
BAJO |
Se
le dificulta practicar
en su cuaderno y realizar ejercicios, en base a la
teoría del color, la figura humana
en movimiento, el hiperrealismo con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Domina e innova, en nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo desarrollando
su creatividad en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo desarrollando
su creatividad en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica, en nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la teoría del color, la figura humana en movimiento, el hiperrealismo desarrollando
su creatividad en el arte. |
|
BAJO |
Se
le dificulta crear nuevas obras de
arte, con base los al dominio de la
teoría del color, la figura humana
en movimiento, el hiperrealismo desarrollando su creatividad en el arte. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Teoría
del color
2. https://concepto.de/teoria-del-color/
3. Concepto
de la figura humana
https://www.ttamayo.com/2020/01/dibujar-la-figura-humana/
4. Concepto
hiprrealismo
https://definicion.de/hiperrealismo/
|
RECURSOS,
FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE EVALUACIÓN |
|
RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las
competencias asociadas a la educación artística son habilidades,
conocimientos y actitudes que se relacionan en contextos particulares, y que
deben tener unos dominios específicos. en este sentido, el conjunto de
conocimientos, habilidades, actitudes, comprensiones y disposiciones que son
responsabilidad de las artes en la escuela permite identificar tres
competencias de cuyo desarrollo se ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos
inherentes a las prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en
el ambiente característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es
pertinente hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han
denominado “cognición situada” Por
otra parte, es necesario aclarar que las tres competencias específicas se
abstraen aquí como ámbitos separados únicamente para efectos de su abordaje
conceptual y pedagógico. se supone que de hecho están presentes e integradas
y operan en todo momento de la actividad artística del estudiante, incluso en
el examen de un mismo producto o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe
aclararse que en este documento orientaciones pedagógicas para la educación
artística en básica y media se requiere analizarlas por separado, aunque en
el acto de enseñanza aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y
compleja. a continuación, se presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO
CORPORAL Autocuidado Lenguaje
corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La
evaluación la evaluación constituye una actividad mediante la cual los
maestros tienen la oportunidad de monitorear los procesos de enseñanza y de
aprendizaje de sus educandos, en la búsqueda de afianzar, mejorar,
consolidar, valorar y complementar los aprendizajes de éstos. Al
respecto es conveniente recordar los rasgos fundamentales que caracterizan a
la evaluación con enfoque formativo (en los niveles de educación básica y
media) en el aula, tanto en el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas.
• se centra en la forma como el estudiante aprende,
sin descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta rúbrica,
evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La autoevaluación permite a los
estudiantes evaluar su propio trabajo. la coevaluación les permite evaluar
el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje:
Indicadores:
·
Innovación: Uso
de enfoques creativos y soluciones originales en la composición y el estilo. ·
Expresión personal: Desarrollo
de un estilo propio que refleje la personalidad y visión del estudiante. ·
Experimentación: Exploración
de técnicas, materiales y conceptos nuevos. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER 1.
Teoría del color
Criterios de evaluación: ·
Dominio técnico: Uso correcto de la rueda cromática,
mezclas (primarios, secundarios, terciarios), y aplicación de conceptos como
temperatura (cálidos/fríos), contraste y armonía. ·
Creatividad: Originalidad en la composición y
selección de paletas. ·  ·
Análisis conceptual: Explicación de cómo el color influye en
el mensaje visual. ·
Presentación: Limpieza, precisión y terminación
adecuada. Recursos y ejercicios prácticos: ·
Ejercicio 1: Creación de una obra abstracta
usando complementarios para generar contraste. ·
Ejercicio 2: Pintura de un paisaje aplicando escala
de valores (claroscuro). ·  ·
Ejercicio 3: Análisis comparativo de obras de
artistas como Kandinsky o Mark Rothko,
donde el color sea el protagonista. Instrumentos de evaluación: ·
Rúbrica
que valore: técnica (40%), creatividad (30%), reflexión escrita (20%),
presentación (10%). 2.
Figura humana en movimiento
 Criterios de evaluación: ·
Anatomía y proporción: Precisión en la representación
del cuerpo (ej: líneas de acción, articulaciones). ·
Dinamismo: Sensación de movimiento mediante
trazos gestuales o técnicas como sfumato o esfumado. ·
Expresividad: Captación de la intención emocional o
narrativa del movimiento. ·
Técnica: Uso adecuado de materiales
(carboncillo, acrílico, tinta). Recursos y ejercicios prácticos: ·
Ejercicio 1: Dibujo rápido con modelo en vivo
(croquis de gestos en 1-2 minutos). ·  ·
Ejercicio 2: Obra inspirada en artistas como Degas o Egon
Schiele, enfatizando el movimiento. ·
Ejercicio 3: Secuencia de movimiento (ej: un salto)
en 3-5 viñetas. Instrumentos de evaluación: ·
Lista
de cotejo para verificar: proporciones, fluidez del trazo, uso
del espacio. ·
Autoevaluación
del estudiante sobre sus progresos. 3.
