INSTITUCION
EDUCATIVA CHAMPAGANAT
AÑO
LECTIVO 2025
AREA DE EDUCACION ARTISTICA
LA PINTURA EN EL ARTE
GRADO OCTAVO
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AREA |
ASIGNATURA |
GRADO |
GUIA |
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EDUCACION ARTISTICA |
EDUCACION ARTISTICA (PINTURA) |
OCTAVO |
GUIA No. 2 |
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DOCENTE |
CORREO
ELECTRONICO |
NUMERO
DE CELULAR/WhatsApp |
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JAIME EVER MURIEL DESCANCE (MAESTRO EN
ARTES PLASTICAS) |
murieldescancej@gmail.com |
3152769683 |
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PERIODO |
FECHA
INICIAL |
FECHA
FINAL |
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PERIODO:
2 |
AQBRIL
21 DE 2025 |
JUNIO 20 DE 2025 |
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ESTRUCTURA
CURRICULAR
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GRADO OCTAVO |
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PERIODO ACADEMICO |
EJE GENERADOR |
UNIDAD |
CONTENIDOS TEMATICOS |
COMPETENCIAS |
INDICADORES DE DESEMPEÑO |
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CONCEPTUAL |
PROCEDIMENTAL |
ACTITUDINAL |
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PRIMERO |
Identidad y cultura |
LA PINTURA EN EL ARTE |
Teoría del color, colores
complementarios, fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales,
cubismo. |
Competencia cognitiva,
técnica, y creativa. |
Evalúan el conocimiento teórico y
comprensión del arte y la pintura. ·
Identifica
y describe los elementos básicos de la pintura (color, forma, textura,
composición). ·
Explica
conceptos artísticos como perspectiva, claroscuro, teoría del color o estilos
pictóricos. ·
Analiza
obras de artistas relevantes y reconoce su influencia en su propio trabajo. ·
Interpreta
el mensaje o intención comunicativa en una pintura propia o ajena. |
Miden las habilidades técnicas y
prácticas en la ejecución de la pintura. ·
Utiliza
adecuadamente materiales y herramientas (pinceles, espátulas, acrílicos,
óleos, etc.). ·
Aplica
técnicas pictóricas según el estilo o proyecto (acuarela, óleo, acrílico,
esgrafiado, etc.). ·
Desarrolla
una composición equilibrada empleando elementos como proporción, ritmo y
armonía. ·
Experimenta
con mezclas de colores, texturas y soportes para lograr efectos deseados. ·
Realiza
correcciones y ajustes durante el proceso creativo para mejorar su obra. |
Valoran la disposición, valores y
compromiso en el proceso artístico. ·
Muestra
interés y motivación por explorar nuevas ideas y técnicas. ·
Trabaja
con responsabilidad y cuidado en el manejo de materiales y espacios. ·
Acepta
y aplica críticas constructivas para mejorar su trabajo. ·
Valora
el arte como medio de expresión personal y cultural. ·
Colabora
en proyectos colectivos respetando las ideas de los demás. |
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CONOCIMIENTOS PREVIOS
la pintura en el arte
LA PINTURA EN EL ARTE
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área |
Educación artística |
periodo |
PRIMERO |
|
docente |
Jaime EVER Muriel |
Tiempo total |
10 semanas |
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ESTANDAR: El estándar del "saber ser" en
el ámbito conceptual de la teoría del color se
enfoca en la reflexión, valoración y actitud crítica del
estudiante hacia los fundamentos del color y su aplicación en el arte. No
solo se trata de conocer los conceptos, sino de internalizarlos,
apreciarlos y relacionarlos con su propia práctica artística y contexto
cultural. COMPETENCIAS
ESPECIFICAS: LA SENSIBILIDAD: Hace
referencia a la agudeza sensorial y emocional para captar detalles, matices y
armonías en el entorno y en el arte. ·
Indicadores: o
Observa
y analiza los efectos de la luz y el color en la naturaleza (ej.: cambios de
tonalidad en un atardecer). o
Identifica
sutilezas en obras maestras (ej.: las transparencias en las acuarelas de
Turner o el tratamiento de la piel en los retratos de Rembrandt). o
Escucha
y valora críticas o interpretaciones ajenas sobre su trabajo. La apreciación estética: La apreciación
estética en la pintura es la capacidad de observar,
analizar, interpretar y valorar una obra de arte más allá de su
aspecto superficial. Implica comprender sus elementos formales, su contexto
histórico-cultural y su impacto emocional o intelectual. Esta habilidad es
fundamental tanto para artistas como para espectadores, ya que enriquece la
experiencia artística y fomenta una mirada crítica. la comunicación: La pintura es una forma
de comunicación no verbal que transmite
ideas, emociones, historias y críticas sociales a través de elementos
visuales. A diferencia del lenguaje hablado o escrito, el arte comunica de
manera intuitiva, simbólica y sensorial. Competencias
Maristas: Los
colegios Maristas, inspirados en los valores de San
Marcelino Champagnat, integran el arte (especialmente la pintura) como una
herramienta para el desarrollo humano, espiritual y social. Estas competencias no solo buscan
habilidades técnicas, sino también valores, reflexión crítica y compromiso
comunitario. 1. Competencias
Técnicas y Creativas
Objetivo: Desarrollar habilidades
artísticas con excelencia. ·
Manejo de materiales: Uso responsable de acrílicos,
óleos, acuarelas y técnicas mixtas. ·
Teoría aplicada: Composición, color, perspectiva y estilos
(figurativo, abstracto, etc.). ·
Proceso creativo: Desde el boceto hasta la obra final, con énfasis
en la originalidad. Competencias socioemocionales: La pintura, más allá
de su dimensión estética o técnica, es una poderosa herramienta para el desarrollo
socioemocional. En el contexto educativo (incluyendo colegios Maristas),
trabajar estas competencias a través del arte permite a los estudiantes expresar
emociones, desarrollar empatía, gestionar conflictos y fortalecer su
autoconcepto. Competencias
ciudadanas: 1.
RESPETO A LA DIVERSIDAD Y LA INCLUSIÓN
·
Retratos multiculturales: Pintar personajes de diferentes
etnias, culturas o capacidades, valorando la riqueza de la diversidad humana. ·
Murales inclusivos: Crear obras colectivas donde cada estudiante
aporte elementos de su identidad personal o cultural. ·
Análisis crítico: Reflexionar sobre cómo el arte ha sido usado para
excluir o incluir grupos sociales a lo largo de la historia. 2.
PARTICIPACIÓN Y RESPONSABILIDAD DEMOCRÁTICA
·
Arte colaborativo: Realizar proyectos grupales donde se tomen decisiones
democráticas sobre temas, técnicas y estilos. ·
Pintura como protesta o propuesta: Crear obras que aborden
problemáticas sociales (ej.: contaminación, desigualdad) y propongan
soluciones visuales. ·
Galería estudiantil: Organizar exposiciones donde los estudiantes voten
y seleccionen las obras que los representarán en la comunidad escolar. |
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|
competencia:
Competencia técnica: permite desarrollar una actividad
artística con destreza y habilidad como la de colorear adecuadamente, pintar, dibujar, sombrear, entre otras realidades artísticas. |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados
con el
procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la
atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. competencia: Competencia expresiva: capacidad
para expresar de múltiples formas los propios sentimientos y emociones como
los sentimientos de los demás y del mundo. |
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|
competencia: Competencia
creativa:
genera sensibilidad para soñar, proyectar, idear,
proponer o crear nuevas y significativas realidades artísticas. |
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|
competencia: Competencia
estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
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saber ser
(competencia
interpretativa) |
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|
competencia: COGNITIVA habilidades cognitivas o capacidades
cognitivas a las aptitudes del ser humano relacionados con el procesamiento de la información, es decir, los que implican el uso de la memoria, la atención, la percepción, la creatividad y el pensamiento abstracto o analógico. |
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CONCEPTUALIZACION:
1.
TEORIA DEL COLOR:
¿Qué es la
teoría del color?
El color es una de las herramientas más
poderosas en el diseño gráfico. No solo tiene la capacidad de atraer la
atención, sino que también puede evocar emociones, transmitir mensajes y
establecer el tono de una composición.
Pero, para utilizar el color de manera
efectiva, es esencial comprender los principios que lo rigen, lo que nos lleva
a la teoría del color.
Esta teoría no solo nos ayuda a elegir
paletas armoniosas, sino que también nos proporciona una comprensión más
profunda de cómo los colores interactúan entre sí y cómo pueden influir en la
percepción del espectador.
¿En que consiste la teoría del color?
La
teoría del color es un conjunto de principios que
guían la combinación y el uso de los colores en el arte y el diseño. Se
basa en la comprensión de cómo los colores interactúan entre sí, cómo se
perciben por el ojo humano, y cómo pueden influir en las emociones y
percepciones.
La
teoría del color abarca conceptos como el círculo cromático, las relaciones
entre colores (como los colores complementarios, análogos y triádicos), y los
atributos del color (matiz, saturación y luminosidad). Al dominar estos
conceptos, los diseñadores pueden tomar decisiones más informadas sobre cómo
utilizar el color para transmitir el mensaje adecuado y lograr el impacto
visual deseado.
¿De dónde surge la teoría del color?
La teoría del color ha evolucionado a lo
largo de los siglos, con contribuciones de científicos, artistas y pensadores
que han buscado entender la naturaleza del color y cómo se puede utilizar de
manera efectiva. A continuación, repasaremos algunos de los hitos más
importantes en la historia de la teoría del color.
La Óptica de Newton (1704)
Isaac Newton es uno de los primeros en
estudiar sistemáticamente la naturaleza del color. En su obra
"Óptica" publicada en 1704, Newton descubrió que la luz blanca está
compuesta por una combinación de colores, que se pueden separar a través de un
prisma en los colores del espectro visible: rojo, naranja, amarillo, verde,
azul, índigo y violeta.
Este descubrimiento sentó las bases para
la comprensión científica del color y llevó al desarrollo del primer círculo
cromático, donde los colores se disponen en un espectro continuo.
Bases de la teoría del color
Para entender cómo aplicar la teoría del
color , es fundamental conocer algunas de sus bases:
¿Cuáles son los atributos del color?
Los colores se pueden describir mediante
tres atributos principales:
§ Matiz. Es
el atributo que define el nombre del color, como rojo, verde o azul. Es la
cualidad del color que lo diferencia de otros y es la base para identificar
colores específicos.
§ Saturación. Se
refiere a la intensidad o pureza del color. Un color altamente saturado es
brillante y vívido, mientras que un color con baja saturación puede verse
apagado o grisáceo.
§ Luminosidad
(o valor). Indica cuán claro u oscuro es un color. Esto se logra agregando
blanco (para aclarar) o negro (para oscurecer) al matiz original, lo que altera
la percepción del color sin cambiar su saturación o matiz.
¿Qué es el círculo cromático?
El círculo cromático es una representación
visual de los colores dispuestos en un círculo que muestra las relaciones entre
los colores primarios, secundarios y terciarios. Es una herramienta fundamental
en la teoría del color, ya que nos ayuda a entender cómo los colores se
combinan y contrastan entre sí.
·
Colores primarios. En
el modelo tradicional, los colores primarios son rojo, azul y amarillo. Estos
colores no se pueden obtener mediante la mezcla de otros colores y sirven como
base para crear todos los demás.
·
Colores secundarios. Se
obtienen mezclando dos colores primarios en partes iguales. En el modelo
tradicional, los colores secundarios son verde, naranja y violeta.
·
Colores terciarios.
Resultan de la mezcla de un color primario con un color secundario adyacente en
el círculo cromático, lo que produce colores como rojo-naranja o azul-verde.
El círculo cromático también se utiliza
para identificar combinaciones de colores armónicas, como:
o Colores
complementarios. Son colores opuestos en el círculo cromático, como el rojo y el
verde. Estos colores crean un fuerte contraste y son muy efectivos para llamar
la atención.
o Colores
análogos. Son colores que están uno al lado del otro en el círculo
cromático, como el azul, azul-verde y verde. Estas combinaciones tienden a ser
más suaves y armoniosas.
o Colores
triádicos. Se forman eligiendo tres colores equidistantes en el círculo
cromático, como el rojo, azul y amarillo. Esta combinación ofrece un alto
contraste, pero mantiene el equilibrio.
La teoría del color es una herramienta esencial,
ya que proporciona una comprensión profunda de cómo los colores funcionan
juntos y cómo pueden influir en las emociones y percepciones del público.
2.
LOS COLORES COMPLEMENTARIOS:
Los colores complementarios pueden
ayudarnos a conseguir combinaciones, contrastes y matices en nuestras pinturas.
Conocer bien los colores nos ayudará a poder plasmar y dar forma a aquello que
tenemos en mente.
Qué
son?
Los colores complementarios también
reciben el nombre de opuestos, debido a que, en el círculo cromático, se
encuentran en posición opuesta. Se trataría de dos colores que, situados frente
a frente dentro del círculo, pueden unirse con una línea recta.
¿Cuáles
son?
El color complementario de un color
primario será un color secundario, ya que este surge de la mezcla de los otros
dos primarios. Por ejemplo: el amarillo y el violeta serían complementarios, ya
que están enfrentados en el círculo cromático. El violeta se obtiene de la
mezcla del azul y el rojo. El azul y el naranja también son complementarios,
por la misma razón. Por último, el verde sería el complementario del rojo. Como
sabemos, el verde se obtiene al mezclar el amarillo y el azul.
Al igual que los colores primarios, los
secundarios y terciarios también tienen sus complementarios. Los secundarios
serían igual que los primarios, pero a la inversa, y los terciarios serían:
amarillo verdoso frente a rojo violeta, el azul violáceo frente al amarillo
anaranjado y el rojo anaranjado frente al azul verdoso.
¿Cómo
utilizarlos?
Conocer en profundidad la gama de colores
de la que podemos disponer, nos capacitará para poder alcanzar la variedad de
tonos que necesitamos. Una mezcla adecuada de los colores complementarios
permite hacer resaltar colores, conseguir tonos neutros o modificar la
saturación. Para conseguir un buen contraste, podemos mezclar dos colores
complementarios que tengan la misma saturación. Otra opción es utilizar uno de
los dos colores para pintar un área mayor.
Para utilizar los colores complementarios
es importante tener en cuenta que:
·
Debe predominar un color sobre otro. Por
lo tanto, no se deben mezclar en las mismas cantidades.
·
Cuando se sitúan uno al lado del otro, los
tonos de los colores complementarios se hacen más intensos. Esto nos puede
aportar a nuestra creación un mayor movimiento, dinamismo y drama.
·
Cuando se mezcla un color con su
complementario, se obtienen gamas de colores terrosos, quebrados o grises.
·
Para bajar la intensidad de pinturas que
estén muy saturadas o brillantes, resulta ideal el uso de colores
complementarios.
·
En los cuadros impresionistas, estos
colores representarían la luz y la sombra.
3.
DEGRADACCION DEL COLOR:
Los degradados o gradientes, esas transiciones de
color que comenzamos a ver nuevamente desde hace un par de años se han
convertido en un habitual de cualquier diseño, como en los años 90.
El diseño de marcas -como Instagram- se ha plagado
de diferentes degradados, no hay Apps, interface o aplicación que no veamos con
degradados y ha llegado a diferentes productos, elementos de moda y belleza
personal en los que también se aplican, no sabemos si en un afán de psicodelia
o reflejo de esa modernidad digital que nos rodea.
Un degradado o gradiente de color es un rango de
colores ordenados linealmente y en los que se va produciendo una transición
suave, gradual y progresiva entre ellos.
Se reduce el porcentaje de un color, mientras que
se aumenta el porcentaje del siguiente color, por lo que se van produciendo
nuevas tonalidades en las fusiones de estos colores.
Visualmente el resultado de esta fusión da una
sensación de profundidad, así como una mayor riqueza de color en los diseños.
Los colores planos son limitados y pueden
transmitir una imagen más fría o aséptica.
Mediante estas fusiones de color podemos crear una
nueva tonalidad, un color fresco, aportar matices, enfatizar ciertas partes del
diseño mediante las transiciones, las zonas de luz y la oscuridad de esa
transición de color.
También este uso de los degradados puede dar un
aspecto más cercano a la naturaleza, en la que se fusionan los colores y en la
que podemos inspirarnos para la creación de los degradados: puestas de sol,
cielos, mar, plantas, frutas… Todo es una fusión de color.
4.
PRODUCIONES BIDIMENCIONALES Y
TRIDIMENCIONALES:
BIDIMENSIONALES
Y TRIDIMENSIONALES
Las imágenes bidimensionales poseen dos
(bi) dimensiones, alto y ancho, se desarrollan en soportes planos por
medio del dibujo, la pintura, el grabado, la fotografía, el cine, el
video...aunque algunas puedan sugerir,
gracias a diferentes recursos (perspectiva, claroscuro...), la tercera
dimensión.
En las imágenes
tridimensionales podemos apreciar de manera tangible el volumen, poseen las
tres dimensiones del espacio (alto, ancho y profundidad): maquetas, relieves,
escultura y arquitectura.
Esta fotografía (imagen plana) nos muestra un
grupo escultórico con un fondo arquitectónico, la obra arquitectónica y la
escultórica se caracterizan por desarrollarse en el espacio tridimensional, las
luces y las sombras, junto con las variaciones del color captadas por la cámara
fotográfica nos sugieren su tridimensionalidad.
Este dibujo realizado a carboncillo
sobre un soporte plano(imagen plana) nos sugiere el volumen gracias
a la técnica del claroscuro.
El claroscuro es la técnica permite sugerir el volumen y
tridimensionalidad de los objetos representados, creando zonas de
luces y sombras por medio de diferentes tonalidades de grises, junto con el
blanco y el negro.
1.
MOVIMIENTO PICTORICO CUBISMO:
El cubismo fue el primer movimiento artístico
de vanguardia del siglo XX. Nació en el año 1907 de la mano de los pintores
Pablo Picasso y Georges Braque. Su impacto fue tan grande que se le considera
precursor de la abstracción y de la subjetividad artística en su sentido
contemporáneo.
Por primera vez en la historia, el movimiento
cubista estableció una auténtica ruptura con el arte occidental que, hasta
entonces, se basaba en la imitación de la naturaleza y en la idea de belleza.
Por ello, supuso un gran escándalo, sobre todo entre los más conservadores.
Características del cubismo
El cubismo representa la realidad mediante
el empleo dominante de elementos geométricos. Los objetos no se representan
como “son” o como se "ven", sino como han sido concebidos por la
mente. Se trata de la deconstrucción hacia formas geométricas esenciales,
orientando la atención al lenguaje plástico, la observación y el análisis.
Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte
A diferencia de los movimientos
predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista,
es decir, del principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del
arte. Esto lo convierte en el primer movimiento de vanguardia propiamente
dicho.
El cubismo da un paso más allá al
distanciarse de la representación de la naturaleza según los modos de
“percepción” de la vista o la emoción. Es así como logra la deconstrucción
plástica por la vía analítica, logrando crear en el cuadro una realidad propia,
independiente de cualquier referente y de cualquier intento por lograr la
verosimilitud.
ACTIVIDAD
CONCEPTUAL
Haz en tu cuaderno un resumen de la parte conceptual
y realiza un afiche en la aplicación de canva.
MOTIVACIÓN: valores
maristas: LA SENCILLEZ.
ACTIVIDAD 1:
Desarrollo de la actividad 1, observar el video sobre “EL VALOR DE LA SENCILLEZ”, y
realizar una reflexión, en su cuaderno.
https://www.youtube.com/watch?v=g1TdTpj1lf0
PLAN LECTOR: (LIBROS SUGERIDOS PARA EL PERIODO)
ACTIVIDAD 2:
Desarrollo de la actividad 2, haz tu propia reflexión de LECTURA
CRITICA DE LA TEORIA DEL COLOR, en tu cuaderno y contesta las preguntas.
Lectura
Crítica de la Teoría del Color
La Teoría del Color es un marco conceptual esencial en
disciplinas como el arte, el diseño, la psicología y la comunicación visual. Su
estudio abarca desde los fundamentos científicos hasta las aplicaciones
prácticas y simbólicas del color. A continuación, se presenta una lectura
crítica de sus aspectos clave, seguida de preguntas para reflexión.
1. Bases Científicas y Percepción
·
Física del Color: El color es una percepción creada por la luz y su interacción
con los objetos (absorción, reflexión). La teoría de Newton sobre la
descomposición de la luz (espectro visible) sentó las bases.
o Crítica: Si bien el modelo de Newton es
fundamental, no explica completamente la subjetividad cultural o individual en
la percepción del color.
·
Biológica y Psicología: La visión del color depende de los conos en la retina y
el procesamiento cerebral. Teorías como la opponent-process (Hering)
complementan el modelo tricromático de Young-Helmholtz.
o Crítica: La percepción varía según contextos
(ej.: iluminación, contraste), lo que cuestiona la existencia de "colores
absolutos".
2. Modelos y Sistemas de Color
·
RGB (Aditivo) vs. CMYK (Sustractivo):
o RGB (luz, pantallas) y CMYK (pigmentos,
impresión) son técnicamente opuestos, pero su coexistencia refleja la dualidad
entre lo digital y lo físico.
o Crítica: La dependencia del CMYK en la
industria gráfica limita la fidelidad cromática en impresiones económicas.
·
Rueda de Color y Armonías:
o Las armonías (complementarios, análogos,
triádicos) son herramientas útiles, pero su aplicación rígida puede sofocar la
creatividad.
o Crítica: ¿Es la armonía universal o
culturalmente construida? (Ej.: en Occidente, el rojo-verde es navideño; en
otras culturas, combinan paletas distintas).
3. Simbolismo y Cultura
·
Significado Contextual: El rojo puede significar pasión (Europa), suerte
(China) o peligro (global).
o Crítica: Las generalizaciones sobre simbolismo
ignoran subculturas y evoluciones históricas (ej.: el púrpura pasó de ser real
a kitsch).
·
Color en el Marketing: Marcas usan colores para generar emociones (azul =
confianza, verde = ecología).
o Crítica: ¿Es esto una profecía autocumplida? ¿O
hay estudios actualizados que respalden estas asociaciones en la era digital?
4. Limitaciones y Futuro
·
Accesibilidad: El daltonismo y la visión baja desafían el diseño inclusivo.
Herramientas como Color Oracle ayudan, pero falta conciencia
en la industria.
·
Tecnología: Pantallas HDR y colores hexachrome (CMYKOG) expanden gamas,
pero ¿cómo afecta esto a la estandarización?
Preguntas:
1. Científicas:
o ¿Hasta qué punto la percepción del color
es universal vs. individual?
o ¿Cómo influyen las nuevas tecnologías
(OLED, pantallas táctiles) en nuestra comprensión del color?
2. Artísticas/Diseño:
o ¿Deben las reglas de armonía cromática
seguirse al pie de la letra o son solo guías flexibles?
o ¿Cómo equilibrar la innovación con la
legibilidad en diseños disruptivos?
3. Culturales:
o ¿Por qué algunos colores trascienden
culturas (ej.: rojo = alerta), mientras otros varían drásticamente?
o ¿Cómo afecta la globalización a los
simbolismos tradicionales del color?
4. Éticas:
o ¿Es responsable el uso de colores
vibrantes en publicidad para niños, considerando su impacto psicológico?
o ¿Debería regularse la accesibilidad
cromática en plataformas digitales?
ACTIVIDAD 3:
Desarrollo de la actividad 3,
Describir una obra de arte:
Observa
la siguiente imagen de EL GUARNICA, DE PABLO PICASSO, y contesta las siguientes preguntas:
Descripción de la
obra: "La Guernica " de PABLO PICASSO
Guernica (1937) es una de las obras más emblemáticas del arte
moderno, creada por Pablo Picasso como respuesta al bombardeo de la ciudad vasca de Guernica
durante la Guerra Civil Española. Esta pintura, en blanco y negro, se ha
convertido en un símbolo universal del horror de la guerra y la lucha
humanista. A continuación, un análisis crítico y preguntas para reflexión.
1. Contexto Histórico y
Motivación
·
Bombardeo de Guernica (26 abril 1937): La aviación alemana e
italiana, aliada de Franco, destruyó la ciudad, causando cientos de víctimas
civiles.
o Crítica: Picasso, aunque
español, vivía en París y no era políticamente activo. ¿Fue Guernica una reacción
genuina o una estrategia para posicionarse ante el gobierno republicano (que le
encargó la obra para la Exposición Internacional de París)?
2. Estilo y Composición
·
Cubismo y Simbolismo:
o Las figuras
distorsionadas (el caballo agonizante, la madre con el hijo muerto, el toro)
reflejan el caos y el dolor, pero también la influencia del cubismo picassiano.
o Crítica: ¿Por qué Picasso
eligió el cubismo, un estilo a menudo considerado "intelectual", para
un tema tan visceral? ¿Logra transmitir mejor la fragmentación de la guerra?
·
Ausencia de Color:
o La paleta en blanco,
negro y grises evoca fotografías de periódicos (como las de Robert Capa), dando
un aire de "documental".
o Pregunta: ¿Hubiera tenido el
mismo impacto en color?
3. Iconografía y
Significado
·
Símbolos Clave:
o El toro: Interpretado como la
brutalidad, la España tradicional o, según Picasso, "la oscuridad y la
brutalidad".
o La bombilla: ¿Esperanza o la
tecnología usada para destruir?
o Crítica: Picasso nunca explicó
claramente los símbolos. ¿Es esto una fuerza (universalidad) o una debilidad
(ambigüedad)?
·
Lo Femenino y la Víctima:
o Las mujeres dominan la
composición (madre con hijo, mujer en llamas). ¿Refleja la vulnerabilidad de
los civiles o una visión patriarcal del dolor?
4. Recepción y Legado
·
Uso Político:
o Durante el franquismo, Guernica fue prohibida en España.
Hoy es un ícono antifascista.
o Pregunta: ¿Se ha banalizado su
mensaje al convertirse en un "símbolo genérico" de paz?
·
Arte y Activismo:
o Guernica inspiró
movimientos como el Artivismo. ¿Puede el arte cambiar la política o solo sensibilizar?
Preguntas
1.
Artísticas:
o ¿Por qué Picasso evitó
el realismo si quería denunciar un hecho concreto?
o ¿Cómo influyó el
cubismo en la capacidad de la obra para comunicar emociones?
2.
Históricas/Políticas:
o ¿Fue Guernica efectiva como
propaganda republicana en su momento?
o ¿Por qué sigue siendo
relevante en conflictos actuales (Ucrania, Gaza)?
3.
Simbólicas:
o ¿El toro y el caballo
representan a España o son arquetipos universales?
o ¿Por qué no hay
soldados en la obra, solo víctimas?
4.
Éticas:
o ¿Es apropiado
usar Guernica en protestas modernas
sin contextualizarla?
o ¿Puede el arte ser
"neutral" ante la guerra?
ACTIVIDAD 4:
Desarrollo de la actividad 4, realizar un mapa conceptual, observa el video de:
“COMO PINTAR UN PAISAJE, CON ESPONJA Y
ACRILICO”,
https://www.youtube.com/watch?v=N4CoUz5wWdY
ACTIVIDAD 5:
Desarrollo de la actividad 5, en su cuaderno elaborar ejercicios de teoría del color:
Teoría del
color:
Fondo y figura:
degradación:
Saber hacer (competencia propositiva)
|
|
competencia: Competencia creativa: genera sensibilidad
para soñar, proyectar, idear, proponer o crear nuevas y significativas realidades
artísticas. competencia: Competencia
estética: Facilita sentir, experimentar y
vivir el arte de manera sensible y apasionante. |
ACTIVIDAD 6:
Desarrollo de la actividad 6, en hojas de papel Kimberly y cartón prensado elaborar
trabajos creativos con la técnica del lápiz 6b, de dibujo de un paisaje,
bodegón, caricaturas.
PAISAJES:
BODEGONES:
CARICATURAS:
DESEMPEÑOS 1 PERIODO
Dibujo artístico
GRADO OCTAVO
DESEMPEÑO # 1
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Explica
y amplia, la conceptualización de la teoría del color, fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales,
y el cubismo, desarrollando un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
ALTO |
Desarrolla la
conceptualización de la teoría del color,
fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales, y el
cubismo, desarrollando un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables
en múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BASICO |
Reconoce la conceptualización de la teoría del color,
fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales, y el
cubismo, desarrollando un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables en
múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
|
BAJO |
Se
le dificulta valorar la conceptualización de la teoría del color,
fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales, y el
cubismo, desarrollando un conjunto de habilidades
cognitivas, técnicas y creativas aplicables en
múltiples disciplinas, que le sirven en su vida práctica. |
DESEMPEÑO # 2
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Aplica y propone, en ejercicios prácticos,
con un dominio avanzado de la teoría del
color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla y aplica en
ejercicios prácticos, la teoría del color, fondo y figura, degradación, producciones bi y tridimensionales,
y el cubismo, con elementos innovadores que van más allá de la
representación en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica con ejercicios prácticos,
la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
|
BAJO |
Se
le dificulta practicar
en su cuaderno y realizar ejercicios, en base a la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, con elementos innovadores
que van más allá de la representación en el arte. |
DESEMPEÑO # 3
|
DESEMPEÑO |
CONCEPTO |
|
SUPERIOR |
Domina
e innova, en nuevas obras de
arte, con base los al dominio de la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, desarrollando su
creatividad en el arte. |
|
ALTO |
Desarrolla nuevas obras de arte, con
base los al dominio
de la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, desarrollando su
creatividad en el arte. |
|
BASICO |
Reconoce y aplica, en nuevas obras de arte, con base los al dominio de la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, desarrollando su
creatividad en el arte. |
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BAJO |
Se
le dificulta crear nuevas obras de
arte, con base los al dominio de la
teoría del color, fondo y figura, degradación,
producciones bi y tridimensionales, y el cubismo, desarrollando su
creatividad en el arte.. |
LINCOGRAFÍAS:
1. Teoría
del color
2. https://concepto.de/teoria-del-color/
3. Concepto
de fondo y forma
4. https://www.billin.net/glosario/definicion-defecto-de-forma/
5. Concepto
degradación
https://dle.rae.es/degradaci%C3%B3n
6. Concepto
de producciones bi y tridimencionales
https://ele.chaco.gob.ar/mod/forum/view.php?id=286561
7. Concepto
de cubismo
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RECURSOS, FORMACION EN COMPETENCIAS Y criterios DE
EVALUACIÓN |
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RECURSOS: ·
Computador,
internet, lineamientos
curriculares del área de educación artística del Men, taxonomía de Bloom y Marzano – Kendall. FORMACION
EN COMPETENCIAS: las competencias
asociadas a la educación artística son habilidades, conocimientos y actitudes
que se relacionan en contextos particulares, y que deben tener unos dominios
específicos. en este sentido, el conjunto de conocimientos, habilidades,
actitudes, comprensiones y disposiciones que son responsabilidad de las artes
en la escuela permite identificar tres competencias de cuyo desarrollo se
ocupa la educación artística: 1 sensibilidad 2.apreciación estética 3.comunicación el desarrollo de estas competencias específicas surge en contextos inherentes a las
prácticas artísticas, es decir, es un aprendizaje situado en el ambiente
característico del taller de artes plásticas, en este sentido, es pertinente
hacer una mención de lo que algunos teóricos de la educación han denominado
“cognición situada” Por otra parte, es necesario aclarar
que las tres competencias específicas se abstraen aquí como ámbitos separados
únicamente para efectos de su abordaje conceptual y pedagógico. se supone que
de hecho están presentes e integradas y operan en todo momento de la
actividad artística del estudiante, incluso en el examen de un mismo producto
o una evidencia de aprendizaje. por ello, debe aclararse que en este
documento orientaciones pedagógicas para la educación artística en básica y
media se requiere analizarlas por separado, aunque en el acto de enseñanza
aprendizaje tengan lugar de manera simultánea y compleja. a continuación, se
presenta cada una de las tres competencias. NIVELES
DE PENSAMIENTO: Habilidades por dimensión: RAZONAMIENTO/DESARROLLO DEL PENSAMIENTO Pensamiento investigativo: observación,
identificación, comparación, descripción. Pensamiento creativo:
representación mental, analogía. LENGUAJE/DESARROLLO COMUNICATIVO Escucha Habla Escritura Lectura Asertividad
Comunicación efectiva ESPIRITUALIDAD/FORMACIÓN
ESPIRITUAL Autonomía SOCIABLES/GESTIÓN DE EMOCIONES Relaciones
interpersonales Solución de problemas y conflictos Toma de decisiones Manejo
de tensiones y estrés CORPOREIDAD/DESARROLLO CORPORAL Autocuidado Lenguaje corporal. CRITERIOS
DE EVALUACIÓN:
La evaluación la evaluación
constituye una actividad mediante la cual los maestros tienen la oportunidad
de monitorear los procesos de enseñanza y de aprendizaje de sus educandos, en
la búsqueda de afianzar, mejorar, consolidar, valorar y complementar los
aprendizajes de éstos. Al respecto es conveniente recordar
los rasgos fundamentales que caracterizan a la evaluación con enfoque
formativo (en los niveles de educación básica y media) en el aula, tanto en
el arte como en otras áreas del conocimiento: • es formativa,
motivadora, pero nunca sancionatoria. • utiliza diferentes técnicas y hace
triangulación de la información, para emitir juicios y valoraciones
contextualizadas. • se centra en la forma como el
estudiante aprende, sin descuidar la calidad de lo que aprende. • Es transparente, continua y procesual. • convoca a todas las
partes que intervienen en el proceso, en un sentido democrático y fomenta la
autoevaluación en ellas. Rúbrica de autoevaluación y
coevaluación:
En esta
rúbrica, evaluaremos la capacidad de los estudiantes para crear arte utilizando
diferentes elementos y materiales. La
autoevaluación permite a los estudiantes evaluar su propio trabajo. la
coevaluación les permite evaluar el trabajo de sus compañeros. Los criterios de evaluación se
basan en los siguientes objetivos de aprendizaje:
Indicadores:
·
Innovación: Uso
de enfoques creativos y soluciones originales en la composición y el estilo. ·
Expresión personal: Desarrollo
de un estilo propio que refleje la personalidad y visión del estudiante. ·
Experimentación: Exploración
de técnicas, materiales y conceptos nuevos. CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SER Para evaluar el desempeño
en dibujo
artístico en el grado octavo,
enfocándose en los temas de historia del dibujo, técnicas de sombreado y valor tonal, dibujo de observación, composición y diseño, expresión y creatividad, apreciación artística y proyectos integradores, se pueden
establecer criterios de evaluación basados en los saberes saber, hacer, ser y convivir. A continuación, se
detallan los criterios para cada tema:
. 1. TEORÍA DEL COLOR
Criterios: ·
Identifica
y aplica colores primarios, secundarios y terciarios en composiciones
originales. ·
Explica
el significado emocional/cultural de su paleta de colores. ·
Experimenta
con mezclas para crear matices personalizados. Recursos de evaluación: ·
Rúbrica de mezclas: Tabla
donde registre aciertos al crear tonos específicos (ej.: "logró la verde
oliva mezclando X+Y"). ·
Diario de color: Bitácora con muestras de pintura y reflexiones (ej.:
"Este rojo me recuerda a.."). ·
App recomendada: Color Wheel Pro (para ejercicios
interactivos). 2.
COLORES COMPLEMENTARIOS
Criterios: ·
Aplica
parejas complementarias para generar contraste o armonía. ·
Justifica
su uso en obras propias (ej.: "Usé naranja-azul para resaltar la
tensión"). Recursos de evaluación: ·
Plantilla de análisis: Cuadrícula para comparar obras
con/sin complementarios. ·
Juego "Adivina el complemento": Tarjetas con colores que deben
emparejar en tiempo limitado. ·
Recurso físico: Rueda cromática manipulable. 3. FONDO Y FIGURA
Criterios: ·
Crea
jerarquías visuales claras entre fondo y figura. ·
Usa
el fondo para contextualizar el mensaje (ej.: fondos texturizados para dar
profundidad). Recursos de evaluación: ·
Plantilla de superposición: Papel calco para que tracen la
relación figura-fondo en sus obras. ·
Ejercicio "Fondos cambiantes": Fotografiar una misma figura con 3
fondos distintos y analizar el impacto. 4. DEGRADACIÓN
Criterios: ·
Domina
transiciones suaves entre colores. ·
Vincula
la técnica con conceptos abstractos (ej.: degradado = paso del tiempo). Recursos de evaluación: ·
Escala de valoración: Del 1 al 5 en suavidad del degradado (usando plantilla
de gradiente). ·
Video-tutorial: Que graben su proceso explicando los pasos. 5. PRODUCCIONES BIDIMENSIONALES
Criterios: ·
Compone
imágenes con equilibrio visual (regla de tercios, puntos focales). ·
Integra
símbolos para comunicar mensajes. Recursos de evaluación: ·
Checklist de composición: Lista con elementos a verificar (ej.:
"¿Hay un centro de interés claro?"). ·
App: Canva para
diseñar versiones digitales y comparar variaciones. 6. PRODUCCIONES TRIDIMENSIONALES
Criterios: ·
Manipula
materiales (papel maché, arcilla) para crear volumen. ·
Relaciona
la forma 3D con un concepto (ej.: escultura de manos = solidaridad). Recursos de evaluación: ·
Maqueta digital: Usar Tinkercad para diseños previos.
CRITERIOS Y RECURSOS DE EVALUACIÓN POR SABERES SABER SABER Área: Pintura - Grado Octavo 1. CRITERIOS DE
EVALUACIÓN
A. TEORÍA DEL
COLOR
|
DOMINIOS DE CONOCIMIENTO ARTISTICO
En
la educación artística los dominios a desarrollar y evaluar, entendidos como
proceso y resultado son los siguientes:
1.
PRODUCTIVO:
Corresponde
a la creación de obras creativas en el arte, según los elementos correspondientes:
a. Habilidad
técnica en el empleo de materiales e instrumentos.
b. Aspectos
técnicos y expresivos: Relación entre lo que se expresa y las formas.
c. Imaginación
creativa: Ampliación de límites e invención.
2.
CRITICO:
Son
tres conductas a evaluar, aprender, enseñar y aprender:
a. Observación
y descripción de las obras de arte, visuales y materiales de las obras de arte.
b. Interpretación
de la obra de arte, lo que equipara a la base de la crítica de arte.
c. Evaluación,
se identifican acciones y procesos posibles y por lo tanto evaluables al ser
analizables.
3.
CONCEPTUAL:
Corresponde
con el ámbito social, histórico y cultural del arte. Su terminología y sus
subdiviones que fundamentan en categorías.
VALORACION DEL PROCESO:
Corresponde a la necesidad de evaluar los
resultados de la aplicación del currículo al final de la actividad y durante el
programa. Al establecer el nivel de comprensión de los estudiantes de lo
enseñado de sus actitudes y sentimientos con relación a las guías didácticas de
artística.
VALORACION DEL PRODUCTO:
Evalúa
los resultados de la unidad didáctica al terminar cada periodo, y determina el
valor del desempeño de los ejes temáticos planteados en la guía de trabajo.
|
¿QUE EVALUAR? |
¿COMO EVALUAR? |
|
CRITERIOS |
|
|
CRITERIOS DE EVALUACION |
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|
1. Como
objeto material construido por el estudiante: |
|
|
a.
Materiales |
Calidad y
variedad de materiales |
|
b. Instrumentos |
Adecuados ya
los materiales y utilizados adecuadamente |
|
c. Técnica |
Conocimiento de
la técnica |
|
d. Soporte |
Apropiada para
la técnica y dimensiones |
|
e. Dimensiones |
Tamaño y
formato adecuado a la técnica |
|
f.
Ejecución |
Limpieza y
cuidado para la ejecución |
|
g. Presentación |
Limpieza y
cuidado para la presentación |
|
2. Como
objeto artístico: Valores formales: |
|
|
a. Espacio |
Distinción
entre lo próximo y lo lejano, arriba, abajo. Utilización de la perspectiva |
|
b. Volumen |
Posesión del
volumen de los cuerpos y objetos |
|
c. Iluminación |
Las fuentes de
luz parecen señaladas nítidamente. Las sombras tienen relación con las fuentes
de luz. |
|
d. Color |
Armonía y
diversidad cromática, mezclas adecuadas, reparto equilibrado , contrastes
cromáticos |
|
e. Composición |
Expresión
armónica del conjunto, equilibrio entre las partes de la obra |
|
f.
Proporciones |
Proporciones
entre las distintas partes de la obra |
|
g. Movimiento |
Dinamismo y
fuerza de las figuras y la composición |
|
2.2.Valores simbólicos: |
|
|
a. Identificación de los objetos y
personajes |
Diversidad de
objetos, personajes y presencia de detalles |
|
b. Relaciones |
Interactuación
entre personajes y objetos |
|
c. Asunto |
Claramente
determinado |
|
d. Tema |
En concordancia
con el tema y la técnica |
|
e. Símbolos representados |
Representación
apropiada |
|
f.
Carácter
simbólico general |
Grueso de la
representación simbólica |
|
2.3.Valores vitales: |
|
|
a. Ideas o sentimientos representados |
Los personajes
y sus acciones presentan sentimientos |
|
b. Ideas o sentimientos que representa la
obra |
La obra se
muestra alegre, triste, melancólica, etc. lo expresa claramente |
|
2.4.Producto creativo |
|
|
a. Originalidad |
La obra de arte
presenta características innovadoras, respecto a la producción del estudiante
o del resto de compañeros |
|
b. Fluidez |
El estudiante
tiene una copiosa producción |
|
c. Flexibilidad |
La obra agrupa
una gran variedad y diferencia de ideas y campos |
|
d. Elaboración |
Las ideas no
han quedado abocetadas, sino acabadas. |
ESCALA DE VALORACION NACIONAL E INSTITUCIONAL
Y SU RESPECTIVA EQUIVALENCIA.
Artículo 12. La escala de valoración
institucional será de acuerdo a la escala nacional de desempeño y numérica
entre los límites de 1,0 a 5,0 y se expresará con un solo decimal, con
aproximaciones según la estadística.
La
evaluación valora la dimensión cognitiva, procedimental y actitudinal del
estudiante, y se describe de manera conceptual y cuantitativa acorde con la
categoría y escala nacional establecida en el decreto 1290 de 2009.
|
ESCALA
NACIONAL |
ESCALA
CUANTITATIVA |
DESEMPEÑOS
|
|
DESEMPEÑOS
|
4.6
A 5.0 |
1.
De manera coherente, explica y da cuenta de lo que escomo estudiante, de lo
que hace y lo que sabe. 2.
Razona, comprende, interpreta, argumenta y propone soluciones. 3.
Participa activamente en el desempeño y desarrollo de las diferentes
actividades en la institución y/o fuera de ella. 4.
Maneja adecuadamente los conceptos aprendidos y los relaciona con experiencias
vividas, adoptando una posición crítica y creativa. 5.
Manifiesta sentido de pertenencia |
|
ALTO |
4.0
A 4.5 |
1.
El estudiante, de manera eficiente, hace uso comprensivo del conocimiento:
relaciona, representa, transforma, resuelve, diferencia, se apropia de los
conceptos. 2.
Manifiesta sentido de pertenencia 3.
Aporta ideas que aclaran las posibles dudas que surjan durante el proceso
empleando diferentes fuentes de información. 4.
Presenta a tiempo sus trabajos, consultas, tareas. |
|
BASICO
|
3.0
A 3.9 |
1.
El estudiante, de manera apropiada reconoce y distingue conceptos
(Identifica, compara y clasifica). 2.
Relaciona los conceptos aprendidos con experiencias de su vida con la ayuda
de los demás `para nivel alto |
|
BAJO |
1.0
a 2.9 |
1.
No alcanza los desempeños necesarios y requiere de actividades de refuerzo y
superación, sin embargo, después de realizadas las actividades de nivelación
no logra alcanzar los desempeños propuestos. 2.
El estudiante, evidencia dificultades en el aprendizaje, presenta altos
niveles de inasistencia injustificada, manifiesta abandono y desinterés por
los procesos de adquisición del conocimiento, procedimentales y
actitudinales. |
JAIME EVER MURIEL DESCANCE – MAESTRO EN ARTES PLASTICAS
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