Hiperrealismo
 Criterios de evaluación: ·
Precisión técnica: Detalle minucioso, manejo de luz/sombra
y texturas. ·
Observación: Fidelidad al referente (fotografía u
objeto real). ·
Paciencia y proceso: Evidencia de etapas (boceto, capas,
acabados). ·
Innovación: Aunque sea un estilo realista, se
valora la selección de un tema personalizado. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SABER 1. Teoría del Color
Criterios de evaluación del "saber
hacer":  ✅ Aplicación de esquemas cromáticos (análogos, complementarios, triádicos). ✅ Uso expresivo del color (atmósfera, emociones, simbolismo). ✅ Dominio de mezclas y transiciones (degradados, saturación, valor). ✅ Experimentación con técnicas (veladuras, empastes, manchas controladas). Recursos y actividades prácticas: ·
🎨 Ejercicio 1: Creación de una obra abstracta
usando paletas emocionales (ej: colores cálidos
para "pasión", fríos para "melancolía"). · 🖌️ Ejercicio 2: Pintura de un bodegón aplicando contraste ·  c Complementario (ej: rojo-verde, azul-naranja). ·
📊 Ejercicio 3: Análisis comparativo de obras de Matisse
(Fauvismo) vs. Monet (Impresionismo) para discutir el uso del
color. Instrumentos de evaluación: ·
Rúbrica (Técnica 40%, Creatividad 30%,
Coherencia conceptual 20%, Presentación 10%). ·
Bitácora de proceso (registro de pruebas de color y
reflexiones). 2. Figura Humana en
Movimiento
Criterios de evaluación del "saber
hacer":  ✅ Precisión anatómica (proporciones, articulaciones, perspectiva dinámica). ✅ Captura del movimiento (líneas de acción, gestualidad, fluidez). ✅ Expresividad (carga dramática, intención narrativa). ✅ Técnica de representación (carboncillo, tinta, acuarela, digital). Recursos y actividades prácticas: ·
✏️ Ejercicio 1: Sketch rápido (30 seg - 2 min por pose) con
modelo en vivo o referencias de danza/ deportes. ·
🖼️ Ejercicio 2: Obra inspirada en Egon
Schiele (expresionismo) o Degas (bailarinas), explorando distorsión
expresiva. ·  ·
🎬 Ejercicio 3: Secuencia de movimiento en 4
viñetas (ej: un salto, un giro). Instrumentos de evaluación: ·
Lista de cotejo (verifica proporciones,
dinamismo, uso del espacio). ·
Autoevaluación (el estudiante identifica sus avances y
dificultades). 3. Hiperrealismo
 Criterios de evaluación del "saber hacer": Recursos y actividades prácticas: ·
🔍 Ejercicio 1: Zoom extremo (pintar un fragmento ampliado de
un objeto cotidiano, como una gota de agua o una textura de piel). ·
🖌️ Ejercicio 2: Réplica de una fotografía en blanco
y negro (para dominar valores tonales). ·
🎨 Ejercicio 3: Obra hiperrealista con toque
surrealista (ej: un objeto flotando, mezcla de escalas). CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER HACER 1. Teoría del Color
Criterios de evaluación del "saber
hacer":  ✅ Aplicación de esquemas cromáticos (análogos, complementarios, triádicos). ✅ Uso expresivo del color (atmósfera, emociones, simbolismo). ✅ Dominio de mezclas y transiciones (degradados, saturación, valor). ✅ Experimentación con técnicas (veladuras, empastes, manchas controladas). Recursos y actividades prácticas: ·
🎨 Ejercicio 1: Creación de una obra abstracta
usando paletas emocionales (ej: colores cálidos
para "pasión", fríos para "melancolía"). ·
🖌️ Ejercicio 2: Pintura de un bodegón aplicando contraste
 · c Complementario (ej: rojo-verde, azul-naranja). ·
📊 Ejercicio 3: Análisis comparativo de obras de Matisse
(Fauvismo) vs. Monet (Impresionismo) para discutir el uso del
color. Instrumentos de evaluación: ·
Rúbrica (Técnica 40%, Creatividad 30%,
Coherencia conceptual 20%, Presentación 10%). ·
Bitácora de proceso (registro de pruebas de color y
reflexiones). 2. Figura Humana en
Movimiento
Criterios de evaluación del "saber
hacer":  ✅ Precisión anatómica (proporciones, articulaciones, perspectiva dinámica). ✅ Captura del movimiento (líneas de
acción, gestualidad, fluidez). Recursos y actividades prácticas: ·
✏️ Ejercicio 1: Sketch rápido (30 seg - 2 min por pose) con
modelo en vivo o referencias de danza/ deportes. ·
🖼️ Ejercicio 2: Obra inspirada en Egon
Schiele (expresionismo) o Degas (bailarinas), explorando distorsión
expresiva. ·  ·
Lista de cotejo (verifica proporciones,
dinamismo, uso del espacio). ·
Autoevaluación (el estudiante identifica sus avances y
dificultades). 3. Hiperrealismo
 Criterios de evaluación del "saber hacer": Recursos y actividades prácticas: ·
🔍 Ejercicio 1: Zoom extremo (pintar un fragmento ampliado de
un objeto cotidiano, como una gota de agua o una textura de piel). ·
🖌️ Ejercicio 2: Réplica de una fotografía en blanco
y negro (para dominar valores tonales). ·
🎨 Ejercicio 3: Obra hiperrealista con toque
surrealista (ej: un objeto flotando, mezcla de escalas). ·
|
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1. PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos
correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2. CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3. CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo enseñado
de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE
EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
|
|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a. Materiales |
Calidad
y variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados
ya los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento
de la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada
para la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño
y formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza
y cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza
y cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión
del volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las
fuentes de luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con
las fuentes de luz. |
|
d. Color |
Armonía
y diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo
y fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad
de objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En
concordancia con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso
de la representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los
personajes y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La
obra se muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La
obra de arte presenta características innovadoras, respecto a la producción
del estudiante o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El
estudiante tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La
obra agrupa una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las
ideas no han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con aproximaciones
según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA NACIONAL |
ESCALA CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS |
|
DESEMPEÑOS |
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo que
hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes
actividades en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con
experiencias vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO |
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